Piggledy Pop

Yellow Ostrich

2012-02-29T11:39:00.003Z

Alex Schaaf, new-yorkais depuis 2010, originaire du Wisconsin, est le nouveau roi du bricolage sonore. Formidable musicien à la tête de Yellow Ostrich, guitare et piano, son chant est clair et délicat. Depuis l'album éponyme sorti en mars 2009, le jeune homme inspiré et actif, produit Carousels, un EP de 5 titres en mai 2009, l'album Wild Comfort en décembre 2009, le single Whalemary en mars 2010, l’EP The Serious Kids en mai 2010, l'EP Morgan Freeman en août 2010 et le surprenant EP Fade Cave qui ne comporte que sa voix et rythmique.

Les mélodies sont hors schémas, hors temps, d'une originalité sans bornes font de leur créateur un extra-terrestre virtuose.

Alex Schaaf compose et enregistre ses titres chez lui. Il utilise sa voix qui tour à tour complete la rythmique ou se place en guise de clavier, de guitare. Au fur et à mesure il se dévoile, montre sur disque et sur scène ses pouvoirs étendus de compositeur et de technicien. Son domaine musical varié, étonnant, oscille entre la pop, l'electro, le folk, l'accapella et quoiqu'il en soit, son travail frôle constamment le chef d'oeuvre. Le fourmillement de voix et d'harmonies de choeurs, la basse, les guitares, la batterie et les rythmiques soupoudrés, savamment dosés et aboutis, créent un ensemble émouvant et épatant.

TheShakedownMP3

En février 2012 sort l’album de Yellow Ostrich, Mistress, qu'il présente en concert avec ses deux acolytes, le multi-instrumentaliste Jon Natchez et le batteur Michael Tapper. D’ores et déjà, le trio part à l’assault de son public avec Strange Land, le quatrième album qui vient de sortir, avec le savoir-faire de l’ingénieur Beau Sorenson (Death Cab for Cutie, Sparklehorse) et sur lequel Natchez de Beirut, the Antlers, et Camera Obscura, et Tapper qui joue dans We Are Scientists et Bishop Allen, apportent leur griffe en ajoutant du cor et une excellente rythmique. La discographie du désormais trio Yellow Ostrich est chaleureusement indiquée par Piggledy Pop tout comme les reprises qu'il offre de Joanna Newsom, Yeasayer, The National, Beach House ou encore du Velvet Underground, Wire et de Neil Young (en privé, dans leur van).

YellowOstrichMyspace
YellowOstrichSite

Soft White Sixties

2012-02-28T14:44:00.000Z

Groupe californien émergent en 2011 avec un premier EP éponyme, les Soft White Sixties ont un savoir-faire et une présence sur scène de professionnels. Le chanteur Octavio Genera qui ne troc ni son tambourin ni sa guitare, a un charisme fulgurant qui ne tient pas de son profil capillaire seventies. Le reste du groupe est au même titre excellent. Les guitares rock balancent des riffs bien huilés, les claviers se déchainent sur des sonorités psychédéliques qui nous renvoient à des temps woodstockiens. Queen of the press Club et When all this started sont proprement rock’n roll, les paroles amoureusement pertinentes et décoiffantes. Live in the Evening et I am où règnent le tambourin et le hand-claps, sont enjouées, ornées d’arrangements pop plutôt sixties. Better Way et Too Late avec l’harmonica, la batterie arrogante, la basse groovy, forment un blues-rock éxecuté avec une grande classe, une sacrée manière de mettre les décibels dans les guitares.

IAmMP3SoftWhiteSixties

Les Soft White Sixties mettent de l’adrélanine dans leurs compositions, de la jouissance dans l’interprétation, qui les rapprochent des grands comme Cream, les Faces ou les Who et qui promettent des surprises sur scène. C’est un groupe inspiré, techiquement doué, au répertoire sucré-salé, qui sait aussi bien jongler avec du rock chevelu, du blues barbu et de la pop cravatée. Leur premier album est prévu pour 2012 avec à la clé une tournée internationale. C’est un rendez-vous plus que notable.

SiteSoftWhiteSixties
MyspaceSoftWhiteSixties

AB & The Sea

2012-02-25T22:21:00.001Z

Ils débarquent en 2009 avec un premier ep chaud et ensoleillé, Suzie / Yellow Haired Girl - Split A Side qui plante d’emblée le décor californien et l’ambiance surf. Avec des airs rétro dans les compo, les AB & the Sea offrent un superbe EP qui dépoussière le genre surf-pop sixties des Beach Boys mais pas trop car en écoutant de plus près, il y a aussi dans Suzie, des sonorités des Everly Brothers de 1957 et Simon & Garfunkel de 1964. Ils réitèrent en juillet 2010 avec l’EP Boys & Girls, un cinq titres qui commence par Bone dry et donne envie de jongler avec des noix de coco, de se roder les poignets au lancer de freesby et de swinguer dans les châteaux de sable.

Le 25 janvier 2011, les AB & the Sea récidivent avec le deuxième EP Run, Run, Run qui annonce, avec le single In the Sunshine de juin 2011, un premier album pour 2012. Le groupe est composé du chanteur et guitariste Koley O’Brien dont le charme fait craquer toutes les midinettes de Santa Cruz Beach qui oublieraient presque l’existence des Black Keys, par le diabolique David Hunt, qui fait vibrer les synthétiseurs, rend les partitions de clavier psychédéliques avec la complicité du batteur Toy Lawton, de Joe Spargur et Ben Laatsch, à la guitare et à la basse.

Ces cinq satanés surfeurs font une pop très emportée et exaltée. Les guitares ronronnent comme dans les sixties, les cordes sautent et les arrangements deviennent rock. La basse frénétique offre des sons vaillants et rayonnants. Armés du saxophone, tambourin, clap-hands et de la trompette, les AB & The Sea, fraichement arrivés à San Francisco, s’entourent des groupes avec qui ils ont déjà joué en tournée, The Fruit Bats, Chris Chu des The Morning Benders et Eric Frederic des Wallpaper qui produisent et enregistrent les titres des EP et du LP à venir. Le résultat sonne superbement beatlesien. Bel avant-goût d’été, les AB & The Sea sont à découvrir absolument.

AB&TheSeamyspace

Sophie Madeleine

2012-02-16T20:33:00.000Z

Originaire de Brighton, cette jeune auteur-compositeur de 25 ans apparait en 2009 avec un single nommé Stars. Depuis Sophie Madeleine ne cesse d’écrire et de jouer. Un premier album Love. Life. Ukulele essentiellement habillé de ukulélé et de titres acoustiques, annonce un son immense talent pour la composition et l’interprétation. Elle assure seule (hormis la flûte, violoncelle et trompette) les arrangements de cet album, y joue de la guitare, du glockenspiel, du ukulélé, des percussions, de l’orgue et peaufine le tout chez elle sur sa table d’enregistrement. Pour couronner le tout, elle produit elle-même son disque et après une tournée en Allemagne, Etats-Unis, Royaume Uni, tous les exemplaires sont déjà vendus .

Avec ses airs à la Jill Sobule dans la voix et sa manière de lancer sa carrière, Sophie Madeleine surprend de plus belle en reprenant 30 titres en l’espace de 30 jours et offrant en bonus ses reprises via youtube sur son blog. Parmi celles-ci, on peut entendre ses références musicales, voir les artistes qui l'inspirent comme Foster The People, Gruff Rhys, Darwin Deez, Willy Wonka, the Chiffons, Bee-Gees, Magnetic Fields, Charlie Chaplin, Feist etc. La jeune artiste anglaise, diplômé d’un master en Songwriting à l’université de Bath, avoue être fan également de Françoise Hardy et des Rolling Stones.

WhenNewYearComesAround

La compositrice et chanteuse surdouée est acclamée par les médias anglais, invitée par Steve Lamacq sur la BBC, elle est aussi invitée par Gruff Rhys pour un duo au Mercury Lounge de New-York. Elle tourne depuis un an pour faire connaitre The Rhythm You Started, son disque sophomore, signé le 25 décembre 2010, plus pop, plus fourni en instruments, armé d’une rythmique entrainante. Le disque fleuri de guitares, maracas, mandoline, de flûte, violoncelle, trompette, tambourin, et piano, démontre que ses talents sont étendus et ses connaissances éclectiques. Elle a un nouvel troisième album en préparation et s’apprête à partir sur les routes cet été avec son groupe de Brighton. Multi-instrumentiste, Sophie Madeleine entre au panthéon de la pop, où sont Feist et Gruff Rhys qu’elle admire, pour ne cesser de composer encore de bien magnifiques titres. A suivre !

sophiemadeleineMyspace
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Lower Dens

2012-02-09T21:36:00.001Z

Lower Dens est le nouveau groupe de la musicienne et chanteuse texane Jana Hunter, signé sur Gnomonsong, le label conduit par Devendra Banhart.

Alors que Twin-Hand Movement, un premier album, à l’atmosphère dream-pop et instrumentale sort en 2010, voilà les prolifiques Lower Dens de retour avec Nootropics qui sortira le 30 avril 2012. Il est déjà possible d’entendre leur single Brains sur leur site, titre qui sonne très prometteur.

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Jana Hunter n'est pas une débutante. Elle joue dans divers groupes depuis dix ans, Viking Moses, Castanets, CocoRosie, Peter & the Wolf, Meadows, Matty & Mossy (composé de Matt Frey et John Hunter avec qui, en compagnie de Chris Bishop, elle enregistre le fabuleux Fraimers Haimey) et collabore surtout avec Devendra Banhart, pour les enregistrements ou sur scène lors des tournées.

Classé dans le genre anti-folk, shoegaze, les guitares viennent fouetter les arrangements electro et une rythmique soft qui se rapproche du genre pop psyché. En attendant la comète Nootropics au printemps, Piggledy Pop recommande de tendre l’oreille sur l’opus Twin-hand Movement où Jana Hunter, qui me rappelle Nico dans sa personnalité mystérieuse et l’interprétation androgyne avec un don absolu pour la composition en bonus, est étincelante.

LowerDensSite

Tim Cohen

2012-02-07T21:41:00.000Z

Somptueux cocktail de pop et de psychédélisme, il y a chez Tim Cohen des arrangements qui évoquent Love, Belle and Sebastian, Gorkys, Neutral Milk Hotel et une voix tantôt suave, tantôt écorchée à la Jonathan Richman et Jarvis Cocker. Basé à San Francisco, Tim Cohen leader du groupe Fresh & Onlys depuis 2008 avec qui il signe quatre albums rock garage, sort trois albums en parallèle et en solo, dont l’opus Two Sides Of Tim Cohen en 2009.

Album introspectif, mélancolique, il sera suivi en 2010 par Laugh Tracks qui, comme son titre met la puce à l’oreille, tout aussi personnel que le précédent, est plus gai, plus ensoleillé.

Le tempo pop qui habille le disque sent le sable chaud californien. Les guitares rock distillent un parfum sixties dans Wonderful Life, les trompettes et les tambourins de A Mind Of Their Own distribuent des notes euphorisantes dans la veine de Sarah Records. Send no Sign, Mine’s the One, Pray for me, ornées du trémolo des guitares stellaires, accompagné de l’orgue psychédélique et des trompettes vitaminées revisitent les fifties gratifiées d’un détour par les sixties.

Tim Cohen, inspiré, produit avec son harmonica à la Dylan, ses claviers, cuivres et guitares un rock psyché, osé, original et une pop intemporelle et lumineuse.

Le 22 février prochain sort son troisième album Magic Trick et là encore la qualité des compositions est impressionnante, la rythmique rafraichissante et efficace.

Le premier titre I Am Never Going to Die rappelle le Velvet Underground. De ci, de là, les sonorités sixties sont mêlées aux arrangements contemporains. Tim Cohen sait étinceler ses textes en chantant avec classe et justesse. Magic Trick qui offre l’amicale collaboration de Alicia Vanden Huevel des Aislers Sets sur Legerdemain et dont la présence vient ajouter du brillant à la myriade de choeurs et de voix est un album surprenant et fascinant. Tim Cohen part en tournée le présenter, aux Etats-Unis et Europe et reviendra avec un nouvel album des Fresh & Onlys en Avril. Ayant son propre label, Captured Tracks, il semble décidé à continuer d’écrire, de produire, de jouer en live, de faire vibrer la pop indé pour notre plus grand plaisir.

MyspaceTimCohen
SiteTimCohen

Ewert And The Two Dragons

2012-01-23T20:47:00.000Z

Ewert And The Two Dragons est un groupe estonien, qui compte quatre musiciens : Ewert Sundja au chant, clavier, Erki Pärnoja au chant, guitare, Kristjan Kallas aux percussions et à la batterie et Ivo Etti au chant, guitare, et basse. La formation initiale, Ewert, Erki et Kristjan, offre un premier album en 2009, The Hills Behind The Hills. Le succès est immédiat et Ewert And The Two Dragons gagne une jolie renommée qui passe les côtes de la Baltique, acclamé par les médias comme meilleur groupe d’Estonie en 2010. Après une série de concerts, de festivals, une reconnaissance de la presse rock, le groupe signe chez un petit label indépendant, I Love You records. En avril 2011, les trois membres de Ewert And The Two Dragons rejoints par Ivo partent en studio pour enregistrer le deuxième album Good Man Down dont la sortie est prévue le 30 janvier 2012.

Sailor Man by Ewert and The Two Dragons

Le disque est composé de dix magnifiques titres pop, qui tour a tour, emmènent dans un monde d’arpèges folk, de rythmes chaloupés et dansants, de voluptés médiévales dans les textes comme dans le nom de groupe (choisi par Ewert et sa femme). Les cordes vibrent avec les cuivres, le clavecin et le piano côtoient les trompettes. On pense aux groupes anglais, Teenage Fanclub, Boo Radleys, mais aussi à Elliott Smith dans notamment Falling. Chaque mélopée a son charme et sa brillance, chaque composition ensoleillée a du chien et de l’excellence. L’album est composé avec dextérité, très inspiré. Du piano délicat de Road To The Hill, à la douceur de Panda, au rythme entêtant de Jolene ou de Sailor Man, à la préciosité renversante de Burning Bush, Good Man Down enveloppe, surprend par tant de genres mêlés et maitrisés qu’on ne lâche plus une seule note.

Burning Bush (Live @ Nokia Concert Hall) by Ewert and The Two Dragons

Les textes romantiques sont touchants, les arrangements montrent tout le savoir faire des quatre artistes qui sont dans la musique depuis des années et comptent le rester. Musiciens de scène, les Ewert And The Two Dragons ont hâte de jouer Good Man Down en concert. Suite à une tournée automnale qui les a menés en Allemagne, Suède, Finlande, Autriche et Danemark, ils seront en France en Avril pour quatre dates.

EwertAndTheTwoDragons

Darren Hanlon

2012-01-18T19:56:00.001Z

Originaire du Queensland, l’australien Darren Hanlon grandit en passant des après-midi chez un voisin prof de musique qui lui prête ses disques des Sex Pistols et des Smiths. Il entre en musicologie à l’Université et devient guitariste de 1994 à 1998 des Simpletons. Quand le groupe s’arrête de jouer, Darren devient le guitariste et clavieriste des autres groupes du label des Simpletons : les Lucksmiths et les Deerhunters. Très vite le créateur du dit label Candle Records, Chris Couch, lui demande d’enregistrer ses propres chansons sur cassette et en 1999, Darren Hanlon se lance en solo avec l’EP Early Days, suivi de l’excellent EP Hiccups, qui contient un de ses plus beaux titres Eli Wallach. L’acteur Eli Wallach a d’ailleurs eu la délicatesse d’accepter l’invitation de paraitre dans la vidéo de I Wish That I Was Beautiful For You. (vidéo en fin de chronique)

Ses compositions pop acoustiques vont le mener aux Etats-Unis où la radio nationale passe le dernier titre de Early Days, interprété au banjo, Falling Aeroplanes . Sa prestance, sa fraicheur et son insouciance sont libérées sur scène mais aussi dans ses paroles et ses instrumentations ornées de flûtes, cor, metallophone, d'orgues et de trompettes. Alors qu’il enregistre l’album Hello Stranger en 2002, il travaille un autre album en binôme avec la multi-instrumentaliste Bree van Reyk. Ensemble, ils composent des mélodies gaillardes aux arrangements joyeux, écrivent des textes touchants comme sur Brooklyn Bridge ou encore I Wish That I Was Beautiful For You et enregistrent l’album Little Chills à Tucson en 2004. Ils feront une grande tournée en Australie, Etats-Unis et Europe pour le présenter. C’est là que Darren s’installe pendant sept mois en emménageant à Oxford. Au cours de son aventure européenne, il jouera au sein du groupe Ladybug Transistor comme guitariste pour une tournée en Scandinavie. Puis il rejoint les Magnetic Fields pour une série de concerts à New-York.

ButterflyBonesMP3

En 2004, Darren Hanlon retourne en Australie et avec la collaboration de ses amis Bree van Reyk, le pianiste et trompettiste Cory Gray, et le guitariste des Lucksmiths, Mark Monnone, il signe l’album Fingertips and Mountaintops. Les guitares sautillantes, la trompette, les percussions et les claviers offrent un album joyeusement pop, parfait, percutant. Il sera joué par la troupe d’amis partout en Europe en accompagnant derechef les Magnetic Fields en tournée. Avec une énergie infinie, son insatiable besoin de jouer et composer, Darren Hanlon publie en vinyle le superbe Electric Skeleton et l’année suivante en 2009, un disque compilant les singles et des inédits, Pointing Rayguns at Pagans. On y découvre des thèmes romantiques, des mélodies élégantes, une classe terrible dans l’interprétation et dans sa voix saisissante.

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2012, le dernier album I Will Love You At All est plus que jamais l’album qui correspond à Darren Hanlon, qui dévoile tout le charme de son univers amusant via des partitions de ukulélé, d’orgue, évoquant ses lectures, ses musiques allant des Beatles à Elvis son harmonica, proposant des titres rythmés, dansants, parfois mélancoliques, parfois psychédéliques. L’influence des amis qu’il a accompagnés, les Lucksmiths, les Ladybug Transistor et Billy Bragg, avec en bonus un clin d’oeil aux Smiths, est resplendissante. Album dorloté par Piggledy Pop et conseillé !

DarrenHanlonSiteOfficiel

Bikini Machine

2012-01-13T22:35:00.001Z

Bikini Machine, combo rennais, signe en 2006 un superbe album intitulé Daily Music Cookin’ with Bikini Machine dont est extrait La pharmacie anglaise, titre qui marie des choeurs de surfers, un chanter-parler, des claviers vintage et guitares sixties.

Bikini Machine c’est du groove, de la soul, du funk, du big-beat, de l’electro, du jerk, du rock surf, du rock vintage etc. Leur culture est riche, leurs influences divines, des Sonics à Dutronc (dont ils ont fait un album de reprises en 2005, Bikini Machine joue Dutronc). C’est aussi Austin Power, John Barry, J.J Perrey, l’inspecteur Harry, Hawai Police d’état, la tiki lagoon…etc. Ils aiment le cinéma des années 60 avec, par exemple, le film Doctor Goldfoot and the Bikini Machine.

PharmacieAnglaiseMP3

Le groupe, Fred Gransard au chant, batterie et claviers, Mik Prima à la guitare, batterie et claviers, Patrick Sourimant à la basse et chant, Franck Hamel à la guitare et chant, et Sam Michelaux platines et claviers, a de sacrées références.

Les Bikini sont Rock’n Roll. Du Rock’n Roll et dans l’absolu, du bon.

Pour sûr, un remède tel que La pharmacie anglaise nous pousse à la consultation et aux feuilles de soins à gogo. Ce titre rend hypocondriaque.

Et comme pour une piqûre de rappel, les Bikini Machine reviennent en 2009 proposant un album pop yéyé, rock et jerk, The Full Album avec la collaboration de Jon Spencer. Rennes a plus d’un tour (et d'un biniou) dans son sac et ça swingue sixties dans les chaumières bretonnes.

BikiniMachineMyspace

Ou vont les cons, avec Mickey 3D

A Cake A Room

2012-01-10T20:52:00.001Z

Les cinq membres du groupe rennais offrent leur opus Steve mac Queen on the Top of my Heart en 1999, avec un son non remixé, brut et clair. A cake a Room, formé en 1994, l’enregistre en une prise, dans les conditions d’un live et réitère l’opération en 2000 avec That’s not Vaudeville, aussi osé et enthousiaste. Le choix des enregistrements spontanés, faits en une nuit, donnent encore plus un effet roots et old-school aux mélodies qui sont déjà griffées folk des sixties. Les A Cake a Room véhiculent un monde musical digne des bayous, de l’Ouest Américain tant par les sonorités americana que par les thèmes des chansons qui oscillent entre la ruralité américaine et les hommages à Buddy Holly, Steve mac Queen et Sugar Ray (Robinson).

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Leur univers country est agrémenté au fil du temps de quatre autres musiciens et le club des neuf ajoutent des choeurs, des claviers, du banjo, des guitares à volo, de l’orgue et des cuivres aux compositions. Tournant et jouant sur les scènes françaises, A Cake a Room, avec la complicité de Fred G. des Bikini Machine, peaufinent en 2004 leur dernier album Cutless Supreme aux accents pop-rock beatlesien parfois psyché saupoudrés de notes de blues .

Groupe scénique par excellence qui offrent trois albums qui font résonner la chaleur du canyon avec un chant enivrant et les arpèges stylés Lou Barlow et Lou Reed, les A Cake a Room silencieux depuis trop longtemps devraient redorer les éperons, faire siffler les cordes de guitares et se mettre «En selle cow-boys !»

ACakeARoomLabel

Luke Temple

2012-01-09T20:13:00.000Z

Auteur-compositeur et interprète originaire du Massachussetts, Luke Temple part étudier aux Beaux-Arts de Boston, déménage à New-York où il écrit son premier EP éponyme en 2004. Autodidacte, ses chansons sur cassette atterrissent sur le bureau du label de Seattle, Mill Pond Records avec lequel Luke Temple signera alors deux disques Hold A Match For A Gasoline World en 2006 et le fabuleusement pop Snowbeast en 2008.

Son grain de voix proche de celui de Paul Simon ou de Nick Drake, son univers folk inspiré, inventif, force le respect de Ben Gibbard (Death Cab for Cutie) : "One of the prettiest voices in all of indie rock, hands down" et de Sufjan Stevens : "Luke Temple has one of the most beautiful voices in pop music".

SomeoneSomewhereMP3

Son don pour la composition et son charismatique talent d’interprète, qu’il propose désormais avec un groupe de musiciens sur les scènes américaines, sont salués par la presse. Tandis que le Rolling Stone dit que la voix de Temple rappelle celle d’Eliott Smith, le New-York Times écrit "Mr. Temple isn't part of any particular school — not even that all-purpose new songwriters' catchall, freak-folk — and his private world is fascinating."

Cette année Luke Temple revient avec un troisième disque Don't Act Like You Don't Care, composé à la même époque que le premier Hold A Match For A Gasoline World qui remporte un tel succès que le temps se suspend à sa promotion.

L’année 2006 est un marathon de scènes et de projets pour Luke Temple qui collabore à Revolver Reloaded, bijou de reprises du Revolver des Beatles, sur lequel il reprend Doctor Robert.

DoctorRobertMP3

Depuis sa renommée grandit, Luke Temple compose des titres variés ; Il cherche de nouvelles pistes pour fleurir le genre musical folk et réussit avec brio de se dénoter de ses pairs. Il sait créer une atmosphère qui lui ressemble, sincère et humble, qui nous devient familière et chaleureuse à l’écoute des trois disques. Les arrangements nourris de banjos, de cor, de flûtes, d’accordéon, de claviers, de percussions et de guitares, démontrent toutes ses qualités de musicien. Luke Temple est un mélodiste de génie qui est doté d’une voix pleine d’harmonies.

LukeTempleMyspace

Extrait de Don't Act Like You Don't Care. So long, so long, Performed live at the VIVA Radio studio in Park Slope, Brooklyn.

Here We Go Magic

Marc Gauvin

2012-01-05T19:49:00.003Z

D’origine bretonne, Marc Gauvin est revenu vivre en France, à Rennes et à Paris après avoir vécu quelques années à Bristol. De son aventure anglaise sans perdre en route son envie d’écrire en français, est née une collaboration fidèle avec ses amis Jim Barr des Portishead, Tommy Payne, John Baggott, John Dent et Jesse D.Vernon de Morning Star qui travailleront avec lui sur chacun des disques. (morningstarPiggledypop)

Le premier disque de Marc Gauvin, Maline Chloé, de 1999 est suivi du somptueux Femme Légère de 2001 sur lequel parait Je suis ton mec, ballade pop dans la veine du Velvet Underground dont la vidéo (ci-jointe) tournée à Bristol, est signée Maria Mochnacz (vidéaste de PJ Harvey).

Puis en 2002 sort Tam-Tam de l’Amour, aux accents bossa-nova, qui offre une orchestration magnifiquement pop assurée par la même fine équipe d’amis musiciens, Jesse Morningstar au slide, Jim Barr à la basse, guitare, banjo et sitar, à laquelle s’ajoutent des flûtes, du cor et tuba, de la clarinette, John Dent à la trompette, John Baggott au piano, Tommy Payne à la batterie, Kevin Byrne à la guitare et Adrian Atley au moog. Tam-Tam de l’Amour est salué par la critique qui le classe très Gainsbourgien tellement les titres poétiques de Marc Gauvin entrent avec élégance dans l’univers du grand Serge, comme dans le morceau Colle un bout de sparadrap. Les thèmes évoqués, romantiques, font résonner sa vie anglaise dans Blue Note, Tout là-bas, Pour prendre le thé et son attachement à la France dans Lili Eiffel. La superbe voix chaloupée et sensuelle de Gauvin revient en 2005 avec le disque Nadja, puis le dernier jusqu’alors, N°5 sorti en 2008, tous les deux aussi subtils, mélodiques, dignes ambassadeurs de la french pop.

Car Marc Gauvin ne lésine pas sur les concerts et les festivals des deux côtés de la Manche, ses chansons sont diffusées sur FIP et France Inter mais ses excellents albums sont bien trop confidentiels pour toute la qualité musicale et la valeur artistique qu’ils symbolisent.

Le jour où les médias français qui tiennent le pavé (et les pavés) réaliseront que dans l’univers pop-rock le talent ce n’est pas Cali qui monte sur les tables, ils auront cheminer.

marcgauvinMyspace

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2011-12-31T18:52:00.003Z

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2011-12-31T18:52:00.000Z

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2011-12-31T18:51:00.002Z

Belle & Sebastian

2011-12-31T16:09:00.000Z

Belle and Sebastian
Belle&SebastianPiggledyPop

MG

2011-12-31T15:30:00.002Z

Christmas

2011-12-28T17:51:00.000Z

Magnetic Fields
MagneticFieldsPiggledyPop

The White Album

2011-12-18T22:22:00.000Z

Ceux qui lisent assidûment Piggledy Pop, et je les en remercie chaleureusement, sauront que j’ai quelques obsessions, quelques névroses ou fixettes. Parmi celles-ci il y a Noeud les Mines qui me fait peur, le tambourin que je vénére, et les vikings, qui m’intriguent. J’en ai d’autres, je vous rassure. Pour le moment il s’agira des vikings, en la présence de The White Album et leur magnifique ep, nommé The Album. Pourquoi faire compliqué quand on peu faire simple.

