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dimanche 9 décembre 2018

Vive La Rose

Vive La Rose, (rien à voir avec François Mitterrand ni Guy Béart) est le très joli nom de groupe choisi par son auteur-compositeur, l'écossais David Luximon-Herbert suite à une histoire romantique qui lui appartient. Né à Edimbourg, il déménage récemment à Londres où il joue dans diverses formations et c'est avec Don't Move, Don't Speak qu'il signe son premier travail personnel en 2014. Il concocte deux singles depuis qui figurent sur le somptueux For She Who Hangs The Moon paru en octobre 2018.



Forgé de mélodies intimistes, les histoires déroulent comme des diapositives dans l'obscurité qui se dévoilent délicatement à la lueur du projecteur. Il est arrangé avec les cuivres de Terry Edwards et les cordes de Colin Elliot & The Up North Orchestra (Richard Hawley, Slow Club), sans grandiloquence mais beaucoup de retenue et de simplicité, le style moderato préserve les harmonies et surtout le grain de voix de David, impressionnant. Elaboré en studio avec l'aide précieuse du bassiste John Parker, Rod Spark à l'orgue, Nicky Francis (Mono Club) à la batterie et co-produit avec Oliver Betts (The Duke Spirit), c'est David qui peaufine l'instrumentation teintée de son délicieux chant.
Evoquant la vie, ses travers, ses beautés, l'amour, le regret, les textes intimes peuvent faire écho à chacun. Le satellite de l'album est l'histoire d'un couple qui quitte son confort pour partir à l'aventure, avec peur et courage, pour ne pas regretter un jour de n'avoir oser l'inconnu. Il y a des émotions brutes dans les chansons, portées soit d'une mélodie acoustique comme sur le premier titre Night Terrors, soit d'arrangements classiques avec un ensemble de cordes comme sur le suivant, Rio Grande.



Les envies de mouvement et les harmonies ondulantes constituent l'artiste qui aime à se retrouver et se replier en ermite dans les montagnes écossaises. Spiritualité et imagination se marient pour offrir, en guise d'antienne, la lumière, comme sur le grandiose Before We Lose The Light, puis Of A Fire On The Moon. Les métaphores extraites de la nature, les loups, les étoiles, le ciel, la mer, les lacs s'apposant aux parties du corps, aux yeux, hanches, mains, oreilles sur l'orchestration cristalline et finement pop folk sont d'une sanité sonore somptueuse. L'ambiance romantique et amoureuse de Interior Rules est amplifiée sur la magnifique Given Time, iodée et agrémentée de trompette. Les violons et le piano de Lungs accompagnent un texte triste quand The Watchmaker à la suite contient une dose d'optimisme, de spiritualité et de philosophie qui tend à l'humilité. La ballade Schiehallion marque le retour à ses terres, sur une mélodie éclairée de clap-hands, de choeurs et d'un tempo tamisé mais décidé et assuré . Idem sur Sirocco avec ses guitares en écho et la voix élevée pour coller au thème du vent qui souffle mais qui, quelque soit son sens, reste de l'air. D'une plénitude ineffable, douce et sage, l'écoute se termine sur le touchant My Shadow, brillant d'arpèges qui s'emparent de l'attention, ornés de la voix de David, si belle qu'elle transforme Vive La Rose en véritable bouquet d'émotions.
ViveLaRose



jeudi 6 décembre 2018

Surf Curse

Surf Curse, duo pop du Nevada composé de Nick Rattigan et de Jacob Rubeck, apparait en 2013 avec un premier album de dix titres. Buds est plein d'enthousiasme punk, twee et de fraicheur rock. La même année, avec une production et un mastering plus huilés et aboutis, sort l'EP Sad Boys qui ne laisse pourtant pas trace de tristesse ni de sécheresse artistique. En janvier 2017, les deux américains offrent le magnifique Nothing Yet, solide, galbé et un tantinet entêtant. Même si ce n'est pas du son punk à proprement parlé, celui qui fait pousser la crête et les épingles dans la couenne, l'énergie lobotomisante des guitares énervées et du chant obstiné est, comme je le décris au détour des chroniques du style, idéale pour un pogo de mécréant agacé et nourri au petit lait des Toy Dolls. Les mots saccadés, répétés, accrochent et illico, la batterie révoltée façon 'mods' sur le schéma brut sans couplet/refrain de Christine F, cueille et séduit.



Nés en 1992, les deux musiciens Nick, journaliste, auteur-compositeur, chanteur, guitariste et batteur et Jacob guitariste au style surf brillant, griffent légitimement le titre Doom Generation où l'alliance héroïque guitare et batterie fait bondir et danser. Leur son singulier tient dans le tempo tendu, presque indigné sur les lignes de guitares ensoleillées voire désinvoltes. Le style californien de The Strange and the Kind est réussi, assez pour nous rappeler l'excellence de The Smell qu'ils admirent, les citant dans le titre de Buds, The Smell Saved My Life. Le rythme s'envole sur un texte qui évoque le film Dazed and Confused de John Hughes, évoquant les jours, les années qui passent et d'une métamorphose, d'un changement non désiré, comme sur It Followed Me. Les thèmes parlent de questionnement, de perdition et de transition mais s'enchainent pourtant majestueux, liés par la rythmique mutine et la guitare souriante comme sur l'ardent Cronenberg et Sleeping où les mots décrivent un état langoureux, à la limite du léthargique sur une mélodie twee-pop frénétique. Cette discordance entre le texte et les arrangements forme la singularité de Surf Curse qui marque l'attention et convainc. Nostalgia et All is Lost évoquent un ancien amour, une noyade sentimentale mais à leur écoute, la peine de coeur deviendrait presque amusante et délicieuse tellement la paire dynamique guitare-batterie tambourine et sautille. Falling Apart arrive en fin de disque, surprenante et captivante. Elle est posée et sa lenteur dans le metronome façonne une sorte de gravité, de décision comme celle du départ. Nothing Yet est comme une courte résurgence avant un renouveau, faisant écho à l'envol de Nick Rattigan parti s'installer et vivre à New-York où serein et moins égaré, il déploie ses ailes sous le nom de groupe Current Joys en livrant en mars 2018 le tout nouvel album, significatif, A Different Age. De l'ouest californien à la côte est, l'auteur-compositeur Nick Rattigan met le feu aux poudres pop, absolument à suivre.
SurfCurse
CurrentJoys