J’évoquais les I got You on Tape de Copenhague il y a quelques jours et The White Album sont trois vikings qui arrivent du même fief danois.

December by TheWhiteAlbum

Découvert au hasard de mes lectures, j’ai entendu le titre December et illico le charme a tapé mes tympans.

December est acoustique mais en écoutant le reste de The Album, fourni d'instruments, on découvre une richesse de mélodies, de voix, de rythmes, d’arpèges de guitares, de mandolines, de banjo, des envolées de cordes à foison.

Originaux, les choeurs que forme le trio, Jakob Eilsø, Claus Arvad, Frederik Vedersø, traversent les titres comme de vaillants drakkars. The Album, composé de six morceaux, tous admirables, est habillé de pop-folk superbement arrangée, variée et rythmée par chaque instrument, chaque voix. Ils aiment Gemma Haynes et David Bazan de Pedro the Lion, mais sont avant tout admirateurs des Beatles (avec un nom de groupe pareil, vous l’aurez compris). Ils sont actuellement en tournée en Angleterre et travaillant actuellement sur leur LP qui sera prêt en 2012, The White Album éspèrent passer par nos contrées pour nous le présenter. A suivre...

TheWhiteAlbumBandcamp

Voxtrot - Ramesh

2011-12-17T16:58:00.000Z

Voxtrot, groupe d’Austin, Texas apparait en 2003 sur la scène indie-pop comme une comète. Après avoir annoncer au printemps dernier la fin du groupe, le leader Ramesh Srivastava, continue son chemin en solo en sortant un ep de trois titres.

A l’époque où débarque Voxtrot, les groupes d’Austin ne manquent pas et la concurrence est féroce ( Of Montreal, Okkervil River, Ben Kweller, Shearwater, Midlake, Spoon, bon je vais faire court.. ce n’est pas Noeud les mines, il y a plus de 300 groupes dans la ville d’Austin, qui tient aussi le record US des lieux pour concerts). Autant dire que Ramesh a ce brin de volonté, d’énergie qui détonnent et l’adversité ne le refroidit pas. On le voit sauter sur scène tel un kangourou, en chantant, et tient pendant des heures ; Sa passion pour la composition et sa généreuse interprétation distinguent Voxtrot du lot. Le premier ep Raised by Wolves avec son titre symbolique The Start of something (vidéo), est d’une beauté pop absolue qui rappelle les Smiths.

Voxtrot avec donc Ramesh Srivastava qui est entouré de Matt Simon, Jason Chronis, Mitch Calvert, volontaires et souriants nous offre en 2006, des guitares, des tambourins, violons et trompettes avec les deux ep Mothers, Sisters, Daughters & Wives et The biggest Fan, tous les deux d’une qualité fantastique, puis l’album éponyme de 2007 fleuri entièrement d’inédits comme Stephen (vidéo).

En 2009, les Voxtrot sortent un single vinyle Berlin, without Return, un bijou pop réussi et émouvant tant par les textes que par les mélodies et annoncent en juin 2010 qu’ils arrêtent. La nouvelle surprend bon nombre de personnes jusqu’à ce que l’on apprenne que le prolifique Ramesh amorçait une carrière en solo. Après avoir travaillé avec Spoon, avec Aurevoir Simone, Jennifer Moore qui chante dans les choeurs sur les albums de Voxtrot, il signe son premier disque appelé EP1 en janvier 2011 avec le titre The King en single promo (téléchargement libre sur son blog).

TheKingMP3

Ramesh Srivastava est diplômé en littérature et depuis qu’il mène sa carrière, attaché à ses influences musicales anglo-saxonnes comme New-order dont il reprend Love Vigilantes, the Smiths ou Felt, il vit entre l’Europe et New-York. Ses productions solo aboutiront bientôt à un LP qui sera plus atmosphérique avec la présence de synthétiseurs, toujours des arrangements guitare, batterie fougueux et rythmés.

TheVoxtrotKidBlogRamesh

Long Haul

Berlin, without Return

La Casa Azul

2011-12-14T21:35:00.001Z

Parlons pop, mais parlons bien. Grâce à Luis Calvo créateur du label pop espagnol Elefant Records, je constate que cet Elefant là, ne donne pas dans la tromperie. Une des signatures notables du label est La Casa Azul. Après l’ep El sonido efervescente de la casa azul en 2000, le premier album logiquement appelé Milkyway sort en 2002. En effet, ce groupe espagnol constitué de cinq musiciens David, Clara, Oscar, Sergio et Virginia, ne se produit jamais sur scène et reste en fin de compte une sorte de produit de studio créé de toutes pièces par Guille Milkyway, qui compose et dirige les opérations. Le résultat est parfaitement mixé, exécuté avec beaucoup de savoir faire. Les mélodies et les compositions sont guillerettes, péchues, se référençant à la pop des sixties jusqu’aux eighties. Une multitude d’instruments sont utilisés, du piano, aux cloches, trompettes et claviers. A la suite de Tan simple como el amor en 2003, El sonido efervescente de la casa azul en 2006, c’est La revolución sexual de 2007 qui permet au groupe d’asseoir sa renommée.

LaFiestaUniversalMP3

Les Casa Azul viennent de sortir La Polinesia Meridional. Selon les titres, les ambiances varient, les synthétiseurs de Sucumbir rappellent les années 80, alors que la basse, xylophone, les trompettes, flute traversière et la batterie qui balancent un sacré boogie sur La Fiesta Universal refont vivre La croisière s’amuse. Suit la pop orchestral dans La Polinesia Meridional, groovant langoureusement sur une basse Wonder Woman et des violons sensuels dignes des Drôles de Dames. Les réjouissances continuent avec les cuivres et le tempo endiablé de Colisión Inminente (Red Lights, Red Lights) qui donne l'impression que Travolta vient faire voler ses pattes d’eph dans les oreilles. L’ambiance dancefloor enflammé se poursuit avec le claphands de Terry, Peter Y Yo, l’electro-pop enfievrée de Una Mañana, de Europa Superstar, et la haute voltige de sons dans Todas Tus Amigas. La Vida Tranquila qui suit, malgré le titre, offre des rythmes alternatifs qui font faire des bonds même sans darkdog en intraveineuse et donne cette envie irrésistible de faire swinguer les rotules. Les 13 titres sont conseillés en cette période hivernale pour ensoleiller vos enceintes. Il parait que les gens sont sensés faire la fête à Noel...Faritas aux huitres, tortillas au foie gras et reblochon et pour éliminer un ventre de pachiderme, une danse frénétique sur le très caliente La Polinesia Meridional des Casa Azul. Joyeux Noel Felice ! Un merci spécial à Luis !

CasaAzulMyspace
Elefant Records

Simone White

2011-12-12T21:01:00.005Z

Simone White illumine la pop de son timbre de voix folk et de ses mélopées jouées à la guitare electro-acoustique. Elle a quelque chose d’inné, un don pour composer les mélodies qui enchantent, entêtantes, et qui s’écoutent sans modération.

Cette jeune auteur-compositrice d’origine hawaienne qui grandit au sein d’une famille d’artistes, père sculpteur, mère chanteuse, grand-mère artiste de music-hall, grand-père poète et une tante compositrice de chansons pop, tient aussi ses influences variées aux villes qu’elle a habitées, Londres, Los Angeles, Paris et New-York. C’est en 2000, après avoir appris tardivement à jouer de la guitare qu’elle se lance seule dans des petits clubs new-yorkais.

Elle sort son premier album The Sincere Recording Company Presents en 2003. Puis il y a en 2004 une série de rencontres magiques, sa carrière prend un autre virage, un autre visage. Elle rencontre cette année là, à Nashville, Mark Nevers qui est le producteur de Calexico, Will Oldham, Silver Jews, et Lambchop puis enregistre sous sa houlette I Am The Man qui séduit de suite Damon Albarn le leader du groupe Blur qui dirige le label Honest Jons et lui propose sa signature. Le titre The Beep Beep Song sera repris dans la publicité pour Audi et tandis que Simone White joue à New-york ou à Berlin, participe à des festivals au Royaume-Uni et au Japon, les journaux l’acclament en publiant d’excellentes critiques lors de ses tournées avec des groupes comme Nouvelle Vague, Alela Diane, Teitur, Stephen Fretwell.. etc.

Ne vous y trompez pas, elle vit la plupart du temps au vert en Californie et aime tout autant jardiner, s’occuper de son étang et de ses citronniers que de jouer sur scène.

En 2009 sort son troisième album, Yakiimo, toujours chez Honest Jons. En 2010 et 2011 elle accompagne Andrew Bird en tournée.

Alors qu’elle prépare son quatrième album Silver Silver qui devait sortir en Octobre et sera prêt (touchons de la peau de singe) en Février 2012, Yakkimo est à découvrir pour fleurir vos soirées d’hiver de nobles particules sonores. Les textes voltigent entre la nostalgie et l’éspèrance, une voix intense et mélancolique pour offrir l’ambiance folk rétro sur des arrangements délicats de flûte, violons, guitares, cuivres et piano. L’intimité et la douceur sont de mise. A l’écoute des trois albums, stylés et habités d’une ou plusieurs âmes, l’ensemble pourrait former une bande originale d’un film romantique des fifties tourné au coeur de Manhattan...

SimoneWhite

I Got You On Tape

2011-11-30T20:15:00.003Z

Fan de la première heure, j’avais leur opus I got you on tape dans ma discographie dès 2005.

Depuis 6 ans, le groupe danois formé en 2004 continue de signer de superbes disques, joue sur scène avec sa sincerité et son professionnalisme, gagne du galon et de la renommée.

IGotYouOnTapePiggledyPop2008

A Copenhague, il y a la petite sirène, Kierkegaard, et du rock indépendant : I got you on tape. Leurs références pourraient être un mélange de l'intimité des Tindersticks, la résonnance de Magnetic Fields, l'originalité du timbre de voix de David Bowie avec une pincée de My Bloody Valentine.

Nous sommes dans l'alternatif avec ce qu'il offre de beau, de dangereux, dans le poetique avec de la finesse et de la mélancolie. Peut-être connaissez vous le groupe Mew? Les danois exellent particulièrement dans ce domaine rock indé sombre et bouleversant.

ChurchoftheRealMP3

Après un troisième album en 2008, Spinning For The Cause, l’auteur compositeur et interprète Jakob Bellens revient cette année 2011 avec ses acolytes, le guitariste Jacob Funch, le bassiste Jeppe Skovbakke et le batteur Rune Kiel Gaard pour présenter Church of the real sorti en Septembre. Hypnotiques, celestes, les orgues et claviers collent à la voix de Jakob comme une seconde peau. La basse et les guitares créent une ambiance coldwave dansante et rythmée avec des sonorités sixties qui groovent. On s’attache au paradoxe de la voix grave et posée de Jakob sur les arrangements disco et funky de Stereo ou de Church of the Real, titre qui sonne comme les prémices de Pulp. Song for euros au thème ancré dans son époque est une chanson sublimée par un tempo indie, qui reflète la plume de Jakob à la fois tranchante et poétique. Les synthétiseurs de Beneath a cloud, de Springsteen sont majestueux, déroulent les mélodies magiques. L’imagination et l’inspiration des I got you on tape est belle, intense et ambitieuse.

IGotYouOnTapeMyspace
IGotYouOnTapeSite

Ken Russell

2011-11-28T21:16:00.000Z

Ken Russell ci-contre avec Twiggy en 1971 sur le tournage de Boyfriend. Réalisateur, scénariste, acteur (Lady Chatterley) et photographe anglais, il tourne le mythique Tommy avec les Who en 1975.

Ken Russell a rejoint hier le firmament du rock.

Kate Bush

2011-11-27T16:39:00.002Z

Pour mémoire : Catherine Bush est anglaise, née en 1958, d’un père medecin et pianiste, Hannah sa mère est irlandaise et transmet la culture musicale folk à ses trois enfants. David Gilmour, guitariste des Pink Floyd tombe sous le charme de la jeune auteur-compositeur à la voix tumultueuse qui se produit dans les bars de Londres, danseuse classique et mime, qui a un charisme scénique peu commun. Son premier 45t Wuthering Heights sort en 1978 et annonce deux albums la même année sur lesquels jouent les Alan Parsons Project mais aussi son frère Paddy Bush, violoniste et son ami De Palmer qui est bassiste. Ils auront de suite un grand succès. Déjà la jeune Kate Bush compose autour de thèmes précis et de concepts. Kick Inside parle de romans (Emily Bronté), de philosophie (Gurdjieff) et Lionheart traite de la sexualité et du cinéma d'horreur britannique des années 60, ce dernier sera quelque peu boycotté par la frileuse BBC. C’est son frère John Bush, poéte réputé et édité en Angleterre qui la sensibilise à la littérature.

TheManWiththeChildinHisEyesMP3

En 1980, à 22 ans, elle monte son propre studio d’enregistrement et sort dans la foulée Never For Ever avec le tube Babooshka, puis The dreaming où elle fait allusion derechef au cinéma, aux romans, des sujets allant du magicien Houdini à Shining de Stephen King. Hounds of Love en 1985 comprenant Don’t give up, duo avec Peter Gabriel remporte un succès planétaire et en 1989 sort The sensual world auquel collaborent David Gilmour, Nigel Kennedy et Alan Stivell. Kate Bush est perfectionniste et exigente, en grande professionnelle elle écrit et interprète avec son sens du détail et ses références. Les textes chantés avec sa délicatesse et sa grâce tranchent dans le vif. The red shoes de 1993 comprend la participation de Prince, de Jeff Beck, d’Eric Clapton, de Gary Brooker (Procol Harum, Art of Noise), et rend hommage à la danse classique, au film de 1948 de Michael Powell.

UnderTheIvyMP3

Elle partage sa vie avec le guitariste Danny McIntosh et attendent leur fils Albert. Kate Bush sera totalement transformée par la naissance de son fils en 1999, lui consacre tout son temps et lui écrit le titre Bertie, son surnom, qui apparait sur le superbe double album Aerial de 2005. L’album offre une ambiance médiévale, avec des instruments d’époque, guitare renaissance, percussions renaissance, viole de gambe, des choeurs, des thèmes comme la nature, la littérature, le cinéma (King of the Mountain rend hommage à Citizen Kane). Kate Bush y invite son ami De Palmer, les Alan Parsons Project, son ami musicien classique Eberhard Weber qui est contrebassiste, l’humoriste Rolf Harris, Gary Brooker à l’orgue et le London Metropolitan Orchestra.

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Pour information : Le 21 novembre 2011, Kate Bush revient avec un album hivernal, brulant et sensible, composé de 7 titres, 50 words for snow. Elle garde sa griffe personnelle en signant cet album concept, érigé en sons et en mélodies touchantes, brodé sur des partitions de piano, une composition de ballades en dentelle, minimalistes ou lyriques, avec en fond de toile le froid, la féerie de l’hiver et de la neige. C’est une heure d’écoute délicate et émouvante qui commence par Snowflake, duo avec son fils âgé aujourd'hui de 13 ans. Le thème est l’amour. L’amour pour un homme qui fond comme neige au soleil dans Wildman, l’amour d’une mère pour son fils, aussi pur et fort que Dame Nature, dans Snowflake et Among Angels.

KateBush

Kim

2011-11-26T22:24:00.002Z

Kim m’accompagne depuis une semaine et m’accompagnera longtemps. Son album Radio Lee Doo sorti le 24 octobre 2011 est la plus belle surprise de l’année. La surprise est à juste titre puisque cet album est le 19ème, que j’ignorais l’existence de Kim auteur-compositeur multi-instrumentiste français qui fait de la musique depuis 20 ans. Radio Lee Doo est extraordinaire.

Il parait que les gens s’offrent des cadeaux à Noel, en voilà un garanti.

Kim est un véritable artiste qui vit son art comme un artisan, au sens noble du terme en signant plus de 400 titres et assurant plus d’un millier de concerts. Avec des parents et grand-parents musiciens, une maman qui travaille dans une radio et un papa guitariste d’Higelin, la musique coule dans ses veines et fait vibrer sa carte génétique. Il commence à 10 ans par apprendre la batterie en école de musique puis arrive la guitare, le piano et tutti instrumenti. Prodige, il enregistre son premier 45t à 16 ans et son premier album Our Dolly Lady Lane In Mk Land à 18 ans sur lequel il assure tous les instruments.

Stanislas Giani alias Kim, parisien bordelais âgé de 34 ans, diplômé en musicologie, joue de la batterie, guitare, piano, orgue, basse, banjo, ukulélé, saxophone, trompette, accordéon, harmonica, flute, vibraphone etc. Récemment, il sort Hard Rock en 2000, album très rock garage, puis Kim is dead, un album "posthume" sur lequel jouent ses amis de Calc, the Film et Herman Dune. Il partage des tournées avec Dionysos, travaille sur le dernier album d’Olivia Ruiz et sort le premier volet de la trilogie en 2008, Don Lee Doo puis Mary Lee Doo et enfin le splendide Radio Lee Doo.

Très productif, Kim ne lésine pas pour autant sur la qualité et Radio Lee Doo signé chez Gimme Shelter, fourmille de mélodies, d’atmosphères pop, garage, funk, variées et colorées. Les titres s’enchainent avec une alchimie magique et l’activité de DJ que Kim excerce depuis des années saute aux oreilles.

RadioLeeDooMP3

Les rythmiques de Radio Lee Doo, premier titre, à Muriel, to Kremlin sont magnifiques. Il y des violons, des claviers, de la batterie, des synthéthiseurs jusqu’aux cuivres bossa de La Dolce Lee Doo où la voix limpide et si musicale de Kim se tend et s’étire langoureusement. Le rock revient de plus belle avec des guitares et un beat offensif dans I’m getting Old où Kim dévoile toute sa vive énergie . Le tempo soft de la basse amplifie le groove sur le psychédélique Uptown. The Sunlights never came, monte en puissance mêlant choeurs, guitares et claviers, précède le superbe son pop de The Candidate, suivi de l'exotique Don Lee Doo. Le dernier titre des 10 pistes est un bijou mélodique, mélancolique qui dit Goodbye Lee Doo en utilisant une cascade d’instruments dont un synthétiseurs vintage, des mandolines, piano et guitare jazzy et qui referme élègamment le livre musical trilogique écrit par un éminent maitre de la french pop, Kim.
Merci à Louis et à Chakalaka !

Kim
KimMyspace

Miles Kane

2011-11-25T21:17:00.002Z

Musicien anglais qui apprend à jouer de la guitare à 12 ans, surement épaulé par son cousin James Skelly du groupe The Coral, la solide expérience technique et scénique de Miles Kane vient aussi de son aventure avec son groupe de 2004, Little Flames qui se nommera ensuite The Rascals. En 2007 il monte un groupe avec son proche ami Alex Turner des Arctic Monkeys, appelé The Last Shadow Puppets ; Cela fait 3 ans que Miles Kane peaufine son projet solo en sortant deux disques dont l’album LP de mai 2011 The Colour of the Trap.

Il défendra ce disque en février en assurant les premières parties des Arctic Monkeys avec une tournée qui compte 7 dates en France.

Un fois n’est pas coutume, bien que peu indépendant et assez commercial (Miles Kane est signé chez Columbia), The Colour of the Trap est un album qui véhicule une âme rockn roll et cela suffit à me séduire. Il est produit par deux experts, offre la participation de Noel Gallagher, de Gruff Rhys des Super Furry Animals et de son complice Alex Turner. Miles Kane ouvre dès janvier 2011 pour Liam Gallagher en présentant son single Come Closer et depuis, la diffusion radio est large, la presse est unanime et l’audience convaincue.

Le disque est excellent, il est dansant, très rythmé, attaquant par Come closer et Rearrange dont les riffs de guitares électriques flirtent avec une batterie battante et des partitons de claviers scintillantes et sautillantes.

Puis l’ambiance mods arrive au galop avec Counting Down The Days, ou encore des notes psychédéliques se rajoutent au tempo diabolique dans Happenstance, le sophistiqué Quicksand, Inhaler, Kingcrawler et le dernier Before It's Midnight, où les paroles lovees dans une rythmique dansante sont franchement, amoureuseument arrogantes. Entre temps il y a des balades, bien menées, inspirées, avec des violons ou mandolines sur Take The Night From Me, le beatlesien My Fantasy qui rend hommage à Marc Bolan de T-Rex et sur mon coup de coeur Colour the trap.

L’album est étudié et abouti, superbement bâti en studio, beau produit in fine mais ce qui me séduit c’est que Miles Kane, quand même un peu indépendant, fleuri son travail avec ses passions personnelles comme Serge Gainsbourg auquel il rend hommage dans le titre Happenstance ou Dutronc dont il offre les reprises sur vinyle, Le Responsable et Kakaboom. Ces reprises prouvent les références du jeune anglais de 25 ans et son sens du dandysme. Cette démarche qui se rapproche le plus de sa personnalité est admirable, tout comme le sont ses prestations lives où son talent de guitariste et d’interprète est évident.

MilesKane

The responsable

Craft Spells

2011-11-22T19:31:00.000Z

C’est en 2009 que Justin Paul Vallesteros commence à composer à la guitare chez lui en Californie. Très vite il met en place son groupe nommé Craft Spells et c’est en compagnie de Frankie Soto, Jack Doyle Smith et Anna Luxx Ryon qu’il peut faire connaitre ses morceaux en jouant sur les scènes locales. Fortement et ouvertement inspiré du son New Order, ils choisissent une pochette d’album très proche esthétiquement de celle de l’ancien groupe anglais Power, Corruption & Lies, en sortant l’opus Idle Labor au printemps 2011. Le disque est épatant, brillant même pour un premier disque.

After the Moment

Entre dream pop, cold wave et pop new romantic des années 80, Justin Paul Vallesteros apporte son style moderne, une rythmique dansante et enthousiaste. Les augustes synthéthiseurs se marient aux guitares et à la basse et dégainent des mélodies très inspirées.

Craft Spells est decidemment doté d’un créateur qui a un talent prometteur du haut de ses vingt-deux ans et une belle personnalité. Les arrangements sont pointilleux, les parties instrumentales nickel sont aussi bien exécutées que les textes chantés fort justement par Vallesteros lui-même. Son don pour la composition et l’interprétation est renforcé par un travail de studio et une production que l’on devine exigents. Les paroles sont peaufinées, l’amour inonde l’album qui surprend de qualité à la première et auquel on revient parce que les airs sont attachants et bien ficelés.

The Fog Rose High

Signés chez Captured Tracks, Craft Spells est distribué en France pour notre ami de l’indie-pop Hand & Arms (lien en fin de chronique). Aux nostalgiques de Ian Curtis, Felt, Sister of Mercy, ou même les Smiths, aux amateurs de nouvelles vagues exploratrices pop, je conseille chaleureusement Idle Labor, et de jeter un oeil aux lives de Craft Spells qui joue aussi en Europe.

MyspaceCraftSpells
Hands&Arms

From The Morning Heat

J von Corda & the C. Southern Poison Light

2011-11-21T20:08:00.001Z

Je chroniquais le disque de Gilles Mallet alias Sunday Sunday il y a peu, artiste signé dans le label Katatak. J von Corda & the C.Southern Poison Light est un duo français composé de Claire Mallet (soeur de Gillet Mallet) et de Julien Cardaillac (du groupe Cabwaylingo signé sur Katatak).

Le disque de J von Corda & the C. Southern Poison Light, The Rain, petite mer under my brain sort des sentiers battus et propose une atmosphère musicale qui pourrait être définie comme un fin mélange de Rodolphe Burger et de Holden. Les titres magnifiques du duo sont parlés en première partie avec la voix suave et mélodieuse de Claire qui habille les textes poétiques. La voix pleine et libre de Julien apparait sur la deuxième partie du disque, Tarte à la fraise, De l’amour pour les chiens, Rien ce soir, Cockoaches, et ajoute un brin de non-conformité à l’écoute de l’album.

SuperFreak

Julien et Claire savent mettre en valeur les partitions de guitare vivaces et régnantes, comme sur Rien ce soir, ou les arpèges se croisent et s’entremêlent. Les morceaux comportent du glockenspiel, ukulélé, piano, mais c’est surtout les guitares et la basse qui sont à l'honneur. Le duo accorde ses deux voix sur A tant rêver des secondes, le dernier morceau qui compte des notes folk, rock, à l’image des autres titres. La sensualité traverse les mots avec une dose de mélancolie, d'élégante déviance à la Gainsbourg, toujours avec retenue et densité et le résultat est d’une originalité troublante.

J von Corda & the C.Southern Poison Light est une de mes plus belles découvertes de cette année 2011.

Myspacejvoncorda

Wilfried Paris

2011-11-18T22:11:00.003Z

Voilà une pièce de maître. L’album D’ailleurs de Wilfried date de 2008, mais grâce à mon indic, membre du grand banditisme pop qui me remet la marchandise mano à mano (l’agent spécial secret Piggledy Pop), j’ai découvert ce bijou de 15 titres ce mois ci. D’ailleurs fait partie du top 10 des albums chroniqués cette année.

Si Wilfried est un artiste discret, il y a trop peu d’informations sur lui et son travail de composition.

Quelle hallucination et incompréhension ! Pourquoi n’entend-on pas Wilfried en boucle sur les radios? Pourquoi les médias français ne lui baisent-ils pas les orteils? Quelle distribution musicale gauloise bien aride, bien galleuse !

Extrait : Qui est avec moi (avec Arnaud Fleurent Didier)
QuiEstAvecMoi

Wilfried et D’ailleurs c’est de l’or pop en barre. Auteur-compositeur, il joue de la guitare, du clavier, des percussions et chante si joliment, si délicatement, avec une poésie et une élégance touchante dans la voix . Wilfried est entouré de David Yaya et Neman de Herman Dune, Jerôme Laperruque, Arnaud Fleurent Didier et ses chanteuses Ema Derton et Elsa Diot, Nicolas Galina à la basse, Cyril Guillaneuf à la guitare, les Roomates au choeur, Bertrand Burgalat à la basse, François Gallet (French), Stéphane Laporte (Domotic) aux percussions, Laurent Vaissière (Paloma) et Stéphane Garry (Pokett) aux guitares .

Les amateurs de pop reconnaitront les noms cités qui collaborent à D’ailleurs. Pour ceux qui sont moins amateurs, ces artistes sont la crème de la crème popilly, la cerise sur le popcake, les diamants de la french pop.

D’ailleurs est passionné, construit sur le thème de la dualité écrit avec la plume du journaliste, il est drapé de sublimes mélodies pop typées synthpop, il est dansant, rythmé, lié dans les notes, les textes et on ne décroche pas de son écoute. Les claviers sont intensifs, les basses sont vivaces, les guitares badinent, s’envolent sur les mots d’une finesse infinie de Wilfried.

Si les médias français ont la tête enfarinée, égayez votre écoute et commandez avec entrain D’ailleurs sur Abeille Musique. Fabuleux*

MyspaceWilfried

ArnaudFleurentdidier
French
HermanDune
Paloma
Pokett
et Bertrand : Tricatel

Extrait : Les coccinelles ( avec David Yaya Herman à la guitare)

Heavy Blinkers

2011-11-18T13:14:00.000Z

Groupe d’Halifax, Canada, les Heavy Blinkers apparaissent en 1998 avec l’album Hooray for Everything, présentant un style pop ochestrale et pop baroque, rappelant le style sixties des Beach Boys. A l’origine, c’est Jason Mcisaak, pianiste et guitariste, qui compose et signe les titres et qui s’entoure de quatre compères Andrew Watt au clavier, Greg Fry à la batterie, Trevor Forbes à la basse et de l’interprète Ruth Minnikin. Le rejoignent plus tard, son ami David Christensen (piano, cor, arrangements) et la chanteuse Jenn Grant. L’équipe se produit sur scène pour promouvoir ce premier excellent album, très orchestré avec trompettes, cors, flûtes, orgue, guitares et piano. Suit un deuxième album éponyme en 2000 regroupant 21 titres, puis en 2002, le troisième Better Weather.

Ces trois superbes albums est un travaille hors normes d’arrangements, d’orchestration sunshine pop d’une complexité telle que Jason Mcisaak nous offre des disques sophistiqués, qualifiés par le journal Rolling Stone de "tour-de-force of unequalled pop excellence".

Pop, certes.. mais aussi soul, country, groovy, gospel et jazz avec toujours ce style propre Heavy Blinkers qui évolue avec des références comme Harry Nilsson, Van Dyke Parks, Brian Wilson, Burt Bacharach, Velvet Underground et Leonard Cohen.

Connaissant Jason qui parle français, grand amoureux de la France où il vient dès qu’il le peut, grand amateur de musique française avec un faible pour Françoise Hardy et Serge Gainsbourg, il travaille en 2003 avec le groupe de Nancy Orwell ( OrwellPiggledyPop ) et ils signent ensemble un 6 titres, Intercontinental Pop Exchange No. 3.

Depuis 2005 et l’album The Night and I Are Still So Young, les Heavy Blinkers n’avaient pas réellement raccroché les guitares puisque Jason, devenu aussi producteur s’est occupé à peaufiner d’autres projets et aider d’autres musiciens comme Sondre Lerche, Sean o’hagan des High Llamas ( HighLlamasPiggledyPop ) , Jenn Grant, et Orwell en signant Septembre sur l’album de 2007 des nancéens, le Génie Humain.

Jason revient à ses premiers émois avec Heavy Blinkers et il est actuellement en studio pour nous concocter un cinquième album Health, délicat, classieux, enluminé d’une pop shiny, aux ensembles de cordes et de cuivres chaleureux. Le magazine de rock Spin écrit en 2009 «The Greatest Bands You’ve (Probably) Never Heard». Donc si vous êtes passés à côté des Heavy Blinkers, en attendant Health, il y a matière pour les découvrir avec leurs quatres magnifiques albums. Le coup de coeur de Piggledy Pop : Tribute to Sparrow (titre ci dessous, avec du banjo et de l’accordéon )

HeavyBlinkersMyspace

Sondre Lerche

2011-11-17T20:00:00.001Z

Apparu en 2002 avec son opus Faces Down dans sa besace, le norvégien Sondre Lerche âgé de 29 ans, ne cesse de composer et se produire en concert. D’un dynamisme à toute épreuve, il met à profit cette décennie pour gagner en notoriété, passant de manière courageuse les échelons du métier. Aujourd’hui, après 7 albums, sa musique apparait dans le 7ème art (avec le titre Mother Nature sur la bande originale de Dan in the real Life avec Steve Carell et Juliette Binoche) et le milieu indie-pop rock, de la presse aux prix (le Norvegian Grammy) le récompense. On le voit jouer au côté de Beth Orton, partager les tournées avec A-Ha, Elvis Costello, etc.

Son avant dernier album, sorti en Juin 2011 est signé avec la collaboration de McKenzie Smith, batteur de Midlake, Dave Heilman batteur de Regina Spektor et l’ingénieur son de Spoon et d’Animal Collective, Nicolas Verhnes.

Amateur de musique pop, Sondre Lerche est hétéroclite, éclectique et sait aussi bien composer un morceau rock, qu’une mélodie griffée sixties ou un titre de pop orchestrale. Véritable atome libre, très prolifique, il a une superbe pêche et toujours la banane. L’artiste est un cocktail de vitamines sur scène et propose des albums aussi riches en énergie. Il se fraie un chemin, réussit à imposer son style et sa voix en écrivant, chantant l’amour, les ruptures ; Ses textes vont crescendo dans la qualité d’écriture, ses compositions jazz, pop, symphoniques et rock, si variées, en deviennent impressionnantes. Il sait peaufiner les harmonies et orner ses partitions de guitare acoustique de violons, de basse, de synthéthiseurs psychédéliques.

MotherNature

Sondre Lerche vit depuis 6 ans dans la Big-Apple où il fait vibrer son style flamboyant et joyeux dans les studios d’enregistrements, où tout en visitant plusieurs styles musicaux, il parvient à rendre l’ensemble de sa discographie cohérente et remarquable. Son public s’élargit, à juste titre et Piggledy Pop en fait partie, avec un coup de coeur pour le titre Ricochet (vidéo)

Son dernier album Muppets: The Green Album, sorti récemment, est un vrai régal.

PS : dédicace à mon ami Jason McIsaac du groupe Heavy blinkers, également producteur, qui a travaillé avec Sondre Lerche. Sacrée référence !

SiteSondreLerche

Ricochet

Brent Cash

2011-11-12T09:37:00.001Z

Sans tourner autour du pot, How Strange it seems de Brent Cash sorti le 27 mai 2011 est au top du classement Piggledy Pop 2011.

Fan de la première heure de Brent Cash, j’écrivais en 2008 lors de la sortie de son opus, How Will I Know If I'm Awake ceci :

BrentCashPiggledyPop

Ce deuxième album est d’une rare densité musicale, les 11 titres sont tous excellents, le hidden track compris. Brent Cash réussit une performance en visitant tous les genres musicaux parsemés élégamment sur une trame sunshine pop. C’est riche en sons, fourni en références, fleuri de mélodies, habillé chaleureusement d’une ribambelle d’instruments et pour autant c’est extremement limpide, soyeux et frais. How strange it seems est un tour de force, le résultat d’un travail accompli du nouveau maestro de la sunshine pop.

Originaire d’Athens, Brent Cash entre dans le milieu musical comme batteur au sein de trois groupes puis se met à l’écriture. Multi-instrumentiste, son inspiration est mise en forme sans difficulté et il enregistre, distribue lui-même deux cassettes audio de 4 titres, Muse Rapture et The Most Beautiful Girls In The World Have Unpronounceable Last Names. En 2007, l’auteur-compositeur signe avec le formidable label de Hambourg, Marina Records.

Pour une première production, How Will I Know If I'm Awake est brillant et ce second volet, orchestré avec un ensemble de 30 musiciens du classique, le choeur du South City Voices, est un chef d’oeuvre de la pop, «magic pop jewels in the vein of Brian Wilson, the Byrds and the Monkees" dit le journal Rolling Stone.

Brent Cash nous emmène dans un univers romantique et sensuel, servi par de la power pop, du disco, de la bossa, chamber pop, du boogie, du funky avec des éléments qui font penser à Herb Alpert, Burt Baccharach, les Beach Boys, Roger Nichols mais aussi l’ambiance des années 70 de Todd Rundgren ou Ed Sullivan. Néanmoins, ce n’est pas non plus une copie nostalgique de la pop orchestrée des années 60. Les arrangements sont modernes, l’orchestration est rutilante, le disque est actuel. Le choix des instruments montre qu'il s’ancre dans son époque, les guitares electriques rock se mêlent à la basse au groove renversant, à l’orgue, piano, saxo, accordéon, castagnettes, clochettes, cornet, trompettes, cor, trombone, cor anglais, piccolo, flûtes, harpe, clarinette, violons, violoncelles et contrebasse.

Brent Cash assure la guitare, le piano, le handclaps, l’harmonica, le clavecin et le chant toujours juste et finement harmonieux sur un timbre de voix tantôt crooner tantôt tendrement délicat.

Le premier titre I wish i were a song monte en puissance, plante le décor et annonce la couleur. Le domaine exploré : la pop sophistiquée et ensoleillée des sixties californiennes. Puis Brent Cash enchaine sur un tempo plus cadré années 70 avec It’s easier without her et son clavecin taquin. I can’t Love you anymore than i do, instrumental, groovant, funky, grandiloquent, est un kaleidoscope époustouflant de styles musicaux exécuté d’une main de maitre. Just Like today offre des partitions de claviers psyché accompagnées du choeur aérien du South City Voices. La qualité et l’efficacité continuent avec How strange it seems où les castagnettes, les violons et le piano, font monter le titre comme une chantilly tandis que le titre suivant, Where do all the raindrops go, orné de flûte traversière, de trompettes, des violons, harpes et de suaves rythmiques bossa est plus langoureux. The heart will always work alone est typé pop boogie avec du handclaps et une basse, des cuivres dignes d’une musique de film des années 70 qui plaira aux amateurs du groupe Beaumont de Siesta Records, ex Blueboy de Sarah Records. I must tell you now est une balade nostalgique suave et douce jouée au piano avec l’accompagnement de l’orchestre, cors, harpes et l’ensemble des cordes où Brent Cash déclare et décline ses sentiments, comme dans Don’t turn your back on the stars, où l’harmonica et le saxo se mêlent à l’orchestre symphonique.

Le dernier titre I just can’t look away, majestueux, d’une classe absolue offre pour conclure un panel de mélodies, belles et touchantes, un piano woogie, de nobles arpèges des violons, et le choeur poignant fait place à la voix pure de Brent Cash.

Au fil du temps, Brent Cash, auteur-compositeur d'excellence qui relance le genre sunshine pop avec brio, se révèle, continue de surprendre. How strange it seems est selon moi, le meilleur disque du genre en 2011. Merci à Marina Records où vous pourrez commander le disque en cd et vinyle.

BrentCash
MarinaRecords

Peter von Poehl

2011-11-01T21:27:00.001Z

Peter von Poehl est un des artistes que j’admire le plus. C'est jeune diplômé de musicologie, papa suédois et maman allemande, qu'il arrive de Malmö à Paris et fait ses armes dès 1998 aux côtés de Bertrand Burgalat qu'il accompagne en concert, intègre le groupe AS Dragon, signés sur Tricatel le fameux label de Burgalat. Peter von Poehl accompagne également d’autres artistes de l’écurie Tricatel, Michel Houellebecq, Valerie Lemercier, etc. En 2001, le jeune suédois qui vit entre Paris et Berlin écrit pour Chamfort, Vincent Delerm, Lio, Doriand, commence à prendre son envol et se lance dans la production de son propre travail.

Le premier disque du jeune artiste pop, Going to where the tea-trees sort en 2006. De structure impeccable, mélodiquement riche et touchant, l’album marque par son originalité et sa qualité. Les partitions de guitares sont belles, les arrangements délicats, élégants sont à l’image de son auteur, excellents.

Courageusement, Peter von Poehl arpentent toutes les scènes européennes (en faisant la premiere partie de Phoenix et de Air mais aussi parfois en solo, Transmusicales, Benicassim, le Rock dans tous ses etats, Eurockéennes etc) pour présenter Going to where the tea-trees à un rythme de marathonien, sans sourciller, toujours souriant et avenant. Sa tournée qui l’amène jusqu’aux Etats-unis et en Australie, porte ses fruits, le succès arrive, les radios et télévisions le diffusent (pub pour Clairfontaine). Récemment, le titre The Bell Tolls Five, orne la derrière scène du film La Guerre est déclarée.

C’est dans le studio AMG près de Malmö qui appartient à son ami Christoffer Lundquist, producteur et ex guitariste de Roxette, que Peter von Poehl travaille ses chansons et c’est là qu’il revient en 2009 pour enregistrer May Day.

Peter von Poehl révèle sa griffe, son sens aigu de l’orchestration et de la construction symphonique en partant de ses mélodies pop, véritables ritournelles qui restent en tête. L’artiste réservé jubile, explose musicalement. La pop de May Day est magique, dansante, virevoltante d’instruments avec des basses, des guitares, des cordes, des cuivres à couper le souffle. Peter von Poehl s’y affirme littéralement, se livrant dans ses textes tantôt avec un peu de poudre à canon pour dire ce qu’il a sur le coeur, tantôt avec sa classe nous parle de sa vie de musicien, avec May Day, Silent as Gold ou encore Forgotten Garden, comme il le souligne dans une interview : « j’ai fait ces concerts en toute discrétion, de manière simple, c’était très flippant mais franchement je le remercie beaucoup, car cela m'a aidé à trouver de quoi mon disque allait parler, quelles allaient être les chansons et leurs styles. Il m’a fallu passer par plein d’étapes pour pouvoir arriver à sortir ce disque."

2011, enfin, notre ami Peter von Poehl revient avec un single fantastique, luxuriant de sons, enregistré avec un orchestre symphonique qui l’accompagnera en tournée. Troubadour qui vit ses voyages avec sa guitare et son harmonica, réel magicien qui transforme une chanson de 3 minutes en hymne lyrique à la façon de Harry Nilsson ou Bob Dylan qu’il aime, l’atout de Peter von Poehl est l’instinctif. Il ne travaille pas une chanson en le triturant, en l'épluchant pendant des heures. Il entre en studio quasiment avec les mains dans les poches, les mélodie en tête, et le soir même l’album est sur bandes. Agé de 38 ans (oui c’est jeune !!! ), l’artiste fait preuve désormais d’expérience. 2012 sera l’année de son très attendu troisième album Big Issues Printed Small. Pour patienter ce grand cru, Peter von Poehl nous offre depuis cet été le single magnifique en 45t, Twelve twenty one. Faites chauffer les platines ! (et j'en connais qui n'en manquent pas )

SitePeterVonPoehl

Twelve Twenty One

malmö

Elisabeth

one shot

Cake sale

2011-10-31T22:17:00.003Z

Je sors de derrière les fagots une chronique écrite sous un de mes pseudos à l’époque sur l’excellent site Gonzaï pour la promotion d’une compilation nommée Cake Sale, dont les fruits de la vente revenaient à l’organisation humanitaire Oxfam.

The Cake Sale, collectif principalement irlandais, a sorti l’album du même nom en 2006 pour l’Angleterre et nord-Europe, puis paru en Octobre 2007 aux USA. Les artistes qui participent (compo, écriture, interprétation) ont parfois dû travailler à distance pour l’enregistrement. C’est d’ailleurs joliment suggéré dans la vidéo de Some surprise, duo de Lisa Hannigan/Gary Lightbody. (vidéo)

Tout l’argent récolté de la vente du disque va à l’association Oxfam (Oxford Committee for Famine Relief), qui lutte noblement pour le commerce équitable, contre la famine et l’injustice. Elle se bat et énerve les gouvernements qui constatent avec mépris son bel entêtement. Les états trouvent une attitude anti-démocratique à l’association, parce qu’elle balance, dénonce les intérêts économiques (pas nets) de certaines grandes puissances. Crée en 1942 par Sir Milford à Oxford en Angleterre, entouré d’amis et son épouse (toujours active), la première mission fût d’acheminer de la nourriture en Grèce pour les personnes bloquées par les autorités nazies. Voilà, Oxfam est belle et rebelle.

AllTheWayDownGlennHansard

Mélodiquement parlant c’est un mariage de musique irlandaise, anglaise, américaine et australienne. Le disque s’ouvre comme une fleur sur le titre Last leaf, enveloppe de douceur : la voix de lépréchaun de la celte Lisa Hannigan, des doigts qui effleurent le piano, un balai de soie sur la peau de caisse claire, un violon lutin et mutin, “I know what it take for me to be free”. La dégustation commence et on se retrouve sur les côtes ondoyantes irlandaises de Erin, sous les arcs-en-ciel de l’Idaho, country soft de Josh Ritter. Le délice se poursuit toujours dans la douceur avec la suédoise Nina Persson (Cardigans, Sparklehorse) que l’on peut retrouver sur la compilation Monsieur Gainsbourg revisited.

Plus loin, Gemma Hayes propose une mélopée (du caviar) écrite par Glen Hansard. Les compositions envolées, les voix réunies pour la cause, les instruments réels (basse du mégadoué Nick Seymour), les paroles naïves, touchantes, se mêlent lentement, naturellement…Pourtant des miles les séparent. Noonan s’impose en véritable chef d’orchestre, accompagné de Dave Geraghty, guitariste aux doigts de fée. Conor Deasy saupoudre l’appareil avec sa voix déliée, fragile. Et le final Aliens, la crème, la cerise sur le cake, c’est Neil Hannon ; Comme une majestueuse couronne de mousse sur un demi de kilkenny pour boucler la boucle et monsieur Hannon nous invitant “Well come on the aliens, my friends the aliens, sweet little aliens come on, So we can start again”.

La cause et l’effet: une compilation d’honneur et de coeur.
CakeSaleMyspace

Se sont alliés au projet Cake Sale : Gary Lighbody (Snow Patrol), Nick Seymour (Crowded House), Gemma Hayes, Josh Ritter, Glen Hansard (The Frames), Nina Persson (The Cardigans), Lisa Hannigan (partenaire de Damien Rice), Neil Hannon (Divine Comedy), Conor Deasy (the Thrills), Ollie Cole (Turn), Dave Geraghty, Crosby et Paul Noonan, ainsi que du batteur Graham Hopkins (Frames, Josh Ritter, Reeinder section, Ann Scott, Snow Patrol) .

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2011-10-31T22:16:00.002Z

Stevie Jackson

2011-10-29T14:47:00.006+01:00

Stevie Jackson est l’éminent «bass player» du mythique groupe pop écossais, Belle & Sebastian. Multi-instrumentiste, il joue de la guitare, de la basse, de l’harmonica, du piano et chante. Avec le clan des écossais (Stuart Murdoch, Stuart David, Isobel Campbell, Chris Geddes, Richard Colburn, Sarah Martin en 1996), il offre son talent d’auteur-compositeur dès 1998 et ses chansons sont intégrées aux albums. Stevie Jackson est un personnage, un artiste drôle, attendrissant et impressionnant qui au sein des B&S tient un rôle de pierre angulaire. En bonus, il se dévoile comme un grand compositeur en signant les musiques et paroles (en les interprétant aussi parfois) de Seymour Stein, Chickfactor, The Wrong Girl, Jonathan David, Wandering Alone, Roy Walker, Step Into My Office Baby, I Believe in Travellin' Light, To Be Myself Completely, Song for Sunshine, I Took a Long Hard Look (clin d’oeil à Syd Barrett), Mr Richard, Long Black Scarf, I'm Not Living in the Real World.

BELLE & SEBASTIAN - THE WRONG GIRL

Stevie Jackson signe enfin son propre album I can’t get no, sorti le 24 Octobre 2011 et s’envole le présenter en tournée dans le Royaume-Uni mais aussi en Allemagne, Belgique et France (le Divan du monde le 21 nov 2011).

I can’t get no est un grand album, qui fourmille de références, de clins d’oeil à ses passions. Stevie Jackson est un spécialiste ès-Beatles ( spéciale dédicace à mon ami Stuart dit Stubaloo), également fan de Bob Dylan, passionné de la France et des sixties. Les 12 titres qu’il compose sont exquis, ornés d’une atmosphère pop, fleuris d’instruments. Il chante et joue de la basse, de la guitare (qu’il n’avait pas ressortie depuis Tigermilk), de l’orgue, du piano et des percussions. La plupart des titres sont écrit par Stevie Jackson, d’autres à quatre mains avec son ami Roy Moller, et d’autres en équipe avec ce qu’il appelle The Company qui comprend les membres des Belle & Sebastian, ainsi que des artistes amis qui jouent du cor, du violon, violoncelle, du sitar, du glockenspiel, batterie, accordéon, de la viole, de l’harmonium etc. Les thèmes se déclinent au fur et à mesure de l’écoute, de l’envie de danser, de sourire, puisés avec finesse dans l’amour, la musique, la pop sixties, la littérature, le virtuel d’internet.

Pure of Heart

Le premier titre Pure of heart, qui bénéficie des coups de main de Katrina Mitchell (Pastels) à la batterie, de Bill Wells (Arab Strap) à la basse, est une splendeur pop où Stevie Jackson chante «From boy to man, the awkward stance, the guitar chords and also-rans, The brown suede for the 60’s look».

Suit Just just so to the point, dansante, groovy et où la basse de John Clark resplendit, une ribambelle de violons, de percussions, la voix et la sitar électrique de Stevie évoquent les vikings, le voyage, «Like Hemmingway would always say, “ Hey, you know, you know that the Man makes the work” Your naysayers don’t get your groovin’ as your reaching for your elephant gun».

Try me est une chorale pop : Sarah Martin, Chris Geddes, Bob Kildea, et Bill Wells, Katrina Mitchell, Roy Moller qui en choeur avec Stevie entonnent «Don’t vote where you don’t belong, the theme of this song is Try Me, I wish it was 1964, I’m still stuck in ’63 maybe next year Try Me, Try Me».

Try me

Dans Richie now, Rose Melberg (Tiger Trap, Go Sailor, Softies) vient prêter sa voix "He has every Beatle record and me I only had one…The ‘Twist and Shout’ EP from 1963, He talked of ‘Rubber Soul’ and wonder would unfold. At lunchtime we played our guitars, We dreamed of being stars."

Suivent les excellents Dead man’s fall avec la participation du canadien Kurt Dahle, batteur des New Pornographers, Chris Walla, Death Cab for Cutie, The Organ etc, Bird’s eye view est écrite avec Nicola Atkinson et Gary Thom pour la sauvegarde du village green de Dunfermline en Ecosse.

Man of God poursuit avec toute la Company, une armée d’instruments et de voix, le travail d’écriture et d'interprétation du titre avec Roy Moller est décrite par Stevie ; It’s funny to think of us in the same room, trying to seduce the same woman with dim lighting and some 70’s Soul records. In reality, the girl would probably soon get bored and leave, as we’d end up talking about Beatles’ b-sides or something. Tous les deux s’en donnent à coeur joie en chantant «Hear the voice of Donny Hathaway and the Detroit Emeralds, Playing on my turntable for you, And the Love Unlimited.»

Man of God

Kurosawa, est un titre splendide avec Aby Vulliamy à la viole (et accordéon dans la suivante), Yuko Takemoto au chant avec Stevie et ils sont accompagnés de la Company tout comme dans Where do all the good girls go qui est un hymne à la France où Stevie chante «Chemin de fer may now take me there, En route to Julie Greco, Commencement, Arrondissement, super intellectual, Philosophise, ‘neath Parisian skies, Dans le café Les Deux Magots»

La même Company assure dans le morceau nostalgique Telephone Song qui évoque les débuts de musicien de Stevie quand il était jeune «Playing her records, dreaming her wishes, Now I’m running with my group, I’m feeling alright, being chased by the rain like ‘A Hard Day’s Night’».

Press send est une gentille moquerie des communications virtuelles sur le net, balancée sur des notes gaillardes et pop exécutées par la Company et qui annonce l’épilogue fantastique Feel the morning qui clôt avec élégance et classe l’ensemble des titres «The more I saw her, I can’t forget her under Saturn’s Moon, Stars are flying, past my window, morning comes too soon»

A vos casques ou à votre musique à fond dans le salon pour découvrir I can’t get no (en free streaming sur son site encore 7 jours!) avant d’aller accueillir Stevie Jackson à Paris le 21 Novembre prochain !

StevieJackson

to be myself completely

roy walker

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2011-10-29T14:47:00.002+01:00

The Lighthouse and the Whaler

2011-10-24T22:19:00.002+01:00

Jeune groupe de Cleveland, The Lighthouse and the Whaler est mis en place à l’origine par Michael LoPresti, chanteur, guitariste et pianiste, son frère Matthew LoPresti, batteur, percussionniste et par Aaron Smith qui est violoniste et pianiste.

Ils sortent en 2008 le premier EP A Whisper, a Clamour, partent en tournée, présentent leurs chansons et composent l’album éponyme dans la foulée en 2009. C’est sur les routes que The Lighthouse and the Whaler rencontre les deux nouveaux musiciens qui font désormais de la troupe, le bassiste Steve Diaz et Mark Porostosky, mandoliniste et guitariste.

Ils s’inspirent d’une certaine littérature pour écrire leurs paroles et particulièrement de Moby Dick pour le nom de groupe et le thème développé dans l’opus The Lighthouse and the Whaler.

UnderMountain,UnderGroundmp3

Mélodiquement, cela balance entre du folk américain, légèrement country et de la pop avec des orchestrations de cordes élaborées, savamment construites pour toucher le genre indie-pop ou chamber-pop. Les sonorités ondulent entre la guitare acoustique ou rock, une mandoline moderne, des partitions de violon très harmoniques, du metallophone espiègle et un piano subtilement aiguisé.

La voix sublime de Michael, les arrangements impeccables des titres, attirent l’attention de MTV, de Paste, Spinner, divers médias comme les radios et la télévision qui passent les single White Days et Under Mountain, Under Ground en boucle ; Les festivals pop-rock américains et canadiens les invitent, des groupes, The Dodos et Sufjan Stevens, les convient en tournée.

The Lighthouse and the Whaler sortent actuellement un single, Venice, en amont du second album, This is an Adventure qui sortira en 2012 et a été enregistré avec le support de Ryan Hadlock, ingénieur son des Strokes. A découvrir sur le site de Paste Magazine ou Daytrotter.

TheLighthouseAndTheWhalerSite

Goastt

2011-10-23T09:48:00.000+01:00

Parce qu’apparait un cliché d’eux pris par un photographe français en double page dans un Vanity Fair, parce qu’ils ont écrit une chanson appelée Jardin du Luxembourg, on dit de leur style qu’il est typé music pop psyché française des années 60 (le Vogue Italien le qualifie de 60s French Pop and Folk Pops' Bohemian Gypsie atmosphere). Je ne trouve pourtant pas de corrélation entre Annie aime les sucettes ou encore J’entends siffler le train et les Goastt. S’ils me font penser à un couple musical c’est à Lee Hazelwood et Nancy Sinatra, à Johnny Cash et June Carter, ou encore aux Wings (Paul et Linda Mc Cartney), aux récents duo Rue Royale formé de Ruth et Brookln Dekker ou She & Him avec Zooey Deschanel et M. Ward.

Goastt ( The Ghost of a Saber Tooth Tiger), c’est le nom donné au duo formé de Sean Lennon et sa compagne Charlotte Kemp Muhl. Tous les deux sont multi-instrumentistes, ils jouent du vibraphone, de l’accordéon, du piano, de la guitare. Ils se rencontrent en 2004 et touchés par la flèche de Cupidon, se mettent à composer, à étoiler leur histoire de mélodies. Les chansons, présentées dès 2009 en live sont finalement enregistrées en version sessions acoustiques en 2010. Après l’EP deux titres, suivi du single Jardin du Luxembourg, l’album de sessions acoustiques contient 9 titres dont les premiers cités. Le genre est pop folk, tantôt psychédélique dans les accords qui évoquent Syd Barrett. Les titres sont essentiellement des balades où les voix de Charlotte et Sean, brutes, cristallines, offrent un mariage sonore parfait et où la guitare de Sean Lennon remplace aisément à elle seule l’accompagnement d’autres instruments. Du haut de ses 35 ans, Sean Lennon est un guitariste et un auteur détonnant. Il a bel et bien hérité de l’inspiration, du talent de création, de l’immense musicalité de papa John.

siteTheGoastt

Cass McCombs

2011-10-20T20:05:00.002+01:00

Le ménestrel américain Cass McCombs revient cette année avec deux nouveautés, j’écrivais sur lui en 2008 : Il aurait pu tenir le rôle principal dans Into The Wild, le film de Sean Penn. Cass McCombs voyage à travers les USA, de sa Californie natale, par Baltimore, puis New-york et enfin Chicago. Ce jeune artiste de trente ans est un electron libre.