dimanche 2 décembre 2018

Gary Olson

Quand des personnalités pop de New-York et de Augsbourg s'unissent, cela donne une splendeur. Le label allemand Kleine Untergrund Schallplatten dont je parle souvent pour ses signatures affûtées compte depuis quelques jours la présence de Gary Olson. J'admire le brio et la constance de Gary Olson depuis 20 ans. Pour beaucoup de musiciens, de groupes, il est une référence, un phare, dans le domaine de la production et de la création. Il fait partie des artistes que j'aime le plus dans le milieu pop indépendant et j'évoque mon intérêt pour son groupe, Ladybug Transistor ici dès les premières chroniques de 2008, puis en 2011 et en 2012 :
"Groupe de Brooklyn, les Ladybug Transistor voient le jour en 1995, grâce à Gary Olson son auteur et chanteur. Jeune, Gary découvrait la musique sur sa radio en forme de coccinelle, Ladybug Transistor avait donc un destin tout tracé... Gary enregistre ses albums chez lui dans sa maison Marlborough Farms à New-York. Le nom de la maison de campagne-studio d'enregistrement sera le nom de son premier album en 1995."
TheLadybugTransistorPiggledyPop2008



"Parti de quelques démos bricolées dans la maison familiale du leader en 1996, Marlborough Farms, également le nom du premier album, Ladybug Transistor main dans la main avec le groupe Essex Green, ne cesse de grandir. Le groupe de Brooklyn est composé au départ de Jeff Baron, ainsi que de Kyle Forester, guitariste et clavier (qui joue dans les Crystal Stilts depuis 2003), Julia Rydholm qui est bassiste et violoniste, le batteur San Fadyl douloureusement disparu en 2007, et Ben Crum également guitariste et leader des Great Lakes. La joyeuse équipée pop baroque des Ladybug Transistor a changé et compte désormais le trio Gary, Julia, Kyle."
"Gary Olson, également producteur (Kevin Ayers), ne cesse de se faire un nom dans le milieu indie-pop. En griffant Clutching Stems de son style délicat et sophistiqué, en fournissant les morceaux de clarinette, de trompette, tambourin, flûte, claviers et guitares électriques, le multi-instrumentiste Gary Olson se place dans la lignée des grands compositeurs de chamber pop ; Il s’entoure d’amis comme sur le divin Life Less True qui boucle l’album avec la présence de Darren Hanlon, Monnone Alone ( Lucksmiths) et Sheahan Drive ( Architecture in Helsinki).
TheLadybugTransistorPiggledyPop2011
TheLadybugTransistorPiggledyPop2012
TheLochNessMousePiggledyPop2018



2018, tandis que l'américain ne cesse de travailler, produisant une pléiade de groupes, de projets, de la Suède, à l'Australie en passant par les USA et l'Allemagne, très demandé mais disponible, il concocte enfin des chansons de sa griffe, aussi belles et impressionnantes.
Après presque vingt ans de carrière, jamais il ne parait blasé. Au contraire, avec un appétit vorace pour la composition, il ajoute de nouvelles cordes à son arc délivrant deux joyaux pop ce 22 novembre 2018 en collaboration avec Ole Johannes Åleskjær et son frère Jørn Åleskjær du groupe The Loch Ness Mouse. All Points North comme l'indique le titre nous emmène sur la route mais aussi dans une intimité charmante et délicate. Le chant cristallin fusionne à la perfection avec la guitare et la basse comme grattant une allumette avant que batterie et trompette enflamment le tempo. Les violons viennent se frotter aux arrangements et forment une osmose indie ravissante. La mélodie dansante offre des sillons dorés aux oreilles. Le thème du voyage en voiture au tracé voluptueux fait sur la carte caressée la nuit sous les lumières ocres de la route est en harmonie avec l'avancée des instruments. Les yeux fermés, la mélodie forme un train de rythmes et de notes. Puis The Old Twin couronnée de vivacité, zigzague, forgée dans une veine indie-pop endiablée et donne envie de chanter les 'tadadata' poppeux à l'unisson sur les guitares scintillantes et sautillantes des deux frères norvégiens. Des quatre coins cardinaux de la ville, le métro roule jusqu'au cornet de la trompette, rappelant joyeusement celui des Pale Fountains.
Gary Olson aligne deux merveilles, deux chansons lumineuses qui serpentent et font crépiter la platine. L'artiste crée du mouvement, fait briller les instruments et ses cordes vocales aux partitions colorées, sont un véritable palais vénitien plein d'âme et de musicalité. En son nom propre, le double titre The Old Twin entre bien sûr dans le panthéon Piggledy Pop.

TheLadybugTransistor
KleinUntergrundSchallplatten

vendredi 30 novembre 2018

The Big City

The Big City est le groupe conduit par Javier Vicente pour la musique et les paroles. Originaire de Saragosse, Javier compose de la britpop et, écrit, chante avec une plume et accent anglais irréprochables, ce qui laisse entendre qu'il a l'oreille absolue'. Ses mélodies et arrangements sont ciselées par sa dextérité de multi-instrumentiste. Javi joue de la guitare, du piano, du clavecin, de l'harmonica. Son inspiration est mise en partition par sa troupe de musiciens talentueux, Francho Pérez aux percussions, xylophone, batterie, Borja Lasala aux claviers et guitare, son frère Hugo Lasala au banjo et guitares et Miguel Yrureta à la basse, (auteur et compositeur du groupe Life Has just begun). La formation est en place en 1999 et le premier album, aux parfums psychédéliques, A Spring Of Summers, parait en 2003, laissant entrevoir dans les thèmes un attrait pour la nature, les saisons et le voyage. Puis en 2006, le grandiose Call An Ambulance est signé chez King Of Patio records. Cet album, d'une qualité exquise, plus pop que le précèdent, me transporte et est à mes oreilles la pierre angulaire produite sur dix ans de carrière de The Big City. En 2009 les espagnols signent l'ep The Smiths/Finland suivi d'un album panoramique de tous leurs titres, The brugal Years et le dernier magnifique album de 2013, The Way The Trees Are.