Un peu manièré, sa fragilité planquée derrière ses lunettes de soleil, ce songwriter est non seulement un excellent musicien, mais il est aussi spirituel et drôle. Il fait penser tour à tour à Elliott Smith, Morrissey, Lou Reed...Cela donne une idée sur l'atmosphère qui règne dans ce 3ème album fraichement sorti Dropping the Writ. C'est le disque le plus pop après le 1er A en 2003 et Prefection en 2005, un bouquet de mélodies élégantes et accrocheuses.

Depuis, l’auteur-compositeur continue sa route avec Catacombs, paru en 2009 et dont les morceaux riches de guitares sur son chant vaporeux le rapproche encore plus de l’univers et l'intensité d’Elliott Smith.

En 2011, Cass McCombs, plus grobe-trotter que jamais, travaille entre la Californie, Chicago et New-York avec son fidèle ami producteur Ariel Rechtshaid et enregistre deux albums : Wit's End sorti en Avril et Humor Risk qui sortira le 8 Novembre prochain. Tous les deux montrent son talent énorme de composition, étant variés de sonorités et de thèmes comme les sentiments, la vie américaine, le voyage, la musique, avec nombre de repères littéraires qu’il maitrise.

Dans A knock upon the door sur Wit’s End, Cass McCombs chante The tired minstrel, leaving town, heard the Muse’s weeping, He turned up the Elvis tape in his grey car. Avec des allégories, des métaphores, il dévoile son quotidien d’artiste toujours avec humilité et dignité : You scoff at my card, Guess I’m no Abelard, “I don’t know…” just how far is Beulah, Would only to song, weren’t indulgent and wrong and shadow a long twilight, Always to play and sleep through the day for music and night et souligne aussi ses aventures dignes de l’amiral Byrd dans County Line: On my way to you, old county, Hoping nothing’s changed, County Line, I left so far behind.

Alors que Wit’s End est habillé de choeurs, d’orgues géniaux, d’une rythmique langoureuse sur les accords absolument émouvants de guitare, Humor Risk qui arrive bientôt dans les bacs est encore plus dansant et ce en partie grâce à la participation de Rostam Batmanglij du groupe Vampire Weekend qui a apporté sa patte sur le titre Robin Egg Blue.

Cass McCombs - Robin Egg Blue (Gun Drum Mix) by DominoRecordCo

Wit’s End est un album tout en émotion, dans la voix, les textes, la délicatesse du piano, les arpèges de guitares puissants qui fournissent l’instrumentation travaillée et brillamment exécutée. Depuis 2009, les titres de Cass McCombs fourmillent dans des films et documentaires. L’artiste, qui a l’âge biblique de 33 ans , partage la scène avec nombre de groupes : Band of Horses, Cat Power, Bonnie 'Prince' Billy, Andrew Bird, Blonde Redhead, Modest Mouse, The Decemberists, Arcade Fire, Peter Bjorn and John, Papercuts, Fiery Furnaces, Jose Gonzales, The Shins, Iron and Wine, etc. Jugée introvertie parce qu’il fait preuve de grande discrétion, la personnalité de Cass McCombs rayonne pourtant dans ces deux magnifiques albums à vous procurer et à savourer.

CassMcCombsSite

Cass McCombs - The Same Thing by DominoRecordCo

Mocca

2011-10-13T20:15:00.001+01:00

Groupe de pop indonésien de 1998, dont les membres initiaux Arina Simangunsong au chant, clavier, flûte et Riko Prayitno à la guitare, rejoints l'année suivante par Toma Pratama, bassiste, et Indra Massad, batteur, les Mocca proposent une pop joyeuse, savoureusement fraiche.

C’est en 2002 que Mocca sort son premier disque My Diary, album concept qui narre la vie d’une jeune fille, ses amours, ses désillusions, et comme l’indique simplement le titre, son journal intime. L’album sera salué par le magazine Rolling Stone qui le classe dans les 150 meilleurs disques indonésiens de tous les temps. Suit l’album Friends en 2004 et le groupe qui se fait connaitre essentiellement en Asie, parait sur une compilation pop distribuée en Europe en 2002, Delicatessen, qui séduit les amateurs du genre et qui également retient l’attention de labels. Leurs titres, ornés de trompette, de saxo, de claviers et trombones sont fournis et très dansants.

En 2006, ils signent le titre I Would Never en collaboration avec Karolina Komstedt, chanteuse du groupe pop suédois Club 8. Club8PiggledyPop
Dès lors, la renommée de Mocca va en grandissant et ils offrent des concerts en Malaisie, en Corée, en Suède et au Japon, où ils trouvent un autre label, Excellent Records, pour peaufiner l’album Pop Renaissance.

En 2007, c’est la sortie de Colours, encore plus fleuri, swinguant sur de la bossa, des airs disco rythmés et influencé par les sixties et seventies, qui les emmène en tournée partout en Asie jusqu’en juillet 2011 quand le groupe annonce la fin de l’aventure.

Si vous êtes passés à côté de Mocca, glissez les discrétement dans votre discographie, ça vaut son pesant pop d’or.

MoccaMyspace

Eureka Birds

2011-10-06T19:14:00.000+01:00

Eureka Birds est un groupe de cinq musiciens mené par Justin Levy, qui compose les morceaux, joue du clavier tout en chantant. En tournée depuis la sortie du premier EP, Eureka! en mars dernier, Justin est accompagné par Scott Hesel qui est à la batterie et à la basse, parfois joue les deux en même temps avec une baguette dans une main taquinant les cymbales tandis que l’autre main pince les cordes de la basse. Lors de ces concerts impressionnants de technique, Dami Soh assure ses partitions de violoncelle quand Nathan Royer s’exécute à la trompette. Dave Rogoza peut quitter momentanément sa guitare, faire un solo de kazoo ou se mettre à la batterie (le batteur est la plupart du temps Dan Vellucci), alors que Justin Levy joue des partitions psychédéliques dignes des Yardbirds à l’orgue.

Le show est garanti avec les Eureka Birds et la qualité musicale n’y perd absolument rien, au contraire. La maitrise des instruments, la dextérité, l’inspiration, qui rend hommage par exemple à Houdini, inondent les titres pop du groupe originaire de Baltimore. Les arrangements sont profondément travaillés, les harmonies sont solides, alternatives dans Cactus Man un peu velvetien, nourries de pop dansante dans There was light. La cohésion est vivante au sein du groupe qui chante en choeur et propose des partitions simultanées fantastiques, quand se mêlent violon et orgue aux guitares dans Sarah (Sits and cries), créant une somptueuse ambiance chamber pop et évoluant vers du son psychédélique dans That Mountain Is a Volcano.

Eureka! est une belle réussite de 6 titres des jeunes Eureka Birds qui je l’éspère passeront le présenter en Europe.

siteEurekaBirds

Sunday Sunday

2011-10-05T20:11:00.000+01:00

Sunday Sunday est le pseudonyme ensoleillé de Gilles Mallet qui sort le splendide album The Death of Johnny H en 2010. Le disque est un véritable phénomène phonique, l’artiste est un personnage atypique dans le paysage musical pop français. Multi-instrumentiste accompli et très complet, Gilles Mallet n’est pas un jeune premier puisqu’il jouait auparavant au sein du groupe Polyethylene et il orne désormais en solo Sunday Sunday de multiples sonorités et ambiances . The Death of Johnny H. est comme un film qui déroule ses séances, au fil des 13 titres, avec des textes travaillés et poétiques. La voix de Gilles est ronde, d’une justesse absolue sur les mélodies lumineuses. Au prime abord, le mariage piano-voix cristallin et l’intimité dans les mots évoquent l’univers de Chris Garneau. Puis en poursuivant l’écoute, battant la rythmique en crescendo, tour à tour en écoutant les titres Bank, Perhaps, New Gold Star, on retrouve du son Beatlesien, quand John Lennon touche par sa perfection vocale, ou encore Bob Dylan dans les partitions folk, de la beauté mélancolique rappelant Nick Drake.

La douceur balance avec le tempo et avance en osmose avec les textes, de manière osée, inspirée. Après la magnifique Northern Star, Coffee emmène malgré son titre dans un moment hypnotisant. La guitare électro-acoustique de 2 many people, suivie de la basse, la batterie et le piano, enrubannée dans le grain de voix de Gilles, joue une composition digne d’une ritournelle d’Elliott Smith. Idem pour Bruce Wayne, où la guitare chevauche sur le tempo du metallophone dévergondé. A radiolise in my acid stomach me rappelle l’atmosphère de Sigur Ros, une voix celeste qui se confirme plus grave et intérieure sur Beautiful Grave où Sunday Sunday brille et où Gilles Mallet se révèle plus créateur que jamais. At your funeral explore la ballade avec le synthé qui devient psyché sur les mots plus mordants au fil du déroulement de The Death of Johnny H. qui est un album incroyable, une fleuraison de titres qui s’écoutent sans parcimonie. Le final I know i am a lake est une composition d’orfèvre, à l’image de l’album qui est un astre mélodique. Signé sur Katatak, Sunday Sunday s’ouvre un cap et un horizon pop avec encore de beaux jours devant lui.

SundaySundayMyspace

...

2011-09-29T20:30:00.000+01:00

Memoryhouse

2011-09-25T16:10:00.000+01:00

Il n'y a rien de révolutionnaire dans leur genre musical, mais le style de Memoryhouse exploite le son pop ambient, atmosphérique, avec sa propre griffe : l’ésthétique est pointue et réfléchie, dans l’interprétation comme dans les visuels.

Leur univers nostalgique, la mémoire en leitmotiv, redessine l’espace et le temps avec grâce. Les canadiens de Memoryhouse apporte une once de modernité avec une application particulière pour les lives et les disques. Le duo est composé du musicien Evan Abeele, guitariste compositeur inspiré et prolifique, de Denise Nouvion au chant, qui est vidéographe et photographe. Chacun sème des éléments de sa personnalité, de sa sensibilité et offre un résultat très créatif, à la fois technique et visuel empreint d’une mélancolie romantique.

Décrit comme de la dream pop, leur EP The Years sorti en septembre 2011 chez Sub Pop, est un bijou sonore qui annonce l’album prévu pour 2012. Sorti en 2010, la nouvelle version du EP est remasterisée, avec des bonus tracks. Memoryhouse participe également à des compilations et reprend Jackson Browne, My Bloody Valentine et Grizzly Bear. La voix cristalline et intimiste de Denise est en osmose avec les compositions stellaires et mystiques d’Evan . La guitare, la basse, le tambourin, les claviers coulent de source. Le couple se complète en créant un univers musical hypnotisant et relaxant.

Comme le groupe Princeton dont l'album concept Cocoon of Love parle de Virginia Woolf, l'écrivain inspire Memoryhouse qui orne The Years des deux titres en hommage à Woolf, The Waves et The Lighthouse, rappelant les romans écrits respectivement en 1931 et 1927. Cette belle référence est à l'image du groupe, doté d'une musicalité et d'un esthétisme fournis que l'on retrouvera bientôt pour la sortie de leur premier LP .

siteMemoryhouse

«Il y a des gens qui ont vraiment des dons. Le problème, c'est de les découvrir.» Virginia Woolf, Entre les Actes.

Amor de dias

2011-09-23T21:52:00.001+01:00

Voilà un duo adorable, formé de l’anglais Alasdair MacLean du groupe The Clientele et de la chanteuse espagnole Núñez-Fernández du groupe Pipas. Ces deux noms réunis brossent la pop, par excellence, tant décrite sur Piggledy Pop. Mélange de twee, de bossa nova, de surf, de folk, leurs morceaux sont habillés d’une guitare, une basse, une batterie minimale et d’un clavier. Leurs voix s’unissent sur des textes qui racontent une histoire, souvent drapés de classe, de délicatesse, où l’amour trône.

Ces deux personnalités pop se rejoignent pour Amor de Dias en 2008. Le couple forme une musicalité douce, bourrée de charme. Leur album Street of the Love of Days paru en 2011 qui compte 14 titres est solidement mélodieux et abouti. Leurs grains de voix se frôlent, offrent une chaleur et une intimité à l’écoute . Les arrangements de cordes sont majestueux. Amor de dias, a symboliquement invité des amis du milieu indie-pop à participer à l’album. Sont présents Damon Krukowski, Naomi Yang, le français Louis Philippe (accompagné hier, le 22/09, par Alasdair MacLean pour un concert à Londres) et à la trompette, c’est Gary Olson des Ladybug Transistor qui se joint à cette jolie et joyeuse bande.

Amor de Días - Late Mornings

Disque d’une beauté absolue, le piano est grandiose, les guitares sublimes, les violons bouleversants, les voix magiques. Street of the Love of Days est une valeur sûre dans votre discothèque, Amor de Dias est une pépite pop qui se doit de tourner sur les platines !

siteAmorDeDias

Amor de Días - Wild Winter Trees

Pour mémoire, les Pipas (Mark Powell et Lupe Núñez-Fernández) ont sorti A cat escaped en 2003 (dont est extrait Barbapapa ci-dessous), Bitter Club en 2004 et le génial Chunnel Autumnal en 2005.

Groupe du label Merge Records, the Clientele (guitariste et chanteur Alasdair MacLean, bassiste James Hornsey, batteur Mark Keen, violonniste Mel Draisey) sort Suburban Light en 2000, The Violet Hour en 2003, Strange Geometry en 2005, God Save The Clientele en 2007 (extrait vidéo : Bookshop Casanova ), Bonfires on the Heath en 2009 et Minotaur en 2010.

David Vandervelde

2011-09-22T19:18:00.001+01:00

David Vandervelde est un auteur-compositeur américain, estimé pour son travail de producteur et ami Jay Benett de Wilco, qui participe à l’enregistrement du premier album en 2007, The Moonstation House Band. En 2008, il s’installe quelques mois à Brooklyn, puis s’établit à Nashville, où il donne une série de concerts et offre son second album, Waiting for the Sunrise. David Vandervelde compose des mélodies pop, folk et rock et sait colorer ses titres avec ses partitions de guitares supérieures. Guitariste de renom et multi-instrumentiste, les cordes pleines et puissantes vibrent sous ses doigts et résonnent dans des solos de guitare électrique, guitare acoustique ou de basse.

1414More ThanYouCanFeel

Influencé aussi bien par T-Rex que par Neil Young, David Vandervelde est de retour en 2011 avec un album abouti et riche de sons, avec en amont le single More Than You Can Feel. Là encore, le virtuose brille à la guitare et à la basse (les amateurs repéreront les effets de switch et de pédale), au chant, mais aussi au piano, à la batterie et aux synthétiseurs de tout genre.

L’album à venir, sur lequel David Vandervelde travaille actuellement en studio, est légitimement fort attendu par les fans et le peuple de l’indie-pop (à ne pas confondre avec le peuple de gauche, ni avec le peuple de l’herbe, d’ailleurs...) .

MyspaceDavidVandervelde

Bewitched Hands

2011-09-18T09:05:00.000+01:00

Envoûtant les scènes françaises dès 2008 avec leurs chansons pas encore enregistrées sur disque, les Bewitched Hands, originaires de Reims, ne cessent de grandir et de s’affirmer.

Le groupe passe les étapes honorables pour gagner ses galons, il va de festivals en concerts ( concours CQFD, Transmusicales de Rennes, Printemps de Bourges, Eurockéennes de Belfort, Festival des Inrocks etc...) et ne vole pas les éloges de la presse et les prix. La magie opère quand l’artiste rémois Yuksek les invite à participer à son album Away from the Sea. Yuksek, prince de l’electro-pop qui sort son deuxième album Living on the Edge of Time le 13 juin 2011, avec le dansant single Always on the Run, sera primordial dans leur intronisation en tant que producteur.

Les six membres des Bewitched Hands, superbement entourés pour le travail de studio, offrant des lives décoiffants, jouant des titres stylés pop-rock psychédéliques dignes de la famille américaine Elephant Six (Of Montreal, Neutral Milk Hotel, Apples in stereo etc) ,enchainent deux ep en 2010 Sea et Hard to cry, et sortent la même année leur premier album Birds & Drums. Les claviers, les guitares, les choeurs, les basses, déploient des sonorités sixties bondissantes et détonnantes.

L'album a depuis été réédité avec en bonus le premier titre chanté en français dont les beats eighties sont très accrocheurs. Le très pop Sur le quai se détache de leurs influences anglosaxonnes comme les Beatles, les Brian Jonestown Massacre, le Velvet Underground et flirte davantage avec des références françaises des années 80, comme Taxi Girl et Eli & Jacno. Le bel enthousiasme des rémois est rafraichissant et leurs six voix, rayonnantes en français, annoncent de chatoyantes mélopées à venir.

BewitchedMyspace

Owen

2011-09-14T20:35:00.000+01:00

Encore un artiste dont on peut acheter les disques les yeux fermés, les ouïes sorties. Owen fait partie de ces excellents compositeurs qui ont de surcroît une plume pour offrir des chansons abouties et des albums homogènes. Peu de musiciens ont le don de mettre des mots sur leurs propres mélodies. Chez Owen, les deux sont maitrisés avec grâce et brio. Il sait faire chanter les instruments, violons, guitares, batterie, en y ajoutant ses paroles poétiques, sa voix d’une chaleur et d’une musicalité délicates.

Originaire de Chicago, Mike Kinsella alias Owen, a une expérience certaine. Multi-instrumentiste, il a fait partie de nombreux groupes, comme Maritime, Aloha, Joan of Arc, Owls, etc... Ayant envie désormais de peaufiner ses albums en solo, de l’écriture, composition, enregistrement, jusqu’à la confection des pochettes et illustrations, il opte pour l’indépendance, signe chez Polyvinyl qui lui laisse carte blanche et réintègre la maison de sa mère à Chicago pour se mettre au travail. Brodé avec du fil d’or, consistant en mélodies, rempli d’instruments, son premier album éponyme est suivi en 2002 par No Good For No One Now, qui dévoile son talent d’écriture.

En 2004, Owen sort un ep qui annonce son troisième album At Home With Owen. Sur ces deux productions se retrouvent ses amis de Maritime et d’Aloha, ainsi que son cousin Nate Kinsella, membre également de Joan Of Arc et qui apporte sa patte à l’instrumentation et l’ingénierie. Cette année là, Mike Kinsella poursuit fidèlement sa collaboration avec ses autres groupes et part en tournée avec Maritime, Aloha et Joan Of Arc. Nourri de cette expérience scénique, de sa riche pratique de la musique, de son inspiration fournie, de sa vie personnelle fleurie d’un mariage et de la paternité, de la rencontre avec Brian Deck, le producteur d’Iron & Wine et de Margot and the Nuclear So and So’s, Owen revient en 2006 avec le splendide quatrième volet New Leaves.

New Leaves fourmille de sonorités et d’instruments, piano, flûtes, métallophone, violons, synthés vintage, des guitares en tous genres et des instruments à vent. Les textes aux sujets personnels, intimes, cavalent sur les partitions chamber-pop, folk et Mike Kinsella brille par son chant serein, sûr et franc. Avec des arrangements de cordes à foison et la production explosive via la participation de Brian Deck, de Graeme Gibson (Joan of Arc), Tim Iseler (Wilco, Teenage Fanclub), New Leaves déroule le tapis rouge au cinquième album de Novembre 2010, Ghost Town. Owen gravit les échelons du talent en composition et nous propose un autre volet de sa vie sur des textes resplendissants, des envolées de cordes et des arpèges grandioses. O Evelyn, écrit pour sa fille, est une ode d’un père à sa fille, à savourer absolument, tout comme la reprise des Smiths, Girlfriend in a coma.

siteOwen

Dear Nora

2011-09-11T16:31:00.002+01:00

Pour les amateurs de Aislers Set, Dear Nora devrait correspondre à leurs goûts et valeurs pop. Groupe de Portland guidé d’une main de maître par Katy Davidson depuis 1999, qui compte la batteuse Marianna Ritchey et le bassiste Ryan Wise, Dear Nora a sorti 9 albums entre 2000 et 2008.

Parallèlement, Katy qui compose, chante et joue de la guitare forme un duo en 2006 avec M.Ritchey qu’elle connait depuis 1999. Ils éditent sous le nom Lloyd & Michael un superbe disque orné de guitares et rythmique tweepop Just As God Made Us aux sonorités de Indigo Girls. Au début des années 2000, Katy Davidson part à San Francisco pour peaufiner son projet solo Dear Nora, M.Ritchey reste à Portland et crée le groupe The Badger King. Ils se retrouvent 6 ans plus tard, tous deux habitant Los Angeles pour écrire ensemble l’album qui réunit symboliquement leurs univers respectifs artistiques.

A la naissance de Dear Nora, Katy Davidson rencontre Amy Linton des Aislers Sets et enregistrent le premier disque We'll Have a Time en 2001 dont le titre single Since You Went Away griffe d’emblée les sillons de son sixties et pop.

Dear Nora ne cesse de jouer et enchaine les concerts entre 2003 et 2007, puis présente There Is No Home, album lumineux, minimaliste, aux mélodies touchantes comme Emily, Nora in Berlin, My Friend & I (For Gretchen) ou des harmonies plus groovy et psyché comme The Flats Of Irony, the Call, Defeated & Lonely.

En 2008, après avoir tourné aux Etats-Unis avec Yacht, ou encore Casiotone for the Painfully Alone, Katy Davidson réunit ses titres sur Three States: Rarities 1997-2007, compilation signée chez Magic Marker Records et revient aux sources à Portland.

Elle y monte un nouveau projet Key Losers, offre de manière old-school en 2010 une cassette audio vendue avec un poster, Adjust, puis en 2011 un nouvel album California Lite. Derechef, la voix de Katy Davidson resplendit sur des mélopées gracieuses.

Dear Nora, Lloyd & Michael, Key Losers, quelque soit l’alias, Katy Davidson est un auteur-compositeur féminin, un bijou rarissime dans le milieu indépendant qui mérite une attention particulière.

KatyDavidsonSite

Jimmy Hunt

2011-09-04T16:11:00.001+01:00

Jimmy a assuré les premières parties de Thomas Fersen avec qui il partage ce don de broder un univers, des histoires rocambolesques, croquer des personnages sur des mélodies renversantes, a offert en juin dernier des concerts parisiens accueilli par l’International et la Maroquinerie et revient en novembre prochain présenter son album Jimmy Hunt.

Artiste canadien, avec sa guitare et son harmonica, ses airs pop et folk, son charisme prometteur, débarque de Montréal, des ballades sucrées et acides dans sa besace. Sa personnalité colorée inonde ses textes séduisants, piquants, toujours avec une plume poétique. Le disque est abondamment varié. Il comporte des arrangements symphoniques de cordes, des choeurs power pop, dans le sublime et mordant Ca va de soi, Erzulie Freda ou des partitions de guitares folk dylanesques dans Les moineaux et les loups, dans la déclaration d’amour Mathilde. Les ambiances chatoyantes piquent au vif comme dans Pont de glace où Jimmy annonce qu’il a "un coeur d’éléphant et un fusil de chasse", dans l’excellent Les Tontons Macoutes et les synthés dévergondés de Sois belle captivent. Le dernier titre en bonus Les Vagues et ses guitares taquines, son harmonica moqueur aurait pu être signé Jacques Dutronc.

Jimmy Hunt || Motocross

La voix de Jimmy Hunt habille les mots, les intonations asticotent et titillent comme dans Annabelle «Annabelle parle à l’envers, Quand elle ouvre la bouche, on croirait entendre une Inuit, Y parait qu’elle s’est cogné la tête, quand elle était petite,Y’en a qui croit que s’est maléfique, Le guérisseur a tenté sur elle tout ce qu’il y a de magique, Le sang, les plumes, les formules sataniques» ou encore dans le titre rock dansant et fondant Everything Crash «J’ai mis du Gainsbourg et Ferrer, dans le Ipod de Mariane, Elle m’a donné son Jackie Mittoo, et le best of des Ethiopians».

Jimmy Hunt entre en force dans le monde pop rock indépendant avec sa musicalité incroyable, son inspiration somptueuse, l’interprétation classe de ses compositions. Pour découvrir ce futur Lee Hazelwood à l’harmonica chahuteur et passionné, son premier disque sort le 19 Octobre prochain, il vient au festival des Inrocks le 2 novembre et donne un concert au Divan du monde le 3 Novembre. A vos ardoises !

siteofficielJimmyHunt

Jimmy Hunt || Si j'avais su

Sparklehorse

2011-08-31T05:58:00.006+01:00

Je reviens sur Sparklehorse, après avoir évoqué ce grand nom dans la chronique précédente pumucklPiggledyPop mais aussi en note hommage là SparklehorsePiggledyPop

Sparklehorse a perdu son créateur Mark Linkous en mars 2010. Evidemment les médias de base déstinés à un public limité préfèrent évoquer la disparition de chanteuse et teneuse de micro comme Amy Winehouse, à celle d’un compositeur pop folk de talent qui savait écrire de la musique et la jouer, sans avoir à provoquer l’attention en torturant des souris avec de la cocaine, par exemple.

Mark Linkous, apparait sur scène en 1995 avec son premier album Vivadixiesubmarinetransmissionplot et ne tarde pas à être remarqué par ses pairs qui voient en lui une étoile, fragile et éternelle. Cette même année, Radiohead convie Sparklehorse à assurer ses premières parties et enregistrent ensemble, avec Mark Linkous au chant, la reprise de I Wish You Were Here de Pink Floyd. Ironie du sort quand on connait l’histoire de la chanson, pour qui elle a été écrite et que l’on sait le destin de Mark Linkous, non loin de celui de Syd Barrett. Linkous, qui se remet physiquement et psychologiquement d’une overdose de médicaments en 1996 ( l’arrêt cardiaque et une chute le laisse sans l’usage de ses jambes pendant des mois), connait un succès dès la sortie en 1998 de son deuxième disque, Good Morning Spider, sublime de délicatesse et mélancolique. Saint Mary est écrite en l’honneur des infirmières de l’hôpital où a lieu sa recouvrance et où, biensûr, il continue de composer des chansons. A cette époque le journal rock Rolling Stone écrira de l’album : "Good Morning Spider is an homemade tour de force of psychedelic Appalachian folk slop".

Mark Linkous qui a un don pour peaufiner des mélodies pop écorchées, suaves, psychédéliques, avec sa voix intense qui attrape et bouleverse, revient en 2001 avec l’album It’s a wonderful Life, enregistré dans son propre studio. Il y invite des amis de qualité qui viennent chanter et jouer sur le disque : Tom Waits, Vic Chesnutt, PJ Harvey, Dave Fridmann, Nina Persson (des Cardigans) etc. Cet album sensible est à l’image du personnage qui aime vivre reclu avec sa femme, entourés d’amis, retirés dans leur ferme de Virginie où se trouve le studio d’enregistrement et ses chevaux. Linkous est un poète discret, admirateur de William Blake, et la construction des titres est sublime d’originalité et de lyrisme, ornés de violons, guitares rutilantes, piano, flûtes etc. Un peu low-fi, pop, folk, l’artiste y dévoile un brin de son intimité avec pudeur. Le son fait penser tour à tour aux Beatles, à Radiohead, à Elliott Smith.

En 2006 parait Dreamt for Light Years in the Belly of a Mountain, qui a à ses manettes le producteur Danger Mouse. Entre temps Linkous aura assuré aussi une activité de producteur pour Nina Persson et Daniel Johnston et travaille, écrit, fait également une reprise, Jack’s Obsessions, sur la demande de Tim Burton pour l’album du film Nightmare Revisited.

En 2009, Mark Linkous, au côté de Danger Mouse (producteur aussi de Gorillaz et de Beck) et du réalisateur David Lynch, offre le génial Dark Night of the Soul. L’album est un projet collectif comprenant Black Francis (Pixies), Gruff Rhys (Super Furry Animals), Iggy Pop, Jason Lytle, Julian Casablancas (Strokes), Suzanne Vega, Vic Chesnutt et les Flaming Lips ; le cd est accompagné d’un livre dont le visuel est signé David Lynch. L’idée est surprenante et le résultat est révolutionnaire : c’est de la pop psyché avec du rock, de la soul, du baroque pour couronner le tout, le livre-cd est hallucinant de beauté esthétique.

Mark Linkous signe un chef d’oeuvre de génie avec Dark Night of the soul, tourne en Europe tout l’hiver 2009 et au printemps suivant, le 6 Mars 2010, il décide de partir de manière définitive à l’âge de 47 ans ; il lègue à la musique indépendante quatre albums lumineux à écouter absolument.

Pumuckl

2011-08-28T14:40:00.002+01:00

Le royaume de la musique est plein de rencontres, de coups de coeur, d’associations qui mêlent les talents au service de cet art. Il en est une qui s’est passée en 2005, quand Olivier Combes, chroniqueur productif qui écrit pour des sites comme l’excellent Benzine et son propre blog I left without my Hat, reçoit à écouter un single de Pumuckl.

Le charme de la rencontre musicale opère, Olivier est enthousiaste en découvrant cet artiste orléanais qui s’auto-produit et signe des splendeurs de chansons en français. Ce coup de coeur va mener Olivier Combes à créer son propre label Without my Hat Records en 2010 et lancer cette belle aventure avec Pumuckl qu’il chroniquait 5 ans auparavant.

Pumuckl - Simple 7" by WithoutMyHatRecords

Pumuckl alias Stéphane Lhérault fait, adolescent, a un coup de coeur en écoutant Dominique A et cette rencontre musicale marque ses compositions. Dès mars 2005, Pumuckl sort 2 ep, Subutex et Philsophage, son premier travail pop minimaliste, griffé de mélodies délicates dont l’univers rappelle François & the atlas mountains, Jean-François Cohen, Jérôme Minière. En Septembre, c’est le 6 titres, Sommeil Léger, qui accroche et séduit les chroniqueurs web et les articles sur la pop électronique, fraiche, élégante de Stéphane Lhérault fleurissent. Le titre Sommeil Léger est suivi d’une reprise de Depeche Mode, it doesn’t matter, démontrant tout le savoir-faire de l’artiste et son univers pudique, avec les titres Insomnie, Confiance, Remords dont les mots touchent. Carbone, 4ème production de Pumuckl sort en 2006 et l’émotion revient de plus belle dans l’album de 2009, l’Anecdotiste, où apparait une reprise de Jérôme Minière.

jeromeminierePiggledyPop

En 2010, Pumuckl participe à la compilation hommage au groupe Sparklehorse, I wish i had a horse’s head, dont le leader Mark Linkous est mort en mars. Avec lui, des groupes de pop indépendante comme Pokett, Band of Ghost, David Fakenahm etc.. et Laudanum, qui rencontre Pumuckl ; association artistique qui formera la même année un superbe ep 4 titres sur lequel chacun remixe un titre de l’autre.

C’est donc le 12 Juillet 2011 que le label Without My Hat Records est officiellement sur les rails avec comme première production, Simple 7, un 45t vinyle de toute beauté signé de Pumuckl (en vente à 5,5 euros sur le site du label). Une autre belle rencontre, comme celle des guitares et des claviers qui porte ses fruits electro-pop pour notre plus grand plaisir !

Labelwithoutmyhatrecords
Blog d’Olivier Combes : ileftwithoutmyhat
Blog de Pumuckl : pumucklblog

Farewell Drifters

2011-08-23T19:41:00.001+01:00

Les Farewell Drifters vivent à Nashville depuis qu’ils ont décidé de se vouer professionnellement à la musique, moment qui correspond à la sortie de leur opus en juin 2010, Yellow Tag Mondays. A l’origine ce sont les frères Joshua et Clayton Britt, du Kentucky, avec Zach Bevill, de l’Illinois, qui forment le groupe en 2007. La même année, le violoniste et flûtiste Christian Sedelmyer, venant de Pennsylvanie et le bassiste Dean Marold, du Colorado, intègrent la formation. Avec des parents musiciens, les frères Britt grandissent en jouant tous deux du piano, de la guitare, de la mandoline et du banjo. Zach Bevill qui est guitariste depuis ses 13 ans, apprend le piano dès ses 6 ans. Quant à Christian Sedelmyer, multi-instrumentiste, c’est du violon qu’il apprend à jouer à l’âge de 5 ans, comme Dean Marold immergé dans un milieu musical depuis toujours.

Du haut de leurs vingt ans, les Farewell Drifters sont un groupe harmonieux. Il règne dans la troupe un esprit de famille, une réelle amitié, une grande collaboration artistique où chacun tient son rôle tout en s’inspirant mutuellement. Ce sont des virtuoses qui enregistrent des disques majestueux, mais ils sont également charismatiques sur scène, maîtrisant les instruments et les conditions du live. Nashville devient une source d’inspiration ainsi que leurs expériences sentimentales.

En juin 2011, Farewell Drifters brillent avec leur album Echo Boom. L’ensemble de leurs chansons folk, pop, ont une trame bluegrass country sous des textes réalistes, lyriques, voire romantiques. Les thèmes évoqués sont les médias, la sournoiserie, le superficiel des amitiés et du relationnel dans les sites de liens sociaux du net, dans Punchline, la religion, l’amour dans Heart of Slave, ou le sentiment est décrit comme une fleur dans le titre métaphorique Roses.

Leur amitié transperce les morceaux, l’unité fait rayonner le groupe.

Les harmonies coulent et glissent avec le chant en chorale des 5 musiciens. Ils sont influencés par Bob Dylan, les Byrds, Pet sounds des Beach Boys. Ils aiment aussi Simon & Garfunkel dont ils reprennent The Only Living Boy in New York en titre bonus sur Echo Boom version vinyle et les Beatles avec For No One qu’ils reprennent dans l’album Yellow Tag Mondays ; Leur style oscille, de manière surprenante pour d’aussi jeunes musiciens, entre le folk country traditionnel, employant une pléthore d’instruments acoustiques et des mélodies ensoleillées conformes à la pop sixties qu’ils savourent sur des vinyles. C’est la voix sucrée de Zach Bevill qui porte gaillardement les textes, se lie aux autres voix belles et limpides. Le chant est energique et la rythmique entrainante. La basse de Dean Marold swingue avec la mandoline de Joshua Britt, alors que le violon et la flûte de Christian Sedelmyer dévergondent le banjo de Zach Bevill ou la guitare de Clayton Britt.

Aidés du producteur Neilson Hubbard, star du genre bluegrass et spécialiste de pop, signés pour les deux albums chez Heart Squeeze Records, les Farewell Drifters réhabilitent et réactualisent le bluegrass avec le joyeux Echo Boom qui sera sans aucun doute suivi d’autres concerts alchimiques et d’autres géniaux albums.

SiteFarewellDrifters

Hyde & Beast

2011-08-21T11:00:00.003+01:00

Voilà un des meilleurs disques entendus depuis des mois. Deux batteurs de NorthHeast, des guitares, une basse resplendissante, une rythmique extraordinaire, des voix monstrueusement belles, des cuivres, le tout mis dans un studio et il en sort un cocktail nommé Slow Down, signé Hyde&Beast. Dave Hyde, ex batteur des Futureheads, Neil Bassett dit Beast, ex batteur des Golden Virgins, sortent Slow Down le 15 Août 2011. Les 11 titres sont détonants. C’est psychédélique, funky et groovy, pop, bondissant de style sixties et seventies. A l’écoute, on pense aux Beatles, à T-Rex, aux premiers Pink Floyd, aux Velvet Underground et à Sarah Records, à Arab Strap. Hyde & Beast donne l’impression de se faire plaisir en revisitant plusieurs genres, avec toujours une base rythmique luxuriante générée par la batterie, la basse, le tambourin, le cor et les cymbales.

Dès le premier titre You never come back, l’atmosphère digne de Pilote ou des Yardbirds, avec le piano, le tambourin, les choeurs à la Beach Boys annonce un très bon album. La suite est flamboyante. Hyde avant d’être batteur a commencé la musique avec la guitare et cela s’entend clairement. Tous les instruments sont dosés, tempérés, les cordes et les cuivres sont en osmose avec le tempo de la basse et de la batterie. All because of you met en avant la basse, précède You will be lonely, où les guitares s’envolent dans une harmonie guillerette qui contre-balance avec le son hypnotisant et psyché velvetien de Trees are falling. Last Chance For A Slow Dance fait penser aux Jams et aux Pink Floyd, ceux qui aiment les groupes récents comme les Essex Green y trouveront aussi leur essence sonore. Les guitares continuent de fuser dans Pictures in the Sky et dans le délirant Wolfman Blues qui ranime l’âme de Syd Barrett. Les choeurs remettent une pincée de psychédélisme dans Lord, Send For Me, où le texte, la rythmique et les guitares fuzzy sont loin d’être pieux. Go to Sleep et Louis Lullaby sont des mélopées douces et nostalgiques qui closent l’écoute dans une parfaite esthétique.

Les deux personnalités qui constituent Hyde&Beast se complètent magnifiquement dans Slow Down et cette symbiose des textes et des partitions crée une musicalité divine dont Lennon et Barrett se régaleraient sûrement.

SiteHyde&Beast

Jack Drag

2011-08-18T22:16:00.001+01:00

Amusant en réécoutant Jack Drag, de constater à quel point ses titres n'ont pas pris une ride. Ses albums datent de 1996, opus éponyme, qui accueille la collaboration de Eric Paul et Bernard Georges, musiciens de Throwing Muses, et de Shawn Rogers, le manager du groupe Archers of Loaf. Unisex Headwave est l’album sophomore de 1997, album pop, funky et osé dans la réverbération des affolantes guitares. Jack Drag compose des harmonies mods, tantôt psychédéliques, tantôt twee-pop d’une excellence hors normes pour l’époque. 1998, avec l’ingénieur Chris Shaw, Jack Drag enregistre Dope Box. Se joignent à lui qui est au chant, claviers et guitare, le bassiste Joe Klompus et le batteur Jason Sutter. Enregistré dans des conditions de live sur son ordinateur, l’ensemble de l’album est ensuite peaufiné dans des studios à Los Angeles puis à New-York.

Jack Drag de son vrai nom John Dragonetti commence à se distinguer dans le milieu indie-pop pour son inspiration et ses ressources artistiques sans bornes. Universal et Polygram lui font les yeux doux et des promesses dodues mais voilà, graisser la patte de Dragonetti n’est pas une mince affaire et en 2000, il s’envole pour Londres pour signer l’album Aviating avec le label indépendant Shifty Disco. Il le compose et l’interprète seul, jouant tous les instruments. Certains artistes de pop sont plus rock’n roll qu’il n’y parait.

2002, c’est le sublime The Sun Inside qui parait, le dernier album de Jack Drag à ce jour. C’est pourtant l’album qui touche au zénith du genre. D’ailleurs, la presse, les fans, les professionnels l’élisent un des meilleurs albums pop. Les 14 titres sonnent Syd Barrett, Eels, Apples in stereo, Beck, Dandy Warhols, alliant les sonorités pop au shoegaze et au psychédélisme. La basse, la guitare acoustique et electrique qui taquinent le tambourin, les orgues, les trompettes et cor sur Fm Royalty, forment un groove dansant et décapant. Les pa-pa-pa beachboysiens de Smile on fire et le swingue de Jack Drag sont avant-gardistes, les textes magistraux et judicieux.

Toujours signé sur Shifty Disco, label de Beulah et Elf Power, The Sun Inside est un album complet, orné de beats denses et pop, de sons low-fi et garage, une voix aguichante sur des textes souriants et le tout fait dodeliner les oreilles.

SiteJackDrag

Weinland

2011-08-17T18:51:00.000+01:00

Aux viticulteurs qui s‘activent ardemment, sécateurs aiguisés à la main, chapeaux de paille callés sur le chef, je leur conseille de se coller Weinland dans les oreilles pour se donner du coeur à l'ouvrage.

Portland, la mecque du rock indépendant qui dévoile des groupes comme Modest Mouse, The Shins, The Decemberists, M.Ward, Spoon, Chris Walla, comprend désormais Weinland, groupe du nom de son leader. En 2006, le charismatique Adam Weinland Shearer propose Demersville, album troublant de 9 titres qu'il compose à la guitare, au piano et avec lequel il part seul sur les routes américaines. La presse découvre et approuve l'artiste multi-instrumentiste qui ne tarde pas à enregistrer le deuxième album en 2008, La Lamentor qui est nourri comme le premier de mandoline, de banjo, de piano et de violon. Adam Weinland est un guitariste épatant, doué pour le live, la composition et le chant. Le journal US Today compare sa voix à celle de Neil Young et voit juste puisque l'américain avoue que ses parents jouent et chantent Neil Young depuis sa tendre enfance. Ses arrangements folk sont animés, puissants et ses textes touchants, nostalgiques et poétiques. Aidé par deux maîtres de l'indie-pop folk, compositeurs et ingénieurs son, Adam Selzer et Dylan Magierek (qui travaille avec Mark Kozelek), Weinland réussit un magnifique La Lamentor.

S’entourant de Rory Brown à la basse, du batteur Ian Lyles au banjo, de Aaron Pomerantz dit Rantz pour la mandoline, l’accordéon et Paul Christensen au clavier et orgue, Adam Weinland envoûte et persuade l’audience lors des concerts. L'ensemble Weinland enchaine les lives sans vergogne, partage une tournée avec Adam Selzer et s'imprègne de cette expérience pour composer le troisième volet Breaks in the sun sorti en 2010. Ni tristes ni déprimants, les 11 titres de Breaks in the sun sont enrobés de folk intimiste, amoureusement mélancolique, effet appuyé par la présence des cordes, du piano, de la mandoline et de l’orgue. L’album est généreux en instruments, en harmonies, il est chaleureux avec le chant sucré d’Adam Weinland. L’ambiance country soft et duveteuse se prête davantage à une soirée relax au coin du feu, donc mieux vaut ranger les santiags.

SiteWeinland

Benji Hughes

2011-08-15T07:46:00.001+01:00

J’évoque l’américain Benji Hughes dans la chronique sur Jon Lindsay et je reviens plus en détail sur le monsieur. Benji Hughes est, dissimilé derrière sa tête d’ours, un auteur-compositeur qui écrit des chansons avec finesse et élégance. Son domaine de prédilection est l’amour et la sensualité. JonLindsayPiggledyPop

Ne jouant pas au crooner, il maîtrise son thème dans les textes, la musique et dans son interprétation. Mélange de Serge Gainsbourg pour son amour des femmes, de Beck pour l’instrumentation, Eels pour son modernisme et sa sensualité chaude et chavirante, il incarne de par cet univers artistique, un troubadour romantique et contemporain.

Son premier album, complet et abouti est un double album comprenant 25 titres. A love Extreme, sorti en 2008, est travaillé avec du piano et guitare, claviers, batterie, des choeurs et offre une ambiance electro-pop à la fois actuelle et classique (on y retrouve des sonorités à la Radiohead, Jarvis Cocker, Neil Hannon ou Magnetic Fields).

A Love Extreme est éclectique, varié, tout en étant homogène. L’écriture des textes est d’une belle qualité, du groovy Tight Tee-shirt, au beatlesien Vibe so hot et au fondant de la basse dans Love is a Razor, Benji Hughes est un grand amoureux qui peut autant faire danser qu'aspirer l'attention, faire vibrer le grain de peau, avec ses arrangements et ses mots tel un Cyrano du tempo.

BenjiHughesMyspace

Jon Lindsay

2011-08-14T12:34:00.000+01:00

Jon Lindsay, originaire de la Caroline du Nord, est un auteur-compositeur multi-instrumentiste de 30 ans dans la veine de Ben Kweller, avec un profil de jeune premier auquel il ne faut pas se fier. Avec des titres dont l’univers fait penser à Guided by Voices ou à Elliott Smith, Jon Lindsay tire son originalité dans les arrangements alternatifs power-pop, la rythmique energique et sa voix élancée.

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Il s’auto-produit un EP 5 titres en 2009, Magic Winter & the Dirty South, qui précède le fantastique album de 15 titres Escape from Plaza-Midwood sorti l’année dernière. Depuis, Jon Lindsay ne s’arrête plus, après un autre EP en 2010, Coping Strategies, son deuxième album Summer Wilderness Program est en route pour 2011.

Prolifique, inspiré, et précoce, Lindsay est aussi un écrivain, diplômé en littérature et sciences politiques, il remporte des prix pour ses écrits et adaptations de pièces de theâtre ainsi qu’une distinction du School of the Art Institute of Chicago. Sa mère est un auteur, prof d’anglais et son père organiste. Les influences familiales, ses références musicales comme Harry Nilsson, Randy Newman, Lennon et McCartney, Jackson Browne qu’il cite dans ses chansons, mêlées à sa personnalité, font de lui un artiste riche.

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Il se lance sur les scènes dès 2007 avec son projet The Young Sons, puis accompagne en 2008 Benji Hugues au clavier et chant. Etant pianiste, guitariste, bassiste, trompettiste et batteur, il joue aussi aux côtés de Nicole Atkins, Raised By Wolves, Avett Brothers, The Catch Fire.

En 2009, il fonde une compagnie de théâtre et adapte, met en musique, des pièces de Ionesco ou encore To Kill a Mockingbird, roman de Harper Lee tout en continuant son travail de composition pour ses disques.

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Après une tournée américaine en solo cet été, ouvrant aussi pour les Flaming Lips, Jon Lindsay annonce la venue de Summer Wilderness Program pour l’automne 2011. A griffonner sur les agendas...

SiteJonLindsay

Pendentif

2011-07-31T08:39:00.005+01:00

Pépite bordelaise qui m’accompagne depuis des semaines, les Pendentif sont mon coup de coeur de l’été. Pendentif est un groupe français qui fait une pop typée Sarah Records mais avec des résonances frenchy du cru, puisque Bordeaux est une mine de groupes pop depuis des lustres. L’EP Pendentif est sorti le 11 mars 2011, les titres découverts en fouinant sur la toile m’ont attiré l’oreille illico. Dans un style délicat et précieux, Mickael Gachet, au chant et guitare, Benoit Lambin, chant et guitare, Thomas Brière, chant et clavier, Mathieu Vincent au chant et basse, Jonathan Lamarque à la batterie, nous concoctent des titres twee-pop, teintés de new-wave, de pop mélancolique et limpide aux guitares bondissantes.

La fraicheur en filigrane se décline dans les mélodies aériennes, dans les paroles sucrées de jeunesse, dans les thèmes du voyage maritime, de l’amitié et de l’amour à l’eau de rose sucré-salé. Rien de grave, pas d’anti-social ni de rabattage politique, aucun message subliminal sinon celui de se délecter au soleil de sons dorés, raffinés et de mots cristallins, typiques du genre pop. Là, les guitares sont puissantes, séduisantes, accompagnées des choeurs étincelants sur des textes à la nostalgie doucement attachante, tantôt osés tantôt naifs.

Pendentif véhicule une ambiance pétillante, l’univers et l’âme du groupe est serti dans chaque note comme une carte postale reçue des Byrds, des Orchids ou des Smiths ; Pendentif est taillé dans la grâce, sorti d’un écrin pop qu’on ne referme pas de sitôt.

MyspacePendentif

Syd Matters

2011-07-31T08:38:00.004+01:00

Syd Matters alias Jonathan Morali est un musicien auteur-compositeur français qui tire son nom d’artiste de sa passion pour Syd Barrett. Il arrive comme une comète en 2002 dans le paysage pop-rock français et inaugure le concours CQFD du journal les Inrocks en décrochant la première victoire.

Depuis son opus A Whisper and a Sigh en 2003, Syd Matters s’entoure d’excellents musiciens qui prendront part à ses créations et en 2004, peaufiné par le producteur et ingénieur son Yann Arnaud, sort le deuxième album Someday We Will Foresee Obstacles. Le disque présente toutes les qualités : les textes magnifiques, une construction alternative des rythmiques et des mélodies. La trame est folk avec le son de la guitare qui déroule les mélopées pop enveloppées par une cascade d’instruments, flûte, trompette, violoncelle, violon, viole, batterie, basse, vibraphone, mellotron, claviers. Les arrangements montrent le talent de composition de Syd Matters et de ses musiciens qui travaillent en chorale, tout comme ils chantent formant un choeur touchant. Pour couronner le tout, Euros Childs contribue au titre Icare en y apportant sa voix. EurosChildsPiggledyPop

Le guitariste multi-instrumentiste Olivier Marguerit, pianiste Rémi Alexandre, le bassiste Jean-Yves Lozach, le batteur Clément Carle entourent Jonathan au chant.

Ghost Days parait en 2006. Dès le premier titre de l’album Everywhere Else, on retrouve la griffe Syd Matters qui réussit à surprendre par l’originalité du titre et sa symbolique. Chaque membre du groupe y apporte ses soins et même si le thème parle de l’isolement, a contrario, le titre a été ecrit à plusieurs mains. Syd Matters « C'est un de mes titres les plus intimistes, tout en étant celui que nous avons le plus travaillé en groupe. Le thème abordé a également eu son importance : l'histoire d'un type tout seul dans sa chambre qui finit par s'ouvrir peu à peu aux autres.»

Tahiti Boy participe au clavier du titre Big Moon, Elsa Fourion et Ulysse Klotz assurent les cordes au côté de Yann Lupu, qui excelle au trombone, bugle et trompette, dans Anytime Now, Louise et Everywhere else.

Jonathan Morali fait une incursion dans le domaine du cinéma en 2007 en composant la musique du film La question Humaine avec Mathieu Almaric, qui sera présenté au festival de Cannes. Son réalisateur, Nicolas Klotz est le père d’Ulysse, présent aux cordes sur Ghost Days, aussi auteur-compositeur de musiques de films.

Le thème leitmotiv des chansons de Syd Matters est l’isolement, la fuite et l’échappatoire mental dans l’immobilité physique. En 2010, le quatrième album Brotherocean traite de manière poétique et métaphorique de ce thème. Les 10 titres sont majestueux, mélodiques, beaux et émouvants. Là encore, l’empreinte, la signature de Syd Matters se lit tout le long des plages. Le thème est abordé via l'image de la mer. L’ambiance maritime traverse l’album qui en devient onirique, tant par les mots que par la musique et les choeurs. Brotherocean, splendidement inspiré par ses lectures comme la trilogie de Romain Gary, Frère Océan ou encore le livre La Mer de John Banville, est un album concept qui traite de façon parnassienne du pouvoir de l’imagination, de la rêverie dans l’enfermement. Syd Matters compose avec les textes délicats comme il compose les musiques élègantes, en crescendo, en élévation, réussissant à marier de manière philosophique les mots et notes.

SiteSydMatters

Philip Selway

2011-07-28T16:21:00.000+01:00

C’est Neil Finn, de Crowded House qui encouragera Philip Selway à se lancer en solo. Ils sont amis de longue date et Philip Selway fait partie des musiciens qui prennent part au grand rendez-vous 7 Worlds Collide de Crowded House en 2001 avec Johnny Marr et Ed O'Brien. (cf chronique Crowded HousePiggledyPop)

Originaire du Oxfordshire, diplômé en histoire et littérature qu’il enseigne, Philip Selway est avant tout, depuis 25 ans, le batteur de Radiohead . Récompensé meilleur batteur de tous les temps par le Gigwise en 2008, il est aussi un grand guitariste et un excellent compositeur. Il crée une réelle surprise avec son album Familial sorti le 30 août 2010 qu’il écrit et compose en solo. Comprenant 10 titres, l’album est une balade dans son intimité, dévoilant des sons et des textes émouvants, touchants. Philip Selway fait là un exercice digne d’une accrobatie sans filet.

Il se livre artistiquement, ouvre son univers musical pour la première fois en abordant de surcroît un thème qui lui est sensible et personnel, sa femme, ses enfants, sa mère décedée en 2006 à qui il dédie The Ties That Bind Us, titre dans lequel il passe un message à son fils.

La surprise est enchérie. Sur le plan musical, certaines sonorités nous guident vers Radiohead (dans le titre Beyond Reason), Elliott Smith (notamment sur Patron Saint), Pulp (Philip Selway joue d’ailleurs avec Jarvis Cocker dans le 4ème Harry Potter et la coupe de feu). Il y a aussi un peu de l’univers de Adem et cela devient saisissant quand on apprend le 25 juillet dernier la sortie d’un nouvel EP de Selway Running Blind sur lequel joue Adem. (pour les amateurs de Adem, voir chronique : AdemPiggledyPop )

Philip Selway à la composition, chant et guitare, s’entoure sur l’album de Glenn Kotche du groupe Wilco, de Pat Sansone de Autumn Defense mais aussi musicien de Andrew Bird, Joseph Arthur, Josh Rouse, The Clientele et depuis 2004, membre de Wilco. Il y a aussi ses amis musiciens rencontrés sur le live 7 Worlds Collide, Lisa Germano (musicienne de Eels, David Bowie, Jewel, qui signe 10 albums en solo) et Sebastian Steinberg (bassiste de Soul Coughing, joue avec Marc Ribot et k.d Lang).

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Pour orchestrer l’enregistrement et les arrangements de cordes, avec violons, violoncelle, contrebasse, de guitares, des rythmiques, tambourins et batterie, c’est au producteur Ian Davenport (Supergrass, Badly Drawn Boy) que Philip Selway s’en remet . Le résultat tient du génie, Familial est si bon et beau qu’il annonce un prochain album splendide griffé Philip Selway à la voix cristalline et le récent EP Running Blind attise allègrement la curiosité.