Le somptueux Call An Ambulance commence sur le mouvement de Folk On qui préconise de partir vers des contrées meilleures sur un texte fourni d'images musicales 'trumpeter girls', ' you hear the whistle', 'pigs on parade' et des mots qui entrainent 'paths', 'trains' sur le tempo vif des claviers, de la guitare électrisée, de la batterie vigoureuse. Dans la même veine virevoltante, il y a les abeilles, les chats, un tambourin, une baleine, une fille qui chante et la neige cristalline du dansant et très rythmé Ex-Snowman avec son clavier salé, poivré et piaulant excellemment. Suit le sublime Call an ambulance, cosmique et poétique, avec son message amoureux distribué par particules entre les lignes et entre les mots pleins de 'bees' de 'sirens that sing' et de 'dolphins'. Le chant de Javi y est sensuel et velouté, tellement épris et langoureux qu'il transforme le froid de l'hiver en miel, en soleil printanier sur Polen . Les sentiments y sont colorés, des vertes vallées, des feuilles mordorées sous un ciel pour baldaquin comme sur Life Has Just Begun suivi de la dynamique Wacky Races.



Oh This Place's So Quiet (Parts I & II) arrive en milieu de disque avec son format alternatif, en demi-teinte, en guise d'aveu délicat dans une première partie, désignant le manque et l'absence ressentis. Le tempo accélère en seconde avec guitare, piano, boite à rythmes et batterie, alertes et revigorants sur le chant limpide et les mots aquatiques. L'ambiance nocturne et caressante de New Milky Ways est sublimement déclinée sur les harmonies vocales chaleureuses et les guitares alliées à la batterie offrent un son brut créant de l'intimité. Javier aime Brian Eno et Ride, il aime aussi les impressionnistes et reconnait utiliser des métaphores comme code à déchiffrer pour comprendre le sens de ses textes, souvent personnels. Il joue, comme avec une palette de couleurs, à balancer les égaliseurs, les réverbérations, sur la voix, les guitares. Ces effets sont renforcés par le travail de Francho et Borja dans la finesse de l'acoustique et la dynamique du mouvement. Tout cette broderie dans les arrangements, cette grêle de notes vibrantes entre les cymbales et le vibraphone, se retrouvent sur les fondantes Take Me Where It's Safe et All The Great Dictators. Les titres comme de troublantes cavatines pop s'enchainent jusqu'à The Official Sandcastle Building Bureau qui boucle l'album avec poésie et style. Les guitares furieuses s'attachent au chant ardent et robuste pour former un Call An Ambulance pop hétérogène où viennent nager les baleines, danser les dauphins et chanter les sirènes.
TheBigCity



samedi 24 novembre 2018

Charlotte Rampling

L'actrice, la chanteuse est une icône du cinéma et de la musique. Ce que j'admire chez Charlotte Rampling c'est sa personnalité, sa façon de croquer la vie, la mordre, la ronger et s'en régaler. Elle a du panache, du chien, elle est forte. Réfléchie et posée, elle peut autant être instinctive et cette force équilibrée, dit-elle, ne vient pas de l'extérieur, ni des gens, ni d'expériences vécues, elle est innée. Le réalisateur Laurent Cantet dit " Il y a une très très grande force dans le regard qui me fusille à chaque fois que je peux croiser ses yeux." La photographe Bettina Rheims dit "Elle n'a peur de rien, on sent qu'elle n'a peur de rien. Elle regarde la vie, elle regarde la mort, elle regarde sans peur." Dans l'admiration que je lui voue, il y a du respect. Celui de l'artiste et de la femme, qui jeune a dû se battre, confrontée à des pertes de proches, dès l'âge de vingt ans. Contrairement à ce que beaucoup de personnes pensent, surtout les faibles, ces réelles épreuves ne l'affaiblissent pas. Evidemment. 





Charlotte Rampling c'est 124 films, 50 ans de carrière, avec des rôles audacieux, mystérieux, extrêmes, comme elle les appelle 'wildside'. Elle cherche volontairement à se mettre en danger, par curiosité, par goût de liberté et pour ne pas se trouver coincée dans le confort. Cette énergie, cet état d'esprit indomptable Woody Allen, Visconti, François Ozon, et tant d'autres en sont béats. Jouer la comédie est son don, elle est indéniablement faite pour ce métier, impressionnante tragédienne et brillante dans ses rôles de composition. Les personnages qu'elle incarne sont tous différents. Elle mue, elle change sa coquille et enlève son armure comme aucune autre comédienne. C'est sur les tournages ou sur scène qu'elle a l'occasion de déposer les armes, en la circonstance, elle décharge son plein d'émotions. Et ça fait mouche, à chaque fois, comme dans le récent Red Sparrow de 2018, histoire d'une espionne recrutée par les services secrets russes et entrainée au métier grâce à l'agent redoutable, impitoyable, interprétée par Charlotte Rampling. Ce style froid et terrible, on le retrouve un peu à Londres dans la série London Spy après Sous le sable, filmé dans les Landes en bord de mer. De hollywood à la finesse plus européenne de Bruegel, le Moulin et la Croix, Rampling endosse sur deux siècles, un panel de rôles mâtinés avec maestria. 