(extrait vidéo de Running Blind )

SitePhilipSelway

Nick Jaina

2011-07-26T10:53:00.001+01:00

Originaire de Californie, Nick Jaina fait de la musique depuis qu’il a laché le biberon. Après ses études d’archéologie, il part en 1998 à San Francisco pour se lancer dans la composition d’un opéra jazz The Hole in The Coffin. Cette passion depuis ne le quitte plus. En 2001 il s’installe à Portland, monte le groupe Binary Dolls avec qui il sort deux disques. Mais très vite Nick Jaina, avec son don pour l’écriture, son insatiable envie de composer, projette son aventure solo et il en résultera cinq albums signés de son nom. Alors que le sixième The Beanstalks That Have Brought Us Here Are Gone vient d’être bouclé, il termine une oeuvre qui lui tient à coeur, un opéra en trois actes qu’il compose et dirige et qui débutera dans le Michigan le 27 juillet 2011 avec la participation du New York City Ballet.

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Le domaine de Nick Jaina est donc étendu. Il est autant à son aise dans le jazz, l’écriture de ballets, que dans le folk, la pop et le rock. La première production pop-folk qu’il signe de son nom est en 2006 avec The 7 Stations. A l’enregistrement sont présents les différents groupes de Portland, dans lesquels étant multi-instrumentiste, il a joué de la guitare, de la batterie, de la mandoline, de la trompette et du piano. L’album est génial, construit sur le thème du voyage, les paroles sont dignes de romans, des histoires décrites avec humour et tendresse. La clarinette et la trompette de The Whim Of The Ruling Class, la guitare de Barleycorn & Toblerone, taquines et énergiques, contrebalancent avec le rythme soft de l’accordéon de We Are All Alone In This World ou encore le vibraphone et le folk suave de Red Queen. La longueur des titres varie, le rythme est alternatif. L’ensemble du disque, textes et musiques est tout sauf formaté, l’esprit créateur et indépendant du compositeur saute aux oreilles, tout comme ses références et ses influences.

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En 2008, après le fantastique A Narrow Way, Nick Jaina offre un troisième album, Wool, enregistré sur le piano d’Elliott Smith avant qu’il soit remis à un musée. L’âme d’Elliott Smith traverse les titres, son vieux piano entre les mains, Nick Jaina compose des balades touchantes, orchestrées avec grand soin. Il s’accompagne d’un violoncelle, de glockenspiel, de cloches, de basse, d’un orgue et une flûte.

Ses compositions originales peuvent autant évoquer le fantastique des Who dans Tommy que l’originalité du London Calling mêlé à du Mendelssohn. En 2010, le disque A Bird in a Opera House dont le titre va comme un gant à Nick Jaina, délivre de nouveau une facette plus pop de l’artiste. De Sebastopol à Sleep Child, le rythme galope, les guitares sont débridées, la superbe voix de Nick Jaina s’envole et crée une atmosphère de liberté, évoque l’amour en délicatesse dans Days in my room, Matrimonial Bed, Cincinnati (en live vidéo ci-jointe) et la religion avec finesse dans Strawberry Man.

2011 est un bon cru pour ses fans. Il se fait plaisir et nous gâte en produisant deux disques. Un qui reflète toutes les références du compositeur, ce qu’aime écouter l’homme chez lui. Sleeping on the Covers est un sublime panel de reprises. Nick Jaina chante du Jonathan Richman, Kate Bush, Sting, les Walkmen, Hank Williams, Glen Phillips, Matthew Fountain, Echo and the Bunnymen, Madonna, Sam Cook, Nick Cave etc (extraits : Everybody's Talkin' de Fred Neil et l'émouvant Into my arms de Nick Cave).

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Un autre, The Beanstalks are That Have Brought Us Here Gone sorti il y a un mois, grandiose travail de composition, qui met à l’honneur les interprètes féminines qu’il admire. Les titres somptueux écrits par Nick Jaina sont chantés par Laura Gibson (qui tourne avec les Decemberists, Laura Veirs etc), Corrina Repp du groupe Viva Voce qui signe sur le label de Mark Kozelek, Amanda Spring de Point Juncture qui entonne avec classe l’excellent The President of the Chess Club, titre cravaché et boogie, Johanna Kunin alias Bright Archer qui sublime le titre James, fantastique morceau. La chanteuse Myshkin encense Ortolan, balade rafraichissante. Jolie Holland apporte son charme au titre You Were So Good To Me. L’album aux allures pop, folk est une belle réussite, un bijou sonore à savourer pendant l’été !

SiteNickJaina

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Arthur Krumins

2011-07-20T18:58:00.000+01:00

Savoureux mélange de Leonard Cohen et de Lloyd Cole, Arthur Krumins a cette particularité dans le chant, cette identité dans la voix qui le démarquent des autres illustres songwriters du genre comme Bob Dylan ou Nick Drake. Mais à son écoute, il joue déjà dans la même cour. Ses textes sont fournis, poétiques, lyriques et ses arpèges de troubadour frisent l’excellence.

Il propose un premier album Beginning Songs, en téléchargement libre sur le lien de Bandcamp.

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Originaire de Vancouver, il étudie aux beaux-arts et écrit depuis des années dans Discorder Magazine. Sa passion mêlée pour les arts et l’écriture transperce ses chansons. Il n’est pas du genre à rester assis puisqu’en plus d’assurer des concerts à travers le Canada, il organise en tant que volontaire des compétitions de vélo dans les universités.

Phénomène extra-terrestre de la composition, de l’interprétation, Arthur Krumins chatouille le domaine de l’underground, restant très discret, introuvable sur la toile, devient par son humilité un artiste rare et exceptionnel.

Il y a des timbres de voix qui collent et s'infiltrent de manière inexpliquée dans votre quotidien. Celui d'Arthur Krumins coule de source, chaleureux, intime, s'il vous accroche comme il m'a eu, il ne se délogera pas facilement de votre écoute.

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ArthurKrumins

Crowded House

2011-07-14T14:20:00.065+01:00

Crowded House est un groupe pop-rock de renom dans les pays anglo-saxons. Ce qui n’est pas le cas en France où ils apparaissent fantomatiques dans les médias. Pourtant le groupe existe depuis 25 ans, a vendu des millions de disques, remplit des stades de milliers de fans.

Les Crowded House sont néo-zélandais. C’est en 1985 que l’on fait la connaissance du groupe composé des frères Finn, Neil (guitare, chant) et Tim (piano, chant), Nick Seymour à la basse et Paul Hester à la batterie. Le premier album sort en 1987 comprenant le fameux single Don’t dream it’s over. Connaissant le succès du titre depuis, l’album ne marche pas dans un premier temps. Le groupe joue alors dans des bars, assure des concerts, part sur les routes pour aller chercher l’audience et leur belle démarche porte ses fruits.

Le second album de 1988, Temple Of Low Men, ne connait pas un succès immédiat, les moyens de promotion à l’époque étant un peu roots. C’est en 1991 que Crowded House devient le groupe phare de la pop en Australie avec le troisième album Woodface. En 1993, Together Alone est classé dans les charts en Angleterre et aux Etats-Unis. C’est l’année de la réussite et celle aussi de la venue de Mark Hart ( ex-Supertramp) qui remplace Tim Finn à la basse.

Les mélodies que compose Neil Finn, où les guitares et batterie sont ornées d’instruments à vent et à cordes, dévoilent un talent d’écriture et d’arrangements délicats, voire parfois minimalistes, alors que d’autres peuvent être grandiloquents et symphoniques.

Parralèlement à Crowded House, Neil et Tim forment le projet Finn Brothers et sortent Finn en 1995. Leur deuxième album Everyone is here sera supervisé par Tony Visconti, le producteur de David Bowie, de T-Rex ou plus récemment de Morrissey.

Les Crowded House annoncent en 1996 qu’ils arrêtent. Les quatre musiciens offrent un concert d’adieu monumental à Sydney. Depuis chacun poursuit sa route, les Finn Brothers sortent en 2001 un album live titré 7 Worlds Collide comprenant la participation sur scène d’Eddie Vedder (Pearl Jam), Johnny Marr (The Smiths), Liam Finn (fils de Neil), Ed O'Brien et Phil Selway (tous deux de Radiohead). De son côté le batteur Paul Hester devient une star du petit écran en présentant un show de 1995 à 1998, en develloppant la scène locale pop-rock de Melbourne et formant le groupe Largest Living Things jusqu’en 2001, comprenant des membres de Crowded House et Midnight Oil.

En 2005, la nouvelle de son suicide, il est alors agé de 46 ans, endeuille les Crowded House et leurs fans.

Neil Finn qui jouera en solo un hommage à son ami Paul Hester lors du festival Aria Awards en 2005 avec le titre Better be home soon, redonne une impulsion au groupe qui se remet à pied d’oeuvre en 2007 avec l’album Time On Earth.

Le dernier album Intriguer est sorti l’année dernière, passant sans surprise à la trappe dans les médias français qui biensûr préfèrent Gaga ou Pokora. Intriguer est acclamé, annoncé comme la meilleure production des Crowded House par les radios et télévisions anglosaxonnes.

Les 10 morceaux, stylés pop anglaises, sont toniques, lumineux. Le producteur Jim Scott (Wilco) qui joue du tambourin et du grelot sur l’album, accompagne Neil Finn aux manettes. Album familial, Neil Finn s’entoure de Nick Seymour, présent dans le groupe depuis les débuts, le nouveau batteur Matt Sherrod, Mark Hart est toujours là lui aussi, tout comme son fils Liam Finn à la guitare, son épouse Sharon Finn au chant et la chanteuse multi-instrumentiste américaine Lisa Germano, qui fait ses armes avec Giant Sand, Johnny Marr, Smashing Pumpkins, Eels, et joue là du violon sur Even If et Archer's Arrows. Les orchestrations sont variées, décorées de mandolines, violons, guitares acoustiques et électroniques, d’harmonica, et sont tantôt atmosphériques, tantôt disco, rock indépendant et alternatif. Elles font d’Intriguer un des meilleurs albums de 2010.

Bref, 25 ans déjà et un nouveau volet Crowded House à ouvrir, sans rouille et flambant neuf . (extraits vidéo : Saturday Sun et Twice If You're Lucky)

SiteCrowdedHouse

Björn Kleinhenz

2011-07-11T19:10:00.001+01:00

Björn Kleinhenz est un musicien suédois, né en Allemagne en 1981, ayant vécu en Irlande, revenu aujourd’hui en Suède où il compose des chansons qu’il enregistre alors qu’il n’a que 19 ans. En 2003 avec son ami Thomas Jonsson, alias I’m Kingfisher, ils sortent un mini-album sous le pseudonyme The Topeka twins puis la même année Bjorn sort en solo un album personnel et intimiste, Yeah baby whoohaa. En 2005, Björn Kleinhenz travaille à un nouvel album, Pigbone 3000, composé à quatre mains avec la complicité de Pete Thompson qui offre dix splendides titres folk-acoustiques dont Starlit Queen. Loin d’être un solitaire, les collaborations artistiques de Björn sont variées et il aime tout autant participer à des compilations ou accompagner d’autres groupes sur scène qu'écrire en solo.

ThebestDays OfmyLife

Son expérience assise des tournées et des sessions en studio explose dans l’album de 2008, Quietly Happy and Deep Inside. Björn Kleinhenz maitrise les arrangements qu’il nourrit de violons et de cor anglais. Ses chansons seront toutes reprises par ses amis musiciens qui lui rendent hommage en sortant l’album Quietly Happy and Deep Inside Covers & Remixes. Parmi ceux-ci il y a Susanna Brandin avec qui Björn forme le duo Winter Took His Life, amie qui participe aux arrangements du premier album, puis il y a un chanteur suédois qui vit au rez-de-chaussée de la maison de Björn, Aron Grape. Il y a aussi des amis de Zürick, The Rabbit Theory, les amis Pete Thompson et Thomas Jonsson, Kid Ikarus avec qui il a partagé une tournée, le duo d’écossais AC Hum avec qui Björn à joué lors d’un passage en Ecosse etc...

Le brillant Björn Kleinhenz revient en 2009 avec Head Held high On Fearsome Pride, comprenant quelques morceaux de l’EP précèdent The Rainfish et continue d’écrire ses mélodies soft, joyeuses, pop-folk sur les iles Faro où il vit désormais avec sa femme, mélopées qui méritent amplement une attention côté français.

SiteBjornKleinhenz

Peter Bjorn and John

2011-07-06T21:37:00.005+01:00

Le trio pop suédois est un des rares groupes à être connu dans toute l’Europe avec de surcroit une notoriété outre Atlantique. Les Peter Bjorn and John sont Peter Moren, Björn Yttling et John Eriksson.

Extrait de ma chronique sur Peter Moren : "Encore un équipage viking suédois catapulté dans les années 2000 sous le nom de Peter, Bjorn & John, reconnus notamment grâce au titre Young Folks sur lequel chante Victoria Bergsman des Concretes. Pour mémoire Young Folks du 3ème album Writers Block, c'est des semaines de présence dans le chart anglais, meilleur titre 2006 pour le magazine NME, musique de films, de pubs, rappée par Kanye West, et le Grammy Award de la meilleure vidéo 2007.

Le groupe nait en 1999, Peter et Bjorn se rencontrent sur les bancs du lycée. John les réjoindra plus tard. Peter est agé de 10 ans quand sa mère lui offre une guitare. Il écoute les Beatles, les Byrds, les Kinks, plus tard, Ride, Teenage Fanclub et les Stone Roses. Il joue dans des pizzerias avec Bjorn. Il a 15 ans et il écrit...il écrit...une pléthore de chansons.

Le succès pour le groupe est une spirale infernale depuis 2006."

Depuis Living Thing, album au son electro, dont je me suis gardée de parler, les Peter Bjorn and John reviennent aux sources avec un nouveau disque sorti en mars 2011 Gimme Some avec de la batterie, guitares en cascade, basse et en guise de rythmiques, les cloches et clap-hands. C’est du rock brut, de la pop sensuelle, du garage old-school, du tempo funky, mods et psychédélique.

Comme chacun des trois musiciens a un égal talent pour la composition et l’écriture, ils ont fait appel, à la collègiale et pour la première fois, à un avis extérieur. Pour orchestrer leurs idées, leurs mélodies, les Peter Bjorn and John ont demander à Per Sunding, leader du groupe Eggstones, de venir travailler avec eux en studio. Le résultat est énergique, composé de titres courts et efficaces, à la fibre pop positive superbement dansante.

L’ensemble est explosif. De Second Chance à (Don’t Let Them) Cool Off, titre écrit par Björn Yttling à l’attention du roi de Suède, en passant par Eyes aux guitares espagnoles ou par les choeurs beachboysiens de Dig a Little Deeper, l’album est brillant.

Gimme Some est un délice de pop suédoise traditionnelle, griffé du savoir faire et de la classe de Per Sunding où les Peter Bjorn and John sont surprenants, comme ils savent toujours l’être.

BlogPeterBjorn&John
PeterMorenPiggledyPop

Peter, Bjorn and John - Second Chance

Fruit Bats

2011-06-28T07:56:00.004+01:00

Fruit Bats est un groupe américain, originaire de Chicago, créé et conduit depuis dix ans par Eric D. Johnson. Ce qui dénote chez l’auteur-compositeur, est son don pour écrire des histoires et savoir les mettre en musique, marier des mélodies accrocheuses à des textes qui ont un sens, comme le font Tom Petty ou Paul Simon, deux songwriters qu’il admire.

En 2001, l’opus Echolocation rime avec un rock très soft, des balades qui font penser aux Decemberists et à Beulah. Eric D. Johnson s’entoure de musiciens et part en tournée, jouant avec Modest Mouse et les Shins, groupe qu’il intègre dès 2007.

Un peu rock-folk, un peu power-pop, Mouthfuls sort en 2003, suivi de Spelled in Bones en 2005 et The Ruminant Band en 2009.

Sur ce dernier album, Johnson expérimente davantage son style narratif et alors qu’il joue au sein de divers groupes comme Califone, Vetiver, Shins, il tente une approche du domaine cinématographique. Un de ses morceaux, When U Love Somebody, est utilisé sur la BO du film Youth in Revolt. Il mettra derechef son talent pour accorder les harmonies et les arrangements au service du cinéma en composant la BO du film My Idiot Brother, présenté au festival Sundance, film dirigé par Jesse Peretz, ancien bassiste des Lemonheads.

Eté 2011 et revoici Eric D. Johnson en piste pour son cinquième album ; Fruit Bats sort Tripper le 2 août prochain. Qualifié de disque à l’écriture et l’interprétation plus personnelle, Johnson l’a voulu intimiste et y narre l’histoire romanesque de son voyage à travers l’Amérique avec un vagabond nommé Tony. C’est un roadtrip fictif musical, un album concept typé années 60 et 70, dont les paroles embarquent dans la mélancolie, la méditation, la reflexion que le voyage, la découverte et le déracinement provoquent. Johnson utilise dans So Long, des claviers vintage aux sonorités de harpes. Parfois psychédélique ou folk avec des guitares resplendissantes, la nostalgie et la spiritualité sont ressenties dans Wild Honey, titre tout en émotion dédié à son amie musicienne Diane Izzo, récemment décédée d’un cancer.

Tripper a été enregistré à Los Angeles avec l’excellent Thom Monahan, le producteur de Vetiver, Pernice Brothers et Devendra Banhart. Loin d'être sombre, Tripper assez fascinant, entrainant, est idéal en cette veille de départ en vacances, pour écouter sur la route.

SiteFruitBats

Sonny & the Sunsets

2011-06-26T12:19:00.000+01:00

Il arrive en 2002, originaire de San Francisco, avec son univers pop psyché qu'il propose dans This Is My Story, This Is My Song, son premier album. C'est drôle de constater l'avancée de Sonny Smith qui, il y a 8 ans chantait son titre Life in flames et revient le 17 novembre 2009 présenter son dernier bébé, Tomorrow is Alright et le titre single Too young to burn.

C'est son 5ème disque et rien ne semble perturber l'énergumène pianiste et guitariste, qui, inlassablement et avec humour, compose des morceaux aux sonorités pop-californienne groovantes des années 70 mêlée à l'ambiance psyché de Green Village des années 60. Il y a du Jonathan Richman et Alex Chilton, du Lou Reed et Syd Barrett dans ses chansons.

Sonny Smith, prestidigitateur de l'orchestration est un musicien complet et touche à tout. Ecrivain, journaliste, il écrit et dirige des films; dans une interview il énonce ses lectures: Kerouac, Brautigan, Miller, Bukowski, Jean Genet, Celine, Burroughs. Il griffonne des nouvelles pour Watchword Literary Magazine qui lui demande en 2002 de produire un disque collectif One Act Plays sur lequel on retrouve Edith Frost, Neko Case, Miranda July, Jolie Holland, Andy Cabic, Virgil Shaw, Mark Eitzel, John Dwyer etc. Alors que Carrie Bradley des Breeders apparaissait sur son 1er disque, avec Ralph Carney musicien de Tom Waits, Julie Holland prenait part à son 2ème album Sordid Tales of Love and Woe, Sweet Lorraine. En 2005, il travaille sur son 3ème album Fruitvale avec Leroy Bach du groupe Wilco.

Sonny Smith aime les collaborations et en 2009, ne fait plus cavalier seul. Il s'entoure d'autres artistes pour son nouveau projet appelé Sonny & the Sunsets, comprenant Kelley Stotlz et Tahlia Harbour. D'autres artistes apparaissent sur Tomorrow is Alright, John Dwyer, Tim Cohen et Shayde Sartin; La troupe forme une sorte de chaudron à potion magique. Les judicieux arrangements sont acoustiques, les textes narratifs, parsemés d'humour sur les mélodies ensoleillées de l'orgue fuzz; L'ambiance pop-garage des guitares est agrémentée de handclaps, de trompettes et de choeurs "feu de camp".

Sonny and the Sunsets honorent ce bel été 2011 en publiant un deuxième superbe disque Hit after Hit sorti le 12 avril dernier. Là encore, les roucoulements des guitares aux allures Shadows parcourent les titres, le rythme du tambourin dansant et chaud glisse sur les pistes, la basse habille les mélodies chaloupées pop-surf, toutes aussi abouties et majestueusement enregistrées. Extrait : She plays Yo-Yo with my mind

L’ensemble sonne volontairement old-school avec des choeurs doo-wap, donne un coup d’oeil dans le rétroviseur étant parsemé du style garage des années 50. S’entourant toujours de la même clique Kelley Stoltz, Tahlia Harbour et Ryan Browne, Smith offre une interprétation typée, décalée, avec humour et legereté, ambassadrice de sa personnalité joyeuse et entrainante. Kelley Stoltz sur PiggledyPop : Là

Mieux vaut être réactif car les précieux albums de Sonny Smith et ses Sunsets sont produits à 500 exemplaires et on commence déjà à se les échanger sous cape.

Sonny&TheSunsetsMyspace

Hal

2011-06-22T14:16:00.002+01:00

Hal, groupe irlandais composé des frères Dave et Paul Allen ainsi que de Stephen O'Brien au clavier et Paul Hogan à la batterie, fait partie du top 10 de Piggledypop. Depuis 2005 et son unique album éponyme, Hal avait disparu du paysage pop. Le groupe fait partie de ceux que je diffusais le plus dans mon émission et le mystère sur leur disparition toutes ces années restait inexpliqué tant leur opus avait marché.

Voilà qu’un single Be With Me est sorti en mai et la grande nouvelle est le retour de Hal avec l’album The Time, The Hour qui est bouclé, emballé, prêt à rejoindre les bacs.

Be With You by HALmusic

Le voile est enfin levé sur ce long silence radio. Dave avait mis les voiles, parti d’Irlande pour voyager dans le monde entier et se produire seul avec sa guitare dans des cafés-concert, sous des pseudonymes différents à chaque fois. Notre philéas Fogg s’est décidé à rentrer des ses aventures avec une sacoche de mélopées et l’envie de réintegrer les studios pour les enregistrer. La concrétisation de ce travail sonnant toujours aussi Beatles, Beach Boys, Phil Spector, Van Morrisson, Harry Nilsson (dont Hal reprend Cuddly Toy sur un inédit) est déjà annoncée par les critiques comme la meilleure sortie 2011.

Worry about the wind, My eyes are sore, what a lovely dance, Play the hits nous avaient enchanté tout l’été 2005, les guitares, les violons, les tambourins valsaient et donnaient cette envie irrémédiable d’agiter les hanches. A l’époque l’album Hal remporte une brouette de récompenses, des awards à gogo, meilleur groupe pour le Irish Independent et le Irish Post, meilleur album 2005 pour le Meteor Award et une nomination au Choice Music Prize. L’album est signé chez Rough Trade Records, est produit par Ian Stanley de Tears for Fears et Edwyn Collins.

Down In The Valley by HALmusic

En 2005, les Hal, aux minois de hobbits, partent en tournée internationale avec leurs harmonies pop sous le bras et accompagnent les Thrills, Doves, les Magic Numbers et Brendan Benson. Ils sont diffusés sur les radios, dans les pubs, touchent un large public et remporte un beau succès.

Rien ne laissait présager cette longue absence qui donne une saveur particulière à cette nouvelle bombe pop The Time, The Hour dont les titres Down in the valley et Be with me sont extraits.

Si vous avez besoin d’un air frais sixties cet été, une envie de rythmique bien cadancée, de cordes bien roulées et de catagnettes clinquantes, mettez la main à la bourse !

SiteOfficielHAL

The Morning Benders

2011-06-21T21:54:00.002+01:00

The Morning Benders est un groupe californien mis en place par Chris Chu en 2006, alors brillant étudiant à Berkeley. Passé au format du quartet, le groupe compte trois membres permanents, Christopher à la guitare et chant, Julian à la batterie et Jonathan au clavier. Pénétré de sonorités sixties faisant penser aux Beach Boys avec les choeurs et certains arrangements de guitares, l’ensemble reste résolument moderne et actuel. Le trio fait paraître son opus Talking Through Tin Cans en 2008 et démontre déjà une prouesse de compositions, d’inspiration et d’interprétation.

Le disque est frais, enthousiaste, imprégné de références qui laisse croire que Christopher, auteur-compositeur, écoute des pointures. Extrait d'interview de Chris : «Even with the first songs I'd written, I already had ideas about full arrangements. That came from listening to The Beatles and The Beach Boys growing up. The stuff my parents played around the house was what I loved: The Beatles, The Beach Boys, Neil Young, Bob Dylan»

Cela se confirme quelques mois plus tard quand The Morning Benders se penche sur un album de reprises comprenant des reprises des Cardigans, Talking Heads, des Velvet Underground, Roy Orbison, de Randy Newman avec le titre chavirant Marie, ainsi que le bouleversant Mother and Child Reunion de Paul Simon et pour couronner cette ravissante liste, I won’t share you des Smiths.

Oh Annie by The Morning Benders

Voilà le groupe sur les scènes qu’il partage avec les Kooks, Death Cab for Cutie,Yo La Tengo, MGMT , Yeasayer, Au Revoir Simone, We Are Scientists, etc. Le premier groupe qui leur fait confiance et les emmène en tournée est Grizzly Bear, les fameux new-yorkais dont le leader Chris Taylor produit le second album des Morning Benders, Big Echo, sorti en 2010. Désormais installé à Brooklyn, le trio vient de signer un single en édition limitée où la voix de Chris, mutant entre l’univers de Phil Spector et des irlandais Hal, se fait entendre jusqu’au Japon où ils joueront en août dans le cadre du festival Summer Sonic aux côtés des Strokes, Ting Tings, Suede etc...

Les Morning Benders sont prometteurs et offrent gracieusement le titre Promises si vous visitez leur site (moui, je sais... celle là, elle est facile).

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The Boy Least Likely To

2011-06-20T20:43:00.003+01:00

The Boy Least Likely To est un groupe anglais établi à Wendover et originellement créé par le multi-instrumentiste Pete Hobbs et le chanteur Jof Owen. Ils montent dès 2002 leur propre label, Too young to die, pour promouvoir et finaliser eux-mêmes leurs disques, y intégrant Tim Owen, le frère de Jof, qui dessine et s’occupe des illustrations des productions. La première sort en 2003 sous le nom de Paper Cuts, qui marque le début d’une série de singles précèdents l’album The Best Party Ever de 2005.

C’est alors que l’on peut découvrir l’entité des The Boy Least Likely To, riche de mélodies pittoresques, comme Be Gentle With Me, Monsters, Hugging My Grudge et son harmonica, My Tiger My Heart, ode à la bd Calvin & Hobbes, toutes ornées de xylophone, de flûtes, de tambourins, de violons, de banjo et guitares.

Les textes cocasses et naifs à l’image des illustrations et délivrent un panel de thèmes amusants, légers ; Ils nous plongent délieucieusement dans un univers ludique en revêtant des allures de comptines.

Le tempo parfois psyché, parfois rouccoulant, ne faiblit pas et cajole les oreilles amicalement, avec classe, conférant une ambiance pop triomphante.

Classé par le fameux magasin Rough Trade de Londres, 8eme album dans le top 100, salué par le Rolling Stones Magazine, The Best Party Ever construit déjà une renommée aux The Boy Least Likely To qui partagent une tournée avec les Razorlight (bel esprit entre artistes, notamment en connaissant la politique commerciale des labels pour la mise en place de tournées).