Charlotte Rampling nait en 1946 dans l'Essex d'un père colonel de l'armée britannique mais aussi champion olympique d'athlétisme aux JO de Berlin en 1936. Sa mère, est artiste peintre, aussi héroïne d'un roman de Fitzgerald. La famille vient vivre à Fontainebleau en 1955 et Charlotte apprend le français ces quatre années de collège avant de repartir pour son Angleterre natale en 1960. Elle fait ses premiers pas sur scène, se passionne pour le théâtre et avec Sarah sa soeur elles se produisent en public en chantant et dansant. Elles sont resplendissantes de bonheur. Charlotte a son premier contrat et joue dans une pub pour les gâteaux Cadbury. Ses initiatives prennent forme, elle signe son premier rôle dans Knack en 1964, Georgy Girl un an plus tard, un rôle dans Chapeau melon et bottes de cuir et The long Duel avec Yul Brynner en 1967. Mais cette année 67 est un drame pour Charlotte alors agée de 21 ans quand sa soeur Sarah, 23 ans, se suicide. Sa mère, ne supporte pas et ne se remettra pas. Charlotte empile les films et enfouit le deuil, la douleur qu'elle désintègre de sa matrice. Son histoire personnelle, elle la brosse pudiquement et pour la première fois dans son autobiographie Qui suis-je, et on comprend ce profil magnifique énigmatique et solide à la fois, son caractère simple et si riche. "Je m'appelle Tessa Rampling. Charlotte est mon deuxième prénom mais il m'a saisie. Tessa est devenue Charlotte. Dès ma naissance, j'ai connu ce mélange un peu trouble de ce qui vient, passe, de ce qui blesse, de ce qu'on ne peut saisir. Les larmes et les rires se mêlent, nous les enfermons. Chez les Rampling, le cœur est un coffre."





La courageuse jeune Charlotte de 23 ans enchaine les scénarios, les tournages de 1969 avec Les Damnés de Visconti à 2019 avec Benedetta de Paul Verhoeven qui sortira dans quelques mois. Côté vie amoureuse, elle épouse brièvement en 1972 l'acteur Bryan Southcombe, a un fils en 1972, Barnaby, et divorce en 1976. 1979, elle épouse Jean-Michel Jarre, d'ailleurs compositeur de Les Damnés, avec qui elle a David en 1977. Ils se séparent et divorcent vingt ans plus tard. Elle rencontre alors Jean-Noël Tassez, journaliste, homme d'affaires, qui disparait en 2015 d'un cancer. 2014 est la seule année dans la carrière de Charlotte sans film. Même enceinte, toute jeune maman, elle tournait comme pour l'excellente adaptation du roman de Michel Déon, Taxi Mauve, film de Boisset en 1977. Elle a accompagné son compagnon cette année 2014 dans l'épreuve de la maladie. Après sa disparition, elle enchaine avec trois films en 2015, quatre en 2016, féroce dans le travail. Je conseille pour la filmographie, Stardust Memories de Woody Allen en 1974, Sous le sable de François Ozon en 2000, Melancholia de Lars von Trier en 2011 et le grandiose 45 years de 2015, (oscar de la meilleure actrice) si émouvant, figeant de par la météo, l'endroit, le jeu des personnages, l'histoire du couple qui tient sur du mensonge et de l'hypocrisie pendant 45 ans : formidablement glacial. La carrière de Rampling est époustouflante et étourdissante.



Le personnage me séduit aussi par ses choix, ses directions non balisées, son art de flirter avec les frontières, pour remplir un domaine artistique, avec tendresse, comme celui du chant. Charlotte Rampling sans pourtant avoir une 'voix' ni une 'voie' classique est musicienne. Elle surprend en jouant de sa voix comme d'un instrument. Le résultat est beau, d'une infinie délicatesse. En 1974 pour le film Portier de nuit, Charlotte chante Wenn ich mir was wünschen dürfte à l'origine chantée par Marlene Dietrich et sa voix est somptueuse, habitée de particules vaporeuses. En 2002, elle signe Comme une femme brodé par Jean-Pierre Stora, auteur de musiques de films et chansons pour Jeanne Moreau et par Michel Rivgauche, auteur de la Foule d'Edith Piaf, mais aussi pour Bourvil, Maurice Chevalier, Yves Montand, Jean Piat, etc. L'album qui ouvre sur Je suis Farniente fait plus que cueillir l'attention, il la croque. Le style bossa, easy listening avec des paroles souriantes et fleuries d'images franco-anglaises comme sur le titre God Save L'Amour est parfaitement pop. Son fils David Jarre chante avec elle sur Dépot De Bilan D'Un Amour garni de violons et de tambourin. Le bandoneon de Je Pourrais Mourir Pour Toi enveloppe, Les secrets d'un coeur émeut. On sourit sur la clarinette et l'accordéon de On Ne Couche Pas ou Le robot et la marguerite. Chaque titre a son histoire, telle une carte postale et ces canevas chantés, plein d'intelligence, embarquent sur les arrangements de cordes touchants.


Plus qu'une icône, Charlotte Rampling à mes yeux est un symbole féminin par excellence avec sa discrétion, sa classe, sa manière piquante de préserver ses distances et son regard presque animal qui doit faire tourner la tête des hommes. Loin des féministes bourrues, testostéronées, qui donnent une vile image de la féminité et font honte, l'accorte Charlotte Rampling, mille fois plus élégante, courageuse, mystérieuse, blindée et sexy, est une digne ambassadrice de certaines femmes et des femmes certaines.



dimanche 18 novembre 2018

The Babe Rainbow

Camouflés sous des allures de hippies, The Babe Rainbow sont des musiciens de haute qualité. Le trio australien se présente en 2015 avec le fabuleux EP éponyme de quatre titres dont Secret Enchanted Broccoli Forest. Ce qui peut sembler 'hippie' se pose dans les paroles parfois foutraques et excentriques, leurs cheveux longs et peaux tannées de surfers mais au-delà des apparences, leur univers musical pop, funk, soul est sophistiqué. Quoiqu'il en soit, ils ne jouent pas de la flûte de pan avec le nez.

Parait l'an passé le sublime album The Babe Rainbow composé de douze titres solidement funky, dansants et arrangés aux petits oignons, bulbes liliacés sexy et torrides. Mis en place par l'ingénieur Samuel Joseph, le producteur Stu Mackenzie (membre du groupe King Gizzard & the Lizard Wizard) qui participe en jouant de la clarinette sur Charms Travel, on retrouve aussi la voix française de Pandora Decoster sur deux titres, David Walker au mixing et Panda Grace Fitzgerald aux cordes sur Blue Hour. Les lords pop de Byron Bay, fans de Donovan, Burt Bacharach et des Beach Boys, concoctent des mélodies flower et sunshine pop disco efficaces que je ne peux que conseiller. A mes oreilles, la reprise de Fallait Pas Écraser La Queue Du Chat chantée par notre Clothilde nationale, devenue ici Superstition Shadow Walk est un réel bijou, clin d'oeil à la culture sixties française réussi. Le disque est garni de pépites du genre comme Peace Blossom Boogy et Monky Disco, qui à son écoute, donne envie de jongler avec des bananes et de se secouer frénétiquement en chantant 'les australiens sont mes amis'.





Au mois de juillet 2018, nos amis The Babe Rainbow, Angus Dowling au chant et batterie, Jack Crowther guitariste et Lulu (Louise) le bassiste, rencontré à Paris, signent le nouvel album Double Rainbow . Les mélodies y sont psychédéliques, folk, disco, habillées de lignes de basse et gorgées d'harmonies vocales sucrées et fondantes. Les guitares sautillantes s'offrent avidement dès The Magician qui ouvre le disque . La batterie souple et élastique flotte charmante sur Supermoon qui d'emblée montre la volonté d'hommage aux tempo sixties qui devient vibrant sur Gladly. Les percussions déployées donnent de l'élan aux guitares sur les aboutées Darby and Joan et Eureka.



Le chuchotement glorieux et adroit du sitar psychédélique de Alan Chadwick's Garden précède Cool Cat Vibe orné d'une basse pure, savamment groovy sur les wah wah de la guitare léchés. Puis le sensuel et soigné Bella Luna accueille une flûte traversière élégante dessinant un profil contemplatif, suivi du délicat instrumental, puissant en arpèges pastoraux 2nd of April. L'effet laconique et litanique continue avec Running Back et New Attitude qui boucle l'album sur un clavier délicat. L'essence pop harmonieuse des derniers titres de Double Rainbow comprenant un instrument unique accentue l'effet planant et démontre que The Babe Rainbow peuvent voyager dans les styles musicaux, largement et aisément. Nos amis australiens visitent souvent Paris, ne cessent de clamer leur amour pour la France et leur affection nous honore! En attendant leur retour, The Babe Rainbow attaquent une vague de concerts en janvier du côté de l'Océanie et sont à retrouver chez Flightless Records.
TheBabeRainbow
FlightlessRecords





samedi 17 novembre 2018

Surface to Air Missive

Surface to Air Missive est l'alias d'un seul homme, multi-instrumentiste, arrangeur et compositeur, Taylor Ross. Il signe en 2013 son premier album du même nom, suivi de Third Missive en 2015, A V en 2016 et cette année 2018 parait Surface II Air Missive qui contient ses compositions de 2012-2013 dont aucun label ne voulait à l'époque.

Taylor Ross enregistre seul ses chansons de son home studio en Floride et se produit sur scène avec des musiciens. J'ai récemment découvert son univers artistique, époustouflant de caractère. Il a vingt-cinq ans à peine lorsqu'il signe A V, son véritable dernier album en date. Les douze titres sont excellents, mêlant de l'acoustique pop à du psychédélisme façon Of Montréal, Neutral Milk Hotel avec du Incredible String Band qui est sa référence. Sa griffe, en plus de la composition alternative psych-pop, rock, folk typée, tient dans son grain de voix aux inflexions particulières, à ses métaphores dont la présence fidèle du cygne au travers de ses albums qui peut passer pour bluette, s'élance en perle éloquente. Sa personnalité est une sorte de curiosité dans le panel indie-pop actuel.



SAM sait faire réfléchir ses mélodies sur A V, en zigzags, en reliefs, avec My Stratocaster qui ouvre le disque. Ce qui crée cette amplitude, c'est aussi l'utilisation de la flûte soprano que Taylor reconnait aisément comme un mystère qu'il aimerait savoir utiliser, sans y parvenir, quand il maitrise piano, basse, guitares et batterie. A l'écoute de I Call Me Us, il donne l'impression de fourmiller d'idées, d'aller en diagonale et en réalité, le musicien taille et sculpte ses mélopées au millimètre. On plonge dans l'univers psychédélique grâce à My Finest Shirt qui sonne comme un duo formé de Syd Barrett et d'Elliott Smith, balade où les détours tortueux nous mènent à une vue sublime. Puis à l'image de la pochette d'album, Ascent to A V, en guise de pause de deux minutes, sort l'artillerie de flûtes inquiétantes, au point de faire flipper n'importe quel serpent, avant le majestueux Please No More qui s'empare de l'attention. Telle une méditation, le titre est un voyage in petto dans ses pensées délicates et poétiques mis en valeur par la guitare, le tempo qui galope sur la guitare électrique entêtante. Le rythme continue son ascension sur Sharp Guise jusqu'au Return of Swan où s'entrelacent guitare, basse et flûte. Malgré sa place en milieu d'album, il fait oeuvre de péroraison ; Idem pour Electric Swan sur l'album précédent et Swan Begins sur le dernier.



Puis la pop ressurgit sur Full Love Wonder et Morning Thought avec ses arrangements florissants, sa cascade d'instruments sémillants et ses mélodies cadencées. Something you're not offre une douceur et une volupté quand le piano vient titiller basse et guitare avant le style garage de Me And The Gang et le délicieux Time Being aux mouvements de claviers conspirants. Taylor Ross a du mérite, de l'inspiration. Son talent, patent, vient de son travail mais aussi de son tempérament. Surface to Air Missive a du panage et renouvelle le genre pop baroque avec une grande qualité technique, des ramifications psychédéliques, précieuses et percutantes, épiques et oniriques, sur ce très beau A V.