Cette même année, ils peaufinent le futur album, offrent le single I Box Up All The Butterflies gratuitement sur le net et retournent en studio pour boucler en 2009 Law of the Playground, un des meilleurs albums pop de la décennie. Là encore, l’atmosphère est juvénile, ingénue comme l’indique le titre, avec des mélopées spontanées, désinvoltes, mais sous cape, élaborées avec beaucoup de professionnalisme et d’exactitude. Les titres A Balloon On A Broken String, When Life Gives Me Lemons I Make Lemonade sont des sucreries, des pépites de sonorités dévoilant des violons vibrants, des claviers et guitares qui égayent sans relâche l’écoute.

Les B-side réunis sur Best of B-sides en 2009, les ep, les compilations comme Christmas Special de 2010, comprenant des inédits et des reprises telles que Faith de George Mikael ou encore The One that i want du film Grease, sont à découvrir absolument.

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Essex Green

2011-06-11T17:08:00.002+01:00

On ne les voit plus parce qu’ils se marient et font des gros beaux bébés ! Les Essex Green et les Ladybug Transistor sont deux groupes binômes. Deux musiciens des Ladybug, jouent au sein des Essex. Ils sont aussi amis des Apples in stereo, des Camera Obscura, des Lucksmiths avec qui ils partagent la scène.

Les Essex Green, ex-Guppy Boy (1997), sont une bande du Vermont (Jeff Baron, Sacha Bell, Chris Zitter) installée à Brooklyn où leurs regards croisent celui de Robert Schneider, le patriarche du label Elefant6 et leader des Apples in Stereo. Le groupe pop psychédélique signe très vite chez Kindercore en 1999 son album Everything is green, la perle des perles. Désormais, ils tournent avec des musiciens de Of Montréal et les Ladybug Transistor.

EssexGreenTheLateGreatCassiopia

Un jour, je vois un poster qui orne un mur dans une scène du film High Fidelity (dans la chambre de Bob), le genre de détail que mon oeil ne lâche pas : Les Ladybug Transistor en concert. Je furète et fouine, intriguée par ce détail du décor et le nom de ce groupe.

2002, un affichage de concert prend la pluie dans les rues parisiennes: Ladybug Transistor + Camera Obscura. La même année, je commande Everything is green des Essex Green et m’aperçois que dans la liste des musiciens sur l’album apparait celui du leader des Ladybug Transistor, Gary Olson, chez qui le disque est enregistré (dans sa maison de campagne au nord de New-York, à Marlborough Farm). Naturellement, l’album habité par l’esprit des Left Banke, totalement inconnu en France, n’est pas distribué dans nos vertes contrées et l’attente de plusieurs mois aiguise le suspens.

2004, toujours pas miro, mon regard se pose sur une nouvelle affiche : concert Essex Green + Ladybug Transistor, avec guitariste des Of Montréal annoncé à Paris! C’est parti pour la guinguette pirate au coeur de l’hiver pour le chaleureux concert, parce qu’ à l’époque le bateau offrait des concerts honorables. Les Ladybug ont ouvert le bal de manière superbe et en changeant à peine de formation, les Essex ont enchainé, sur le rafiot qui tanguait, devant 50 personnes qui dodelinaient du chef et faisaient fondre le caoutchouc de leurs clarks pour un show mémorable.

ThisIsntFarmlife

Ils sont les deux groupes que j’écoute en boucle depuis des années, ce son psyché qui manquait depuis le disco, le hip-hop, le grunge, le retour du rock pur apprécié mais au détriment de la pop qui était devenue obsolète. Car cette nouvelle scène new-yorkaise débarque début 2000 avec ses guitares vintages (Jeff Baron et Chris Zitter y excellent), ses orgues et flûte traversière (aux mains de Sacha Bell), ses trompettes et claviers puissants (dont le chef est Gary Olson), le violon et la magnifique basse de Julia Rydholm (qui joue dans les deux groupes, également avec Jens Lekman). La bande de la Big-Apple crée un phénomène musical disparu depuis les trésors pop anglais des sixties aux eighties.

Suite : chronique Ladybug Transistor

Ladybug Transistor

2011-06-11T16:58:00.002+01:00

Suite : chronique Essex Green

Ces grandioses musiciens new-yorkais vont simplement réanimer la pop psychédélique. Et ce n’est pas un hasard si Essex Green et Ladybug Transistor feront des petits : Beirut, Great Lakes,Bishop Allen, Grizzly bears, the Aislers Set, the Isles, Aurevoir Simone…etc.

LadybugTransistorIFoundAReason(VelvetUndergroundCover)

2007, le leader des Ladybug Transistor, Gary Olson, est à la production du dernier album de Kevin Ayers, Unfairground et a signé son disque Can’t wait another day, somptueux et véritable écho de Lee Hazelwood, Burt Bacharach, des Left Banke. Ils partent pour une tournée internationale avec les Lucksmiths et virevoltent sur les scènes américaines, asiatiques, européennes, partout sauf en France.

TheReclusiveHero

Depuis 2006 et leur album Cannibal Sea, les Essex Green se font discrets, optant pour une vie de famille et s’éloignant des studios. C’était il y a 5 ans. C’est très long.

Depuis 2007 et leur album Can’t wait another day, les Ladybug Transistor qui recrutent Kyle Forester (Crystal Stilts) et Ben Crum (Great Lakes), ont besoin de recul et d’une pause étant confrontés à la perte fatale de leur batteur et ami San Fadyl.

2011, les Ladybug Transistor reviennent avec Clutching Stems, magnifique album écrit avec San en mémoire, brodé d’arrangements et de mélodies qui marquent d’une pierre blanche leur superbe retour le 7 juin . J'y reviendrai...évidemment.

LadybugTransistor

Northern Portrait

2011-06-06T20:20:00.002+01:00

Quatuor originaire de Copenhagen, les Northern Portrait, Michael Sørensen, Stefan Larsen, Jesper Bonde et Caspar Bock Sørensen sont créateurs d’une pop bondissante et élègante depuis le premier EP The Fallen Aristocracy de 2008.

Voir là : PiggledyPop

Les danois, signés chez le sensationnel label Matinée Records, enchainent la même année avec un autre EP Napoleon Sweetheart. Ces deux cds sont truffés de romantisme, de clins d’oeil à l’histoire, sans mélancolie mais davantage avec une nostalgie fleurie, tant les paroles sont gaies, le rythme chaloupé et le chant, dans les tonalités de Morrissey, particulièrement envoûtant. La voix fortement stylée et charismatique de Stefan renvoie à l'atmosphère fascinante des Smiths.

S’ajoute à cette présence vocale l’excellence des musiciens qui brillent de nouveau dans Criminal Art Lovers, sorti en janvier 2010 ainsi que dans les deux compilations du label, Matinée Grand Prix et Matinée Holiday Soirée. Depuis deux ans, Northern Portrait participe à des festivals en Europe et aux Etats-Unis, alimente déjà la pop indé d’un genre nouveau. Leurs mélodies sophistiquées, leurs paroles délicates, leurs compositions inspirées, mutent entre le son des années 80, des partitions dignes de celles de Johnny Marr et un son contemporain, exécuté avec des instruments modernes, pointus et ornés de beats dansants . Criminal Art Lovers dont le thème tourne autour de l’amour et de l’art, évoquant Münchhausen, promet encore de beaux moments à l’écoute des Northern Portrait, un des groupes fétiches de Piggledy Pop.

Myspace

Code Pie

2011-05-29T20:27:00.001+01:00

Code Pie prend forme en 2002 quand Enzo Palermo, le compositeur et chanteur du groupe rencontre Salvatore Ciolfi, guitariste.
Se joindront au duo, le batteur Vince Varano, le bassiste Michel Semienchuck, la trompettiste Eva Boodman et la violoncelliste Rebecca Lessard.

Les Code Pie viennent de Montréal et dès la sortie de l’album This Habit, enregistré sur magnétophone numérique, ils sont invités à nombre de festivals sur le territoire américain.

L’album The Most Trusted Name In Yous de 2007, aussi bon que le premier, présente de nouveau des titres modelés, peaufinés, mélodiques à souhait. Alors que le groupe forme un choeur liant les voix dans les refrains, augmentant le style alternatif et la rythmique à laquelle s’ajoutent trompette, cor et glockenspiel.

MuddyShoes

L’univers musical de Code Pie sonne pop sixties, un peu psychédélique aux inflexions rock. Enzo Palermo sait avec classe brodé des partitions de guitare, jungle, surf, plutôt acidulées et non-conformistes.

Code Pie revient avec sa pop old-school le 5 avril 2011 avec Love Meets Rage. Les synthétiseurs psyché et les voix féminines beach-boysiennes de Morning After annonce un album original. Les trompettes sur Operator, la guitare flamboyante de Heart Spit, la batterie de Muddy shoes forment des ritournelles fascinantes qui m’évoquent tour à tour Beulah, Field Mice, Essex Green ou les compatriotes de Code Pie, les New Pornographers.

Love Meets Rage est un cocktail d’easy-pop rafraichissant pour l’été, à découvrir .

SiteCodePie

Souvenir

2011-05-28T07:09:00.001+01:00

Groupe pop espagnol hors du commun, Souvenir n’a pas la renommée qu’il mérite.

Le groupe est en effet atypique, passionné et inspiré par la France, les espagnols ne chantent exclusivement qu’en français, bille en tête, depuis 11 ans malgré l’omniprésence de l’anglais dans le milieu indie-pop et autre.

Depuis le tout premier album de 2001 Points de suspension, qui a suivi un ep éponyme en 2000 signé chez le fameux label américain Shelflife, le groupe a proposé 5 albums, composés par J’aime Cristobal, multi-instrumentiste qui sait à merveille sculpter ses chansons et restent injustement anonymes dans notre pays. Le chant est assuré somptueusement par Patricia de la Fuente, avec une prononciation charmante qui laisse parfois surgir un petit accent . Avec cet opus et ses titres, tantôt yé-yé, tantôt surf-pop et bossa comme Des Tours pour Audrey, Au bout du compte, Je tiens ma parole, ou la reprise des Go-Between Spring Rain, Souvenir est invité au festival de Benicassim au cours de l’été 2001.

Il rend hommage à Serge Gainsbourg en reprenant Harley Davidson dans Points de Suspension mais aussi participe à la compilation Tribute to Gainsbourg.

En 2003, le second album Recto/Verso fait surface. Là encore, la pop brille de mille feux sous les trompettes guillerettes stylées Pale Fountains, avec du cor, des claviers mods endiablés, des guitares furibardes et fichtrement mélodieuses. Les violons voltigent sur Tous mes petits mots, reprise absolument réussie de All my little words des Magnetic Fields.

Malgré le joli nom Souvenir, J’aime Cristobal n’est pas seulement un mélancolique mais s’inscrit vivement et artistiquement dans son époque. Il compose en 2003 un superbe titre pour la française Françoise Breut sur l’album Saison Volée. Il sort le troisième disque Des équilibres en 2005, fort élégant, avec des textes chavirants, une rythmique gainsbourgienne dans Des films dans les regards, des guitares savoureuses dans Présage de l’hiver, ou un accordéon surprenant dans Le grand Faussaire.

JeTiensMaParole

Les espagnols participent en 2006 à l’album Caroline Now, hommage à Brian Wilson, aux côtés de Belle and Sebastian, les Pastels, High Lamas, Saint-Etienne et les Teenage Fanclub.

Le 27 juin de la même année, ils signent Je tiens ma parole sur la compilation Dreaming up the perfect Pop, avec les Essex Green et leur Everything is green (version alternative qui plaira à mes amis, membres du club), Ashley Park, les Heavy Blinkers, Call and response, Mendoza line, Snow Fairies etc.

Souvenir enchaîne sur leur quatrième album 64 qui parait en 2007, plus habillé de synthétiseurs rétro-disco, façonné avec l’aide du suédois Johan Agebjörn, suivant le mouvement électro-pop du moment. En 2009, c’est le cinquième cd Drums, Sex and Dance orné de beats des années 80.

Souvenir présente son dernier bébé Travelogues le 21 février 2011, le virage electronique, atmosphérique, est clairement pris et l’apparition de l’anglais dans les textes brise le caractère exceptionnel du groupe. Subsistent néanmoins quelques arpèges éparses de guitares dans Mots et Taboo. Je suis moins sensible au reste de cet album et j’éspère (c’est biensûr subjectif) que J'aime Cristobal reviendra à l’orchestration quand cette foutue mode des eighties et du synthétique sera passée. N’y voyez aucun sens lubrique monsieur Cristobal, votre trompette me manque !

Je conseille donc les 3 premiers albums aux amateurs de pop et la dernière trilogie aux fans de son electronique.

SiteSouvenir

Jolie reprise de Françoise Hardy

Kid Loco

2011-05-25T20:34:00.001+01:00

Derrière le nom de Kid Loco il y a Jean-Yves Prieur, fer de lance de la musique electro-pop française. Ce qui prédomine chez lui, c’est sa manière d’être à l’aise dans la composition de tout genre, trip-hop, twee, electro, ambiant, rock alternatif et pop. Sa première production qui d’emblée fait parler de lui est A Grand Love Story de 1998. Alors que Kid Loco monte son propre label Bondage Records, le disque, sur lequel figure un remix des Pastels, est aussi signé par un label anglais Yellow Productions. L’album, avec sa pochette évoquant le film Casino Royal, évolue dans une ambiance soft et érotique, se déroule comme la bande originale d’un film d’amour. Kid Loco dès lors, remarquable et remarqué, est contacté par Pulp, Saint-Etienne, Mogwai, Kat Onoma, Moose, Departure Lounge, Stereolab etc...

2001, l’orfèvre frenchy poursuit son travail de composition avec Kill Your Darlings. Son premier album est un succès, pourtant Kid Loco tel le Marco Polo de la pop, part explorer d’autres horizons avec ce deuxième bijou. Contrairement au premier, il n’y apparait que deux titres instrumentaux et un remix. L’ensemble, paroles et musiques, est totalement écrit de la main du Kid qui trempe sa plume dans un encrier de romantisme.

Véritable déclaration chantée tour à tour par Tim Keegan de Departure Lounge et la chanteuse écossaise Louise Quinn, l’album une pépite pour les amoureux . S’étant éloigné du trip-hop, l’auteur réussit un disque sensationnel imprégné de pop, de rock, un peu de bossa dans un décor sonore digne des Velvet Underground.

Suivent deux sorties de disques, Kid Loco Vs. Godchild en 2002 et Another Late Night en 2003.

Riche d’une culture cinématographique qui inspire ses productions, Kid Loco est «demandé» en 2004 pour composer la BO du film de Bolton The Graffiti Artist. L’album est instrumental et l’inspiration qui ne lâche jamais le compositeur brille de sonorités indiennes qu’il maitrise, de suaves mélodies ornées de claviers vibrants, de clarinette et de sitar chatoyants .

Puis en 2006 Kid Loco collabore à l’album Monsieur Gainsbourg revisited, en reprenant au côté de Jarvis Cocker le titre Je suis venu te dire que je m'en vais et concocte l’album Kid Loco Vs JC Menu.

2008 sort Party Animals & Disco Biscuits pour lequel Jean-Yves Prieur expérimente le psychédélisme avec brio, s’amuse, s’abandonne dans le style et offre un album kaleidoscope, conçu complétement par ses soins, parfait.

Cela s’annonce sous une bonne étoile pour l’album Confessions of a Belladonna Eater qui sort lundi 30 mai 2011 dont la vidéo The Morning After est offert en avant-goût.

Kid Loco met l’amour en musique dans la veine de Lloyd Cole avec la rythmique de Primal Scream, écrit pour les amoureux et si vous n’en avez pas ou que vous vous êtes pris un râteau, il vous donnera envie de jardiner.

KidLoco

The Morning After

a little bit of soul

Motorama

2011-05-23T20:19:00.001+01:00

Motorama est un magnifique groupe russe de Rostov que j’ai découvert en concert le mois dernier à Paris. Le jeune quintette a assuré un concert détonnant devant un public enthousiasmé, totalement absorbé. Leur son est excellent, parfaitement dosé pour suivre la voix de Vladislav ; ayant écouté le disque après, je confirme leur talent scénique en bonus de leur don évident de composition. Alps est sorti en 2010 offrant 9 titres, tous aussi admirables. La basse de Airin, la batterie de Roman, les deux guitares electriques de Maxim et Vladislav, le clavier d’Alex sont toniques, valeureux, tenaces et les morceaux arrivent aux oreilles telles des cascades de notes et des kyrielles de mélodies.

LetterHome

L’ensemble très pop embarque dans l’atmosphère mancunienne du grand label Factory Records. Le grain de voix de Vladislav qui ressemble comme deux gouttes d’eau à celui de Ian Curtis (Joy Division) est envoûtant. Letter Home, titre dansant et puissant, est celui par excellence qui résume l'ambiance de ce superbe album. Les guitares voltigent sur la batterie énergisante et sur une basse trépignante. Les textes doux et naïfs transportent dans une bulle pop délicate de la veine de Sarah Records. Le rythme obstinant, le chant subjugant, la qualité de l’interprétation en live de Alps font de Motorama ma plus belle découverte de l’année. C'est un groupe hors du commun, hors du temps et des modes, à écouter absolument.

AlpsTelechargementLibre
MotoramaSite

Marc Desse

2011-05-16T20:01:00.001+01:00

Marc Desse explore la musique de manière contemporaine, composant des chansons griffées eighties et sixties. C’est en 1999 qu'il apparait à la guitare et au chant au sein du groupe Theatre Metamorphosis. L’ep, Tout le Monde n'est pas Autorisé, qui est en téléchargement libre sur le site du label BandCamp, est un panel panaché de sons faisant penser à New Order, à Lloyd Cole ou encore au groupe français, Gamine. Ce superbe trio parisien offre des textes citadins (pas d’histoire de cabane au fond du jardin), modernes, dans un français imagé et inspiré. Les trois aiment jouer sur scène, sont convaincants et ont déjà séduit le public des scènes underground.

Leurs titres sonnent rock, pop, avec quelques pointes punk et mods. Le chant de Marc est d’une belle classe brute, avec des intonations limpides et vives. Les guitares taquinent guillerettes, dansantes et puissantes, quand la basse se dandine au rythme de la batterie endiablée.

PetiteAnneMP3

Marc Desse propose désormais ses titres en solo, avec le titre single Les garçons de l'hiver sorti en avril et ce mois ci, sort Petite Anne. C’est de l’or pop, avec des claviers et des guitares efficaces qui suivent le grain de voix twee-pop de Marc.

LesGarconsDeLHiverMP3

L’ambiance délicate et mélodieuse plaira aux amateurs du label français de Doggy, Anorak Records. Les médias anglo-saxons ne s’y trompent pas et vantent déjà les mérites de ces deux morceaux. Est-ce que les médias français seront aware? Quoiqu’il en soit la french touch is on the way !

TéléchargementGratuit

Julien Baer

2011-05-14T16:13:00.001+01:00

Julien Baer, frère d’Edouard, est un musicien qui mérite d’être plus connu du public et qui , même s’il n’a pas d'actualités, vaut que l’on parle de son travail au détour d’une chronique. Intemporelles, ses chansons restent sur la table de chevet sans prendre la poussière, réécoutées épisodiquement au même titre que Ces petits riens de Gainsbourg ou Big Trombone des Skatalites.

L’univers musical de Julien Baer est réprésenté (jusqu’alors) par quatre magnifiques albums : Julien Baer en 1997, Cherchell en 1999, Notre dame des limites en 2005 et Le La en 2009.

On entre dans l’univers de Julien Baer comme dans un roman. D’abord parce qu’il utilise joliment la langue française pour finaliser des textes qui ont du sens, de la poésie, du rythme et des couleurs. Parce que les artistes français qui s’appliquent à chérir les mots autant que la musique dans leurs chansons sont rares, parce qu’il est gavant de subir des revendications, des provocations, des textes à deux sous de pseudo poètes maudits de la scène française, Julien Baer est une oasis, une bouffée d’air frais.

Ses albums se savourent, proposent des ambiances différentes les unes des autres, laissent entrevoir un véritable don de composition et d’écriture, de l'humour, une curiosité, et une sensibilité sincère. Quoi de plus périlleux et courageux aujourd’hui pour un auteur-compositeur que de faire fi des considérations commerciales et rester fidèle à ses convictions artistiques?

Au fil des titres de l’album Julien Baer, l’intégrité de L’économie des mots, Le monde s’écroule, touche, la rythmique bossa réchauffe, les mélodies agrémentées de cloches et d’harmonica dans Marie pense à moi, Juillet 66, ornées de flûte, de harpe dans Vie sur Mars ou de violons sur Folie Douce, groovent et donnent envie de danser.

Juillet66MP3

Cherchell plante le décor. On tourne une page et l’auteur se découvre encore un peu plus, via quelques bribes de sa vie parisienne et son désir de fuite, de changement. Toujours aussi pop que le premier, Cherchell explore des instrumentations orchestrales, des rythmiques et des samples qui apparaissent sur deux titres avec la complicité de l’expert dans le domaine, Philippe Zdar. La contrebasse jazzy de Liberté Chérie resplendit sur l’harmonica bluesy. Les trompettes dansent, les synthés swinguent sur Ecrit à la main. Le piano, la basse et la guitare mêlés aux violons émeuvent bouclant le chapitre voyage et laisse entrevoir lesujet de la cassure sentimentale.

Rebondissant, somptueusement funky, Notre Dame des Limites fait virevolter les mots dès le premier titre : le Roi de l’Underground. Le protagoniste est offensif, persuasif, les chansons pop dévalent les pentes, délivrent un chapitre intime, dont le thème est la rupture ; l’espace et le temps, le départ, l’évasion sont évoqués avec des notes romantiques qui font décidément partie de son univers. L’album entier est une réelle réussite, d’une absolue fibre pop. Les mélodies fleuries et intemporelles en font un disque de chevet favori, qui se réécoute avec délice.

Le La fait le bilan. Julien Baer a passé un peu de temps à Bamako, est parti de Paris pour y revenir inspiré de superbes mélopées évoquant la capitale dans L’immobilier, Cité, Tant besoin de toi. Les textes romanesques, les rythmiques riches d’instruments qui battent la mesure, complètent le voyage musical ; Les chansons solidement bâties, le maniement du langage divertissant, l’ensemble fait feu de tout bois et crée un grand régal de sons. Les titres sont diaprés de guitares, de synthés groovy, de xylophone, d’harmonica, d’accordéon, étayés de peaux frottées et claquées, drapés de violons. La voix de Julien Baer si fine est d’une clarté sensuelle.

Les quatre chapitres signés Julien Baer sont prodigieux et éspèrant qu’il y aura bientôt une suite à ces aventures musicales, je vous conseille de vous les procurer, absolument.

Herman Dune

2011-05-09T20:19:00.002+01:00

Je n’ai pas encore saisi ma plume au sujet des Herman Dune, pourtant un groupe que je chéris et écoute depuis dix ans. Herman Dune fait rayonner depuis 2000 un esprit de famille au sein du groupe lui-même mais aussi dans ses différentes collaborations artistiques, ses amitiés, et ses relations fidèles avec ses fans. Ils sortent l’opus Turn Off The Light en 2000, They Go To The Woods et Switzerland Heritage en 2001, The Whys And The Hows of Herman Düne & Cerberus Shoal en 2002, Mas Cambios et Mash Concrete Metal Mushrooms en 2003, Not on Top en 2005, Giant en 2006, et l’excellent Next Year In Zion en 2008 sur lequel apparait la contribution de David Tattersall des Wave Picture. (voir Chronique là : WavePicturePiggledyPop )

Ce qui caractérise le groupe est la combinaison de l’humilité, le talent et la performance.

Aujourd’hui, les Herman Dune frères et soeur sont David-Ivar, Neman et Lisa Li-Lund. Leur frère André a fait partie de l’aventure les six premières années et continue maintenant en solo, poursuivant son superbe projet contenant des titres grandioses sous le nom de Stanley Brinks. Les Herman sont forgés de plusieurs cultures, vivent sur divers continents, mènent nombre de voyages qui enrichissent leur musique de sons nordiques, folk américain, et est-européen. Leur style musical est pop, folk, orné de balades, d’histoires que conte David à la façon d’un prophète troubadour.

Jamais suffisants, perpétuellement curieux et généreux, les Herman s’entourent d’artistes pour les enregistrements d’albums ou pour partager la scène, tels que Turner Cody, Françoiz Breut (ex madame Dominique A), Julie Doiron, et beaucoup d'autres noms.

Leur immense répertoire recèle des centaines de chansons, toutes agrémentées d’instruments variés, guitares, ukulélé, trompette, maracas, tambourins etc. Les choeurs, fameux «angels» dont fait partie Lisa, accompagnent la voix de velours de David, qui m’évoque Kevin Ayers. Quand en concert David se met à chanter accapella, il vous prend dans ses filets et subjugue. Il a fait des études tournées vers l’histoire, le patrimoine et l’architecture, compose et écrit comme un maitre d’oeuvre dessine ou un historien aux allures de troubadour relate avec lyrisme de grandes épopées.

En compagnie de la troupe et de son frère Neman qui, en parallèle, avec Etienne Jaumet, fait élever d’année en année le projet electro-pop Zombie-Zombie, David part sur les routes cet été pour présenter le dernier album. Strange Moosic, enregistré à Portland, paraitra le 23 mai et là encore, de trucculents artistes participent : l’ingénieur-son Adam Selzer (M Ward , She & Him), le réalisateur Toben Seymour (qui déjà avait fait la vidéo du titre de Giant I wish i could see you soon) tourne la vidéo du single Tell me something I don’t know dans laquelle joue John Hamm, acteur dans Madmen, le bassiste Ben Pleng, Rachel Blumberg de The Decemberists et le yéti bleu.

La tournée estivale comptera des festivals comme celui de Benicassim et plusieurs villes européennes dont Paris le 28 mai au Trianon où les Herman Dune et le yéti bleu joueront le très pop Strange Moosic.

SiteHermanDune

HERMAN DUNE "TELL ME SOMETHING I DON'T KNOW" par GreenUnitedMusic

Marc Collin

2011-05-03T21:19:00.002+01:00

Il est celui qui manie les reprises avec une dextérité et une espièglerie digne d’arsène Lupin. Versaillais, Marc Collin épate la galerie même au-delà de l’Atlantique par ses dons de musicien. Après un passage par la cold-wave dans les années 80 et la house dans les années 90 avec le groupe Indurain, il brille de mille feux en jouant avec la pop sixties depuis 2003 et la création du groupe Nouvelle Vague.

Compositeur et producteur prolixe, Collin excelle dans l’art de reprendre des tubes, des titres qui ont eu leur heure de gloire et qui sont parfois jetés aux oubliettes.

JustCan'tGetEnoughMP3

Il maitrise le changement de tempo, érige des titres rock en sonorités monumentales bossa, lifte des chansons typées eighties comme Master & Servant de Depeche Mode ou Such a Shame de Talk-Talk ou des morceaux qui d'ordinaire qui me font l'effet d'une rape à fromage, Ca plane pour moi ou Reality de la BO de la Boum.

En 2003, Marc Collin sort son opus éponyme Nouvelle Vague où il dévoile son goût pour les voix féminines, suaves et sensuelles qui accompagnent tout l’album cuisiné à la sauce bossa-nova et où apparaissent des reprises de Depeche Mode, le Marian de Sisters of Mercy, Guns Of Brixton des Clashs ou encore de XTC avec le sublime Making Plans for Nigel.