Un nouvel EP de quatre titres I Fell In est paru il y a deux semaines. On y retrouve une version acoustique de Morning Thought et des inédits destinés à l'origine à A V ; Voyage imaginaire redoutablement mélodieux avec des sauts périlleux dans les arpèges et des harmonies à tire-d'aile qui font effet et complètent le plaisir avec SAM.
SurfaceAirMissive



dimanche 11 novembre 2018

Jack

The Jazz Age de Jack parait en 1998 enregistré entre le Pays de Galles et l'Angleterre. Comme il est toujours doux et bon de se souvenir, j'ouvre donc le tiroir 'disques du siècle dernier'. Je connais Jack depuis 2002 et je ne pense pas passer une seule année depuis sans les écouter au moins une fois.
C'est en 1992 que Jack voit le jour à Cardiff sous l'impulsion de Anthony Reynolds et de Matthew Scott. En 1993, les deux amis posent leurs valises à Londres. Anthony, auteur-compositeur, est féru de littérature, de la Beat Generation, de peinture, de cinéma, des Velvet Underground, fournissant ses chansons de références exquises.



Le premier galop des gallois parait en 1996, nommé justement Pioneer Soundtracks avec son single Kid Stardust dédié à Charles Bukowski. Puis parait le fameux The Jazz Age, peaufiné par l'ingénieur Darren Allison, producteur de Divine Comedy de 1990 à 2000.
Parallèlement, en 1997, Reynolds et Scott travailleront à un autre projet appelé Jacques dont l'opus How to make Love sera produit par Momus. Le titre Morning Light avec son profil Romeo et Juliet est mon préféré. Le deuxième September sound parait en 2000 produit par Rob Kirwan (U2), Bryan Mills (Divine Comedy) et dans l'équipe, Matthew Scott est là. En 2001 l'EP Romantic est enregistré l'hiver 2000 à Paris avec le Moscow Philharmonic Orchestra.
Anthony passe l'année 2001 à New-York pour travailler un nouvel album de Jack, offre la complicité de Dan Fante, le fils de John Fante, qui signe le titre The Emperor of new London sur ce troisième et dernier album, The End of the Way It's Always Been de 2002 sur le label Français, Les disques du crepuscule.



The Jazz Age est pour moi un album supérieur, qui passe les années avec une élégance désarmante. Arrangé de cordes, vêtu de mélodies incroyables, il envoûte par son atmosphère sensuelle voire érotique sous la couverture de métaphores poétiques et de références toutes plantureuses. Cet ôde au rock underground, à l'amour et aux artistes du XXème siècle commence sur un 3 o'clock in the morning dont les six minutes d'emblée subjuguent. L'ensemble de cordes, violons, violoncelle et le saxophone s'unissent sur les guitares de Matthew Scott, de Richard Adderley et le chant saisissant d'Anthony Reynolds. Pablo, dansant, rock garage, déroule sa rythmique musclée de clap-hands sur une histoire de tromperie et de double vie "your clothes are pronounced 'Versace' and not 'Verse-Ace'" quand suit le voltigeant My World Versus Your World, ses guitares tendues, son tempo explosif et son texte passionné, déclamé avec une énergie qui fait tourner la tête. Il y est question d'un peau à peau enflammé un samedi et le titre Saturday's Plan qui enchaine ne calme guère les sens. Nico's Children et le clavier vibrant de George Wright, ses accords langoureux et sombres qui correspondent à l'univers de l'artiste allemande, est plein d'émotions et de mots référents au duo Lou Reed/Nico "so sunny and dirty, together we'd never make it, straight out of here'.



Lolita Elle, surement un des titres qui me marque le plus en 2002 à la première écoute, arrive somptueux, follement enivrant d'amour, de jeunesse, de vitesse, d'érotisme, sur des mots inébriés de Vladimir Nabokov, des arrangements alternant entre douceur acoustique et étreinte symphonique. Dans la même veine romantique, on retrouve Cocteau, Picasso, Warhol, Nico, Fellini, Allen à Manhattan, sur le rock voltigeant de Cinematic qui parle autant de poésie, de cieux étoilés, que de plaisirs de chère, d'infinis plaisirs de chair. La gourmandise est relancée sur le rythme rock de Steamin', enivré de vin, de sensations, d'élans positionnés dans la mélodie toujours aussi génialement galbée par Scott, l'interprétation et les mots de Reynolds. L'effet redouble sur Love And Death In The Afternoon, image d'ébats amoureux brulants avec des harmonies de cordes, vigoureuses et montantes. Half Cut, Wholly Yours clôt l'album, rappelant son contenu, l'amour, le désir, le vin, les robes pas chères vite ôtées, les nuits blanches, les films, la spiritualité sur cinq minutes de notes enlevées, perçantes, qui terminent The Jazz Age monumental, déconseillé à ceux dont la libido est à sec. Anthony Reynolds est un artiste phare, dont la carrière est éblouissante, fleurie d'oeuvres majeures à fouiller absolument et à aller voir sur scène en ce moment avec Anthony Reynolds & the Understudies.
AnthonyReynolds
Pour les fans, ma chronique de 2016 : JackPiggledyPop2016



1914-1918

Ysec Editions, chemin du Roy, Louviers, Normandie

Mon cher arrière-grand-père,
et Dieu sait comme vous étiez grand,

Autrefois vous vous êtes battus pour 'elle' à en perdre vos plumes et votre jambe.
Aujourd'hui, 'ils' sans identité, tel un coquillon vide, 'la gère'.
C'était il y a un siècle et en 2018, il y a toujours des morts.

A vous, Marie-Agnès.

Là-bas avec ceux qui souffrent de Guy Hallé, Paru en 1917.
'Ce petit livre (...) est un chef-d'œuvre, il faut le dire et le mot n'est pas trop fort (...) Comme document il est plus riche, malgré son extrême brièveté que maint autre volume plus prétentieux' . Jean Norton Cru






samedi 10 novembre 2018

The Catherines

Heiko Schneider est le forban pop derrière l'alias The Catherines. Le musicien de Hambourg, fan de la France, de notre Catherine Deneuve, Nouvelle Vague, Godard et digne héritier de l'indie pop C86 met en place ce joli projet en 2017. Avec le label espagnol Mondo Canapé Records, il fait paraitre ce printemps 2018 un premier album The Catherines plein d'âme pop, de références et de passion. Prolifique, inspiré, Heiko nous comble en signant des singles régulièrement depuis un an. De toute évidence, le processus de création n'est pas pour lui une souffrance, au contraire, il s'amuse. Ce plaisir s'entend dans les arrangements fleuris de notes de guitares gourmandes et rayonnantes. Depuis le mois de janvier 2017 et le sublime Your Light Shines Everywhere, Heiko chevauchant en croisade pop, produit un titre par mois en prenant soin du visuel, consacré à la french touche des sixties et signe ce mois de novembre 2018 The more we kept moving the farther away we got from us. Alternant entre son brut de guitares, efficace et pur, synthétiseurs poppy de pied en cape, il émane de ses compositions une mélancolie finement dosée sur des accords variés. Ces accords sont d'ailleurs sur le bandcamp de The Catherines, Heiko expliquant généreusement son travail d'orfèvre, ce qui le tient au corps au moment de son travail. Celui-ci consiste à rendre hommage à cette grande vague de groupes indépendants, des années 80 jusqu'à nos jours, et qui font désormais partie intégrante de notre culture musicale européenne commune.





C'est un régal de retrouver l'esprit des Smiths sur Is Your Bigmouth Girlfriend Really So Charming, de Primal Scream sur How come you think everybody likes you? celui des Field Mice sur Let’s Kiss Good Night In The Morning. Avec une Ibanez 12 cordes à l'épaule, empruntée à l'autre Heiko de Hambourg, Heiko Shulze, ou bien maltraitant avec grâce sa Fender Telecaster, sa Gretsch, sa Gibson, Heiko Schneider produit des chansons formidables et fouillées ; Nourri aux Byrds mais aussi aux biscuits Bahlsen dont on entend le craquement sous la dent sur le titre I was struggling with your magic biscuit tin, notre Heiko a de l'humour en bonus. Parfois sarcastique, mais souvent charmant, ce trait d'esprit transperce ses mélodies, ses arpèges et le choix de ses compagnies comme celle de Hanna ou de Sandra Ost pour les duos. Les titres sont habillés de cor, de trompette, de cloches parfois comme sur Sunshine Every time you say it's okay I know it is okay, aux guitares rutilantes et choeurs sixties fabuleux. The Catherines, fait maison dans les règles de l'art, sensible aux atours français, expert ès-indie, en délivrant un cocktail d'harmonies dansantes, émouvantes et souriantes à piocher à l'envi, entre chaleureusement dans le panthéon des artistes PiggledyPop.
TheCatherines



dimanche 4 novembre 2018

Distant Shore

J'écrivais au mois de mai dernier sur l'EP deux titres de Distant Shore "Découverte vombrissante, attachante, les deux chansons de Distant Shore sur l'EP April '18 qui paraissent il y a un mois sont splendides. L'auteur-compositeur Ben Siddall concocte seul ces deux titres, Former Life et A Quick Goodbye, assurant guitare, basse, rythmique, chant. 
L'ambiance que Ben crée redonne toute sa place à la brit-pop. La voix, la mélodie et les arrangements s'accordent et glissent naturellement, suivant le sillage de ses compatriotes Adam Ficek, Pete Doherty et Alex Turner. Il y a de la rêverie et du lyrisme dans l'écriture, de la musicalité, dotées de cet accent anglais charmant qui envahit avec aisance la mélodie. Le musicien du Yorkshire, qui enseigne la musique, travaille actuellement sur un autre EP qui paraitra bientôt et déjà se dessine l'album pour la fin de l'année 2018."



Dans les semaines qui suivent mon billet, Distant Shore fait paraître un nouveau single. Ben Siddall qui est arrangeur et producteur pour d'autres formations depuis des années a eu raison de se lancer en solo. A l'écoute de Moving Up North, il exprime tout son potentiel et son savoir-faire pop. Inspiré par son propre déménagement d'il y a quelques mois, l'amoureux de la nature déploie ses ailes dans ses harmonies aériennes, crée du mouvement en douceur pour se fondre avec joliesse au thème. Les oiseaux, la mer sont ses domaines de prédilection et il les photographie aussi brillamment qu'il les glisse poétiquement dans ses chansons. Sa richesse mélodique étend son territoire, son agilité à la guitare explore les espaces sonores. Distant Shore fait partie de mon top 10 2018 Piggledy Pop.
DistantShore

samedi 3 novembre 2018

The Vapour Trails

The Vapour Trails est un groupe d'Aberdeen, nouvellement entré dans la sphère indie-pop, avec des compositions jangle-pop efficaces et solides qui sont nourries de leurs influences toutes aussi belles que variées, Johnny Marr, Aztec Camera, Belle and Sebastian, Velvet Underground, Guided By Voices, Wilco et des groupes dont ils s'offrent des reprises savoureuses comme les Teenage Fanclub, House of Love, Byrds, Crosby & Nash ou encore les Beatles. La troupe écossaise est Kev Robertson, leader à la guitare et chant, son fils de 16 ans Scott Robertson et Nicholas Mackie tous les deux guitaristes, Andy Crossan à la basse et Kenny Munro à la batterie.