HeartOfGlassMP3

2004, un deuxième album nommé Bande à part, en hommage à Godard et aux sixties, avec notamment le titre Dance with me, où sont aussi repris des tubes des eighties comme Fade to grey de Visage, Blue Monday de New Order, The Killing Moon d’Echo & the Bunnymen et Don't Go de Yazoo, est un joyau qui lui vaudra une renommée internationale. Marc Collin a de belles references cinématographiques et nourrit ses productions de clins d’oeil au 7ème art qui ne tarde pas à lui faire les yeux doux en retour. Air France et KLM utiliseront également sa reprise de XTC pour leurs pub, les chaines de télé américaines, allemandes, la BBC, les séries, tous les médias diffusent Marc Collin, le plus brillant ambassadeur français de la French Touch.

AussiBelleQuneBalleMP3

Cette noble et louable fonction se confirme en 2008 avec la sortie de Hollywood mon Amour, album qui fait revivre des chansons comme Eye of the Tiger, Footloose, ou Call me de Blondie, remodelées folk, pop, jazzy, transformées sur fond de synthés, basse, piano, violons, et toujours des voix féminines formidables dont celle de Yael Naïm qui reprend Flashdance de manière émouvante, gracieuse et touchante. L’attrait de Marc Collin pour le cinéma est soigneusement signé.

FlashdanceWhatAFeeling(YaelNaim)MP3

Au cours de son avancée et de son travail sur son projet Nouvelle Vague, Marc Collin ne lésine pas et participe à l’élaboration des projets de ses amis, Doriand, Olivier Libaux, Philip Katerine, Michel Gondry, Private Domain où il apporte sa griffe sur la Traviatta de Verdi.

2009 Nouvelle Vague réitère avec 3, album où figurent les covers de Road to Nowhere, le fabuleux Aussi Belle qu’une balle, la version acoustique de God save the Queen et Ian McCulloch d’Echo & the Bunnymen chante en duo avec Pain sur All My Colours. En 2010 parait une compilation en double album qui regroupe les titres les plus stylés mais aussi des inédits.

2011, Marc Collin nous offre Couleurs Sur Paris, un régal pop comprenant de magnifiques reprises mais également des voix d’artistes. Pour avoir assisté à un fabuleux concert de Nouvelle Vague en décembre dernier à Paris, j’ai trouvé les musiciens splendides et leur prestation fort épatante, séduisante. La présence scénique des chanteuses m’a moins embarqué, ce qui de façon légitime, n’est certainement pas l’avis de la gente masculine.

2PeopleInARoom(Cocoon)MP3

Couleurs sur Paris reflète de nouveau le talent et le don de sculpteur sonore que Marc Collin met en oeuvre dans les reprises de Week-end à Rome, Marcia Baila, Sur ma Mob (titre extraordinaire de Lili Drop), Anne Cherchait l’amour, Amoureux solitaire etc. Les chansons sont interprétées par des artistes qui sont des pros de la scène comme Olivia Ruiz, Julien Doré, Vanessa Paradis, Charlie Winston, Adrienne Pauly, Cocoon; La palette d’artistes présents pour porter Couleurs sur Paris est originale et est à l’image du style kaleidoscope surprenant de son auteur.

Chroniques Relatives
PrivateDomain
Doriand
Imbecile

Pour ceux qui aiment Godard
Godard+ParsonRedHeads

Jim Noir

2011-04-27T20:02:00.001+01:00

En 2005, je diffusais Jim Noir dans mon émission d’indie-pop sur Radio Campus. Cette année là, il sortait son premier disque, enregistré à Manchester, chez lui, sur son ordinateur. Inconnu à cette époque, Alan Roberts alias Jim Noir est devenu depuis une référence de la pop electronique psychédélique. Ce garçon est un phénomène ; Il joue lui-même tous les instruments sur ses disques, basse, guitare, claviers, batterie et chante.

My PatchMP3

Son allure british élégante, sa personnalité fantaisiste et juvénile font de lui un artiste à part dans le monde de la pop. Car Jim Noir dès 2005 frappe fort avec son opus Tower of Love, qui comprend Eanie Meany et My Patch les deux titres les plus entendus dans les pub, les jingles, les films, les séries etc.

En 2008, son album éponyme Jim Noir confirme le talent de l’artiste qui entouré de ses musiciens pour les concerts, assure des tournées internationales. Son extravagante apparence cache une grande sobriété et un savoir-faire efficace. Ses mélodies alternatives superbement composées et exécutées rappellent l’univers des Beach Boys avec une pointe d’humour et de naïvité en bonus. Naturel, instantané, Jim Noir parvient à véhiculer son âme rafraichissante derechef dans le dernier ep de 6 titres, Zooper Dooper, paru en Novembre 2010.

Zooper Dooper est fabuleux, la rythmique est décoiffante dans Kitty Kat, le synthé vintage groove avec diablerie, le funk et la soul ont une basse captivante dans Do You Like Games?. Puis, clairement , Jim effleure avec sensualité le thème de la femme, dans She Flies Away With My Love où le tambourin taquine avec coquinerie, alors que Map laisse découvrir un Jim Noir mystérieux, mature, qui semble avoir trouvé sa muse.

CarMP3

Le titre Car (offert sur son site) emmène en ballade, les guitares dominent sur une voix chaleureuse, qui glisse avec humour son histoire personnelle, quand il retrouve ses pneus dégonflés, ses essuie glasses volés parceque le voisin ne supporte plus qu’il mette la musique fort chez lui, et termine la chanson en précisant avec drôlerie «I haven’t even got a car - that’s not my car » .

Jim Noir a grandi depuis 2005, nous offre son expérience d’artiste et d’homme dans une atmosphère sonore sixties qui charme, donne le sourire et promet encore de belles choses à venir.

JimNoirSite

PiggledyPop parle de Jim Noir là :
JimNoirPiggledyPop
ou encore dans la chronique sur les Beep Seals là :
JimNoir+BeepSealsPiggledyPop

Fujiya & Miyagi

2011-04-25T10:40:00.001+01:00

Fujiya & Miyagi ne sont ni des pokemons, ni des centrales nucléaires posées sur des zones hautement sismiques. C’est un groupe de Brighton crée en 2000 par Steve Lewis (chant et clavier) et David Best (chant et guitare), rejoints par Matt Hainsby ( basse) et Lee Adams (batterie). Leur style bien griffé et reconnaissable est composé d’électronique sur fond de Krautrock, leurs influences étant Can et Neu. Depuis leur premier album Electro Karaoke, le quator ne cesse de se produire en concert, dans les festivals, de passer sur les radios et gagne en renommée.

Le titre Collarbone, apparaissant dans une série de MTV et pour des publicités, sort en vinyle en 2005 et fait décoller la notoriété de Fujiya & Miyagi qui présente le deuxième album Transparent Things un an plus tard. Suit Lightbulbs en 2008 et le fabuleux Ventriloquizzing en janvier 2011.

CollarboneMP3

Le thème de l’album est l’engastrimysme, une métaphore où le ventriloque est un pouvoir totalitaire. Ce thème dystopique est omniprésent dans la culture anglo-saxonne, d’Orwell à Alan Moore, et Ventriloquizzing traite du sujet via un ventriloque dictatural, avec le peuple en guise de marionnette. A l’approche des festivités princières du mariage du siècle en Grande-Bretagne, c’est à se demander ce qui pousse les artistes britanniques à s’interesser tant au totalitarisme.

Mais revenons à nos moutons. Les compositions de Ventriloquizzing sont efficaces, sensuelles, dessinées d’une electro-pop plus humaine que sur les précédents disques grâce aux multiples guitares et autres vrais instruments utilisés en studio pour l’enregistrement. Ca groove, c’est funky et le rythme archi dansant est sur toile psychédélique. Le trait de voix de Steve Lewis est envoûtant, non retravaillé au mixage, son authenticité apporte une touche dématérialisée et un fini de chaleur humaine au thème .

MinestroneMP3

Le dernier des 11 titres, Universe, souligne le rôle de la «voix» dans la dictature avec des paroles concluant «you like to hear the sound of your own voice» dans une ambiance sonore cosmique et hypnotisante. Ventriloquizzing est un album conceptuel formidablement réussi ; Fujiya & Miyagi sont actuellement en tournée en France, de la Bretagne à l’Alsace et Côte d’azur, ils sont demain le 26 avril à Paris. Ah flûte ! Ils vont louper le Mariage de Buckingham...

SiteFujiya&Miyagi

Acid House Kings

2011-04-22T20:59:00.003+01:00

Les rois mages suédois de la pop font leur come- back. Ce n’est pas l’étoile du berger qu’ils suivent, mais gardent cette surprenante habitude pour des nordiques de filer le soleil. Cela fait 6 ans que nous attendons l’album Music Sounds Better With You, sorti le 22 mars 2011. Jésus aurait eu le temps de faire de l’acné à ce rythme. Mais l’attente vaut son pesant d’or. Le désormais trio, le guitariste Joakim Ödlund ayant quitté le line-up en début d’enregistrement, offre dix titres superbes, pharaoniquement pop et brillants, comme les Acid House Kings nous y ont accoutumé. Car ils ne sont pas seulement les rois de la tweepop, ils en sont les guides. Voir là : AcidHouseKingsPiggledyPop2008

Les frères Niklas et Johan Angergård sont aussi des précurseurs et visionnaires. Fans des Smiths, de Felt, de feu Sarah Records, références qu’ils revendiquent, leurs mélodies audacieuses sont apparues en 1991, bien avant la naissance de Camera Obscura ou de Belle and Sebastian. Les Acid House Kings n’ont sorti que cinq albums en 20 ans, pour autant demeurent des légendes dans ce genre musical pour nombre de groupes et des exemples de l’esprit pop qu’ils rayonnent. Au sein du label Labrador, ils collaborent à la production de multiple formations, enregistrent avec d’autres musiciens comme les New Kids with Biblical Names, ne lâchent pas la bride du travail en produisant et jouant avec Sambassadeur, Club 8, Legends, ont par ailleurs d’autres activités professionnelles ; Julia Lannerheim, la chanteuse qui rejoint le groupe en 1991 en prêtant sa voix sur deux titres de l’opus, Pop, Look & Listen! sorti en 1992, est avocate dans la vie privée.

Ils ne font pas de la musique dans un but lucratif, la vénalité et la tweepop ne font pas bon ménage. Les Acid House Kings gardent la spontanéité, le plaisir de composer, la légèreté d’un groupe d’amateurs et leur univers ludique est présent sur scène, avec les médias et dans les splendides mélopées de Music Sounds Better With You.

AreWeLoversOrAreWeFriends?MP3

L’album parle de l’été, transpire la bonne humeur propre à la période estivale à travers les trompettes, les flûtes, les orgues vintage, la clarinette, les guitares powerpop au groove sixties. Ce qui claque et réchauffe les oreilles sont les castagnettes utilisées sur chaque titre.

Il parle de Paris, de la France, Johan et Niklas précisant qu’ils se sont inspirés d’une chanteuse de l’eurovision Kiki Danielson mais aussi qu’ils ont écouté énormément de musique française des années 60; Ils apprécient particulièrement France Gall.

Le disque parle de musique, d’amour, du soleil. Les voix élégantes, galopantes de Johan, Niklas et Julia saupoudrent le disque de sensualité et de chaleur qui se conclue avec le titre I Just Called To Say Jag Älskar Dig, «Jag Älskar Dig» veut dire «je t’aime» et j’aime Acid House Kings, sacrément. Music Sounds Better With You, album étincelant et astral, dont le nom vient du dansant tube de Stardust (vidéo jointe, réalisée par Michel Gondry), fait partie du panthéon des albums Piggledypop.

Stardust Music sounds better with you

Jonas & François

2011-04-17T09:14:00.000+01:00

Quand un artiste français excelle dans son art, on sait toujours avec une certaine opiniâtreté et assurance attendre qu’il décède pour admirer son talent. Par exemple Serge Gainsbourg hérissait le poil de nos bons concitoyens de son vivant; le succès post-mortem et râter le coche, c'est un peu ça la "french touch".

Depuis trente ans un art nouveau, la réalisation de clips vidéo et pubs, bat la mesure en France avec Jean-Baptiste Mondino, Alex et Martin, Michel Gondry et les jeunes talentueux Jonas & François.

Memento : Mondino a fait des clips pour Bashung, Charlotte Gainsbourg, Daho, Texas, Björk, Rita Mitsouko, Prince, Madonna, David Bowie, ... etc. Alex et Martin ont réalisé des clips pour U2, les White Stripes, Air, Phoenix, Snow Patrol, Franz Ferdinand, Kaiser Chiefs ...etc. Quant à Michel Gondry, réalisateur cinéaste et musicien versaillais, il fait des clips pour Daho, les Rolling Stones, Björk, White Stripes, Living Sisters, Flight of the concords, Massive Attack, Lenny Kravitz, Paul Mc Cartney ...etc.

Depuis trois ans, Jonas & François font un travail d’orfèvre en la matière. Jonas Euvremer et François Rousselet oeuvrent pour Madonna, Flairs, Depeche Mode, Sebastien Tellier, White Lies, Muse, Justice...etc et reçoivent des récompenses dans le monde entier pour leurs clips vidéo. Dans une interview le duo de réalisateurs parlent de la pop de Sebastien Tellier : "Tellier, c'est le nouveau Gainsbourg pour nous, en plusieurs sens. «Pop» n'est pas un mot vulgaire, c'est même mieux que «rock», ça englobe une grosse partie de la scène rock d'aujourd'hui"

La nouvelle vague de réalisateurs français de clips et publicités déferle, pourvu que le public français le réalise à son tour.

Jonas&FrançoisMyspace

JUSTICE - D.A.N.C.E.

FLAIRS - Better Than Prince

Freelance Whales

2011-04-12T19:57:00.000+01:00

Les Freelance Whales sont cinq à dégainer une pop instrumentale mélangée à des synthétiseurs de manière originale et rare. Judah Dadone, Kevin Read, Doris Cellar, Chuck Criss se partagent le chant, les guitares, la mandoline, la basse, l’harmonium, le banjo, le glockenspiel, les synthétiseurs et Jacob Hyman est à la batterie et aux percussions. Leurs compositions sur lesquelles chacun apporte sa pierre, sonnent spontanées comme l’excellent Kilojoules, naives, energiques et précieuses. Certaines sont dansantes proches des Postal Service d’autres plus soft dans le style de Chris Garneau. Les paroles nous emmènent tour à tour dans les souvenirs d’enfance du compositeur Judah, dans les émotions ou les petits riens du quotidien. Ils se font connaître depuis 2008 dans leur ville New-York en jouant dans le métro mais aussi sur bon nombre de scènes locales.

GeneratorFirstFloorMP3

Leur premier album Weathervanes sort en avril 2010 et depuis un an remporte un franc succès. Les critiques saluent le talent des Freelance Whales et des labels les contactent pour sortir par exemple le 10 mars 2011, en single, l’un des titres de l’album, Generator First Floor. Depuis, les succès s’enchainent. Ils assurent la première partie de Shout Out Loud, de Fanfarlo et d'autres encore... Le titre Generator First Floor est utilisé dans des séries américaines, des publicités et les cinq musiciens du Queens partent pour des tournées en Angleterre et au Canada. L’album sorti le 13 avril 2010 souffle sa première bougie et Freelance Whales, sur les routes pour le présenter ces derniers mois ne démérite pas, porte son projet avec enthousiaste et s’offre ainsi le titre d’édiles de la pop à échelle internationale !

FreelanceWhalesMyspace

Soda Shop

2011-04-11T06:48:00.001+01:00

Soda Shop est le nom rafraichissant donné au tout nouveau duo formé de Andrew Diver et Maria Usbeck, chanteuse des Selebrities. Auparavant, Andrew avait créé l’autre projet Horse Shoes avec le batteur Jacob Graham. Soda Shop prépare en ce moment le premier album, a édité un single en janvier 2011 sur lequel apparaissent deux superbes titres, pétillant de sonorités fifties et sixties.

WhenYouReLonelyMP3

Le duo de Brooklyn brillant et inspiré agrémente ses chansons de guitare au vibrato stratocaster, de glockenspiel et de tambourin. Contrastant avec une certaine nostalgie dans les influences musicales, les Soda Shop offrent un univers entrainant et ensoleillé, doux et sucré. Ils seront au programme du PopFest de New-York le 19 mai prochain où de nouveaux titres seront joués. Espèrons que Soda Shop passera en Europe dans les mois prochains !

SodaShopMyspace

White Wishes

2011-04-09T13:09:00.002+01:00

White Wishes est un projet solo de Nikita Pavlov, jeune compositeur russe qui n’a que 20 ans. Il se fait connaitre depuis un an sur internet grâce à un single Hold your Hands, concocté et destiné au téléchargement libre. Quittant Saint-Petersbourg pour Berlin, il y croise l’australien Andrew Knox, bassiste du groupe Made in Japan et ils enregistrent ensemble une poignée de titres, dont Hold your Hands ou encore Bicycle, qui brasse des rythmes endiablés. Son premier Ep Today sort cet hiver 2011, Nikita y travaille avec l’aide de son ami Maxim Polivanov membre de Motorama.

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White Wishes enregistre actuellement et peaufine les titres de son futur album, opus qui comportera des morceaux de l’Ep, d’anciens titres et des nouveautés. En attendant cette sortie, le fils spirituel de Lloyd Cole, ravira aussi les amateurs des Field Mice ou du fabuleux français Doggy. La voix harmonieuse de Nikita habillée de velours, les guitares balancées sur la rythmique minimaliste de la grosse caisse et du tambourin , donnent envie de vite glisser le prochain disque dans la platine.

WhiteWishesMyspace

Lia Ices

2011-04-03T15:28:00.002+01:00

Pour donner des références qui parleront davantage aux non-geeks de indie-pop, Lia Ices est un mélange de Prince, Kate Bush, Sigur Ros et Feist; Pour les amateurs, je nommerais Joanna Newsom, Scout Niblett et Will Oldham. Son repertoire est grandiloquent, délicatement féminin, atmosphérique et dynamique. Il y a des violons, des guitares électriques, du piano et synthé, du vibraphone, de la guitare acoustique, du sleighbells, du tambour, du violoncelle, des trompettes et la voix de Lia, digne d’une reine des glaces ou d’une princesse des elfes descendue en amazone sur dos de licorne des ses contrées nordiques (en l’occurence, du Connecticut).

Lia Ices qui vit à Brooklyn, a commencé le piano à cinq ans et commence à écrire ses compositions au NYU Arts School; c’est en 2008 qu’elle propose son premier album Necima, son second Grown Unknown en 2011, et le 18 mars dernier, un EP de six titres en live. Justin Vernon de Bon Iver, signé sur le même label que Lia Ices depuis 2008 (Jagjaguwar), participe amicalement à Grown Unknown sur le titre Daphne (vidéo ci-dessus). L’ensemble des titres réussit à créer une atmosphère féerique, mirifique, romanesque dans l’instrumentation, la composition, les thèmes des chansons. L’album est cohérent, construit avec une finesse élégante et une rigueur diligente.

L’album est enchanteur et Lia Ices, de son charme, de son exigence artistique, se targue avec raison de délivrer un travail de qualité et impose de belle manière son inspiration.

LiaIcesMyspace

Dry The River

2011-03-30T19:53:00.001+01:00

Groupe anglais formé de cinq musiciens, Dry the River joue une pop-folk aux allures gospel et écrit des textes touchants interprétés avec une note excentrique british. Apparu récemment, le second ep New Ceremony du 7 mars 2011 est à découvrir.

Le compositeur et guitariste Pete Liddle détient un timbre de voix notable et inhabituel. Il y a du blues dans sa voix, avec une once de fragilité et un brin de solidité comme si chaque note ne tenait qu’à un fil tout en maîtrisant à la perfection les cordes vocales.

Ces cinq garçons établis à Londres forment un ensemble musical cohérent et déjà, en concert et exhibitions, montrent un charisme certain, un talent infini et leurs mélodies fleuries captivent l’audience.

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Côté productif, ils ne sont ni oiseux ni asséchés, avec quelques excellentes mélopées dans leurs besaces, annonciatrices d’albums à venir trucculents. Tout en jouant sur scène, en écrivant, les Dry the River prennent noblement part à Yellow Bird, projet caritatif né en 2008 à Montréal auquel participent des groupes de pop indie comme Andrew Bird, The National, Of Montréal, Magic Numbers, Aurevoir Simone ...etc. Dry the River vient d'éclore, affaire à suivre.

MyspaceDryTheRiver
YellowBirdProject

Blind Pilot

2011-03-27T11:28:00.004+01:00

Blind Pilot est un groupe américain de six musiciens originaire de Portland. C’est à l’université que Israel Nebecker et Ryan Dobrowski se rencontrent pour lancer le projet et commencer à enregistrer leurs mélodies acoustiques pop-folk. Le premier ep sort en 2006 et c’est avec volonté et humilité que les deux amis partent sur les routes le présenter en vélo, les guitares et matériel dans un chariot. Leur opus Three Rounds and a Sound parait en 2008, sans prétention, d’une simplicité exquise, les titres mélodieux tiennent dignement la route et en sont doublement touchants et beaux. Le duo Nebecker-Dobrowski avec deux autres musiciens qui se joignent au peloton, repartent en tournée à deux roues et vont de Vancouver à San Francisco, filment un documentaire de leur escapade qui servira indirectement de publicité.

A contrario du temps qu’ils ont passé sur le bitume, huilant les chaines et pédalant de concert en concert, le succès de Three Rounds and a Sound est immédiat, fulgurant.

Dès lors, c'est en roulant en van que Blind Pilot compte six musiciens qui agrémentent et relèvent le tempo des titres.

La complicité de Israel Nebecker à la guitare-voix et de Ryan Dobrowski à la batterie rayonne dans les chansons. Les morceaux forment un savant dosage de rythmique, de guitare acoustique auquel se joint Luke Ydstie, chant, basse et contrebasse, Kati Claborn au chant et banjo, Ian Krist au vibraphone et xylophone et Dave Jorgensen au clavier et trompette. Autant d’instruments qui prennent place naturellement, sans prétention, mettant en valeur les textes et le chant. Cette cohésion, ce respect, crée un esprit intime et un son généreux. Même en concert, les breaks sont parfois assurés par les musiciens en solo qui jouent leurs propres compositions.

Force est de constater dans le milieu indie-pop ( et autres arts que la musique) que la modestie va souvent de paire avec le talent. Blind Pilot offre un album poétique, confident, solidement arrimé avec Three Rounds and a Sound qui promet encore de belles échappées.

SiteBlindPilot
MyspaceBlindPilot

Cinematic Orchestra

2011-03-24T19:49:00.000Z

Groupe du Royaume-Uni dont le créateur, Jason Swinscoe, animateur de radio durant les années 90, compositeur et multi-instrumentiste exilé à New-York, étudiant aux Beaux-Arts de Cardiff, est devenu un maestro du sampling, des arrangements et de l’orchestration. Oreille absolue, son point d’orgue, c’est le jazz. Il fonde Cinematic Orchestra en 1998 avec comme première production Motion, signé sur Ninja Tune, label pour lequel il travaille ; L’album présente un nouveau style, une fusion de jazz, d’acoustique mêlé à l’electronique. Salué par la critique, hautement diffusé sur les radios, Jason enchaine les compositions, un remix en 2001, Everyday en 2002 sur lequel apparait la chanteuse de St-Louis, Fontella Bass, puis Man with a Movie Camera en 2003 avec la participation de la chanteuse Lou Rhodes ex-Lamb, album qui est la BO du film du même nom. Un long break de 4 ans pendant lesquels l’anglais va assurer des tournées, écouter beaucoup de musique, écrire. Il revient en 2007 avec le fruit de son travail élaboré entre New-York et Paris : le fabuleux Ma Fleur.

MusicBoxMP3

A ses côtés, le bassiste et contrebassiste, co-auteur des partitions de cordes, Phil France, le batteur Luke Flowers, les pianistes Alex James et John Ellis, et le saxophoniste Tom Chant. Cet album est une bombe de sensualité, d’élègance, meublée de silences à la Sigur Ross, de nobles particules ambiantes à la Arcade Fire, avec des pincements délicats de cordes mixés à des voix suaves qui me font penser à Thomas Dybdahl. Ces voix touchantes, attachantes, viennent de Fontella Bass qui enregistre le titre Breath à un moment de sa vie où elle est très vulnérable (décès de son mari), Lou Rhodes et Patrick Watson sur To Build A Home qui finit à son tour de donner les frissons.

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Interview de Jason : «The song To Build a Home is a synopsis about life and how we have to feel pain to know what happiness is» est la parfaite définition du titre qui fera partie de la BO des Ailes Pourpres, BO entièrement composée par Cinematic Orchestra en 2008, mais surtout, qui accompagne le superbe et émouvant film The Tree avec Charlotte Gainsbourg. The Tree traite du thème de la mort d’un père de famille, d’une jeune veuve, de ses enfants, qui s’accrochent et se raccrochent aux branches, poétiquement et symboliquement dans le film, d’un arbre centenaire du jardin dont les racines finissent par endommager la maison. Le titre To Build a Home tombe magistralement à brûle-pourpoint.

En 2010 sort un mix consacré à Late Night Tales. Pour découvrir Cinematic Orchestra, je conseille le chef d’oeuvre Ma Fleur qui ne peut que faire frémir les âmes sensibles.

CinematicOrchestraSite

The Cinematic Orchestra - To build a home (live Londres Barbican

Kurt Vile

2011-03-20T18:06:00.007Z

Kurt Vile a cette voix qui colle le tumulte dans l’ouie, le tohu-bohu dans le lobe temporal. Son grain de chant envoûtant et charismatique, indomptable, d’une absolue harmonie, ne fait guère de lui un enfant de choeur mais lui procure néanmoins une aura certaine. Depuis 2009, Kurt Vile nous livre ses chansons rock, qui trouvent grâce dans les arrangements de guitares dont les cordes vibrent, glissent, agrippent et tatouent les partitions. Les effets saturés des guitares font penser à Syd Barrett, les morceaux accompagnés d’harmonica rappellent Bob Dylan, le côté border line dans certains titres ramènent tantôt aux Jams ou tantôt aux Jonestown Massacre.

Originaire de Philadelphie, ses textes parlent d’espaces, de distances, de religion et de sa vie de musicien. L’artiste forme The War on Drugs avec Adam Granduciel en 2004, groupe de la veine de Calexico, où coulent des orgues psychédéliques. En solo depuis 2008, Kurt Vile sort son opus Constant Hitmaker chez Gulcher Records, vite remarqué par le label Matador son second album God Is Saying This To You parait, puis le magique Childish Prodigy et enfin le quatrième diamant sonore Smoke Ring For My Halo arrive le 7 mars 2011.

Certains critiques parlent du genre americana, or j’imagine plus une prairie de champignons stupéfiants (non, pas chez les Schrtroumpfs) plutôt qu’un champ de rutabagas ou de ruminants en écoutant la pop-psyché de la guitare folk, acoustique et electrique, ou le taquin tambourin qui chambarde l’harmonica. Smoke Ring For My Halo est un régal à laisser muser dans l’oreille.

Myspace