Ce qui est singulier et remarquable chez The Vapour Trails, c'est l'impressionnante dextérité et le sens inné de la mélodie accrocheuse. Pour ma part, ce qui au prime abord a absorbé mes oreilles c'est le tambourin, dodu, audacieux, la clé pour le rythme déjà vivace et redoutable tenu par les guitares. L'instrument utilisé avec savoir-faire peut être très noble, devenu nécessaire pour le Velvet Underground, Brian Johnstown Massacre, Love et bien d'autres. C'est un régal de le retrouver grâce aux Vapour Trails et de s'en délecter pendant plus d'une heure sur la page soundcloud du groupe. Kev décrit ses arrangements un peu lofi et rétro ; J'ajouterais par les envolées de guitares rock et pop, une base psychédélique douce et harmonieuse. Sans avoir fait paraître d'album, ce qui n'est pas fondamental à l'heure du streaming, les titres comme Sonic Wave et l'ensemble de guitares au son organique, dynamique, met le feu à mes écouteurs quand The Inner Truth fait resplendir une mélodie jangle raffinée et esthétique qui fait danser, dodeliner du chef et accessoirement bouger le popotin. Variées, les harmonies aériennes et entraînantes, se marient aux textes colorés de poésie comme Shatter the Sky et ses choeurs, ses cordes de guitares en unité qui électrisent et emballent immédiatement. Les Vapour Trails titillent l'esprit soul avec une basse qui groove et des riffs qui font bloc sur Hear You Know pour poursuivre dans la texture pop excellente de On A Nearby Bay. Les amateurs de Lloyd Cole aimeront la continuité de la traditionnelle britpop chez The Vapour Trails, surtout quand Kev convoque l'artillerie lourde du psychédélisme, du rock garage avec inventivité et inspiration sur To You
Vapour Trail est aussi le titre d'une chanson du groupe mythique Ride, dont je pense Kev Robertson appréciera le lien. TheVapourTrails



Summer Salt

Summer Salt est comme son nom le susurre plein de soleil et de sel. Le groupe du Texas joue une sunshine pop stylée sixties et bossa iodée, enrobée d'humour et fort prometteuse. Ce groupe est grandiose, talentueux et je pense que nous entendrons parler de Matt Terry, l'auteur-compositeur guitariste et chanteur, dans les années à venir. Le trio d'Austin, Phil Baier, Matt Terry, Eugene Chung, la vingtaine, propose un éventail de chansons depuis 2014 et signe ce mois de septembre 2018 l'album solide et impressionnant, Happy Camper. Complétement désarmée face au choix d'une chanson, ce qui ne m'arrive que rarement à l'écoute des disques, trouvant souvent la cerise sur la galette, cet album contient du début à la fin des pépites sublimes. Chacun des titres a son atout, son charme et mérite une attention particulière.



Mon écoute est je l'avoue sabrée et perturbée par l'envie de danser sur les mélopées. Les chansons sont galbées, offrent du relief dessiné par l'instrumentation fine et distinguée. Le tempo agit subtilement pour enchanter et machinalement faire bouger de la tête aux pieds. L'évasion, principalement ce que les amateurs de musique recherchent, est assurée sur cette tuerie pop Happy Camper des Summer Salt, sorte de grosse cerise qui est à mes oreilles le meilleur album de l'année 2018. Cette magnifique pièce séduira les amateurs de pop de tous poils, de tout âge, en toutes saisons et par anticipation, plaira longtemps.

Heart and My Car, amoureux et drôle, ouvre le bal. D'emblée, le décor est planté, les palmiers dansent, le sable chaud voltige et les chapeaux de paille valsent. La dulcinée a quitté le protagoniste de l'histoire qui par la même occasion a perdu sa voiture dans laquelle certains voyages sensuels ont fait grimpé le kilométrage. Matt Perry use de métaphores qui feraient rougir n'importe quel garagiste polyglotte. Le boogie langoureux dans les guitares et les 'hoohoo' des choeurs façon Beach Boys sont truculents. La volupté dans le grain de voix de Perry ajoute du sel aux arrangements réussis et panachés de Revvin' My CJ-7 qui parle de musique (vous l'aurez compris) et d'un musicien qui y trouve du réconfort quand il en a besoin, stressé dans son quotidien à la 'american pie'. Tandis que le style bossa et surf pop subjugue et envoûte sur la rythmique exotique blindée d'ultra violets, Speaking Sonar devient brulant et érotique sur les thèmes de l'océan où deux dauphins dansent dans les fonds marins en goûtant au plaisir du 'sonar'. L'épiderme vibre et frissonne sur l'épicé Rockin' my Paw, souriant, sautillant et ficelé avec une écriture imagée qui classe Matt Perry au rang des auteurs compositeurs du bois de Paul Simon et Jonathan Richman.



On continue de gigoter sur le flux vif des lignes de guitares, épaulé par la batterie et les voix énergiquement élégantes de Candy Wrappers. Discrètement, au hasard des titres, glisse le lexique de la musique 'electric guitar', 'Dancing as the records spin round' 'harmony rebel', comme celui des bonbons, 'candy', 'bubblegum', du mouvement 'run' 'swim' 'drive' 'dance' 'ride' 'climb up' et du soleil comme sur le lumineux Oh Dear. Le chant des cigales commence le délicieux Seventeen, au mellow sucré de guitares surf fifties qui forment des vagues mélodiques vintage époustouflantes. L'âge symbolique de dix-sept ans est un sujet classique dans l'indie-pop et ce titre se hisse facilement dans la liste marquant une maturité présente sur le titre Life Ain't The Same qui suit. L'instrumentation tropicale enchante et la séduction opère sans relâche jusqu'au formidable Swingin' For the Fences où Perry brille au chant sur les caisses de batterie rutilantes. Happy Camper et son profil effectivement heureux s'avance vers la fin du disque avec le fertile Lovesick et ses guitares rétro modelées california dreamin', et le chapelet familial 'My uncle tells me, To join a rock-n-roll band And write a little song' sur un tempo bee-bop et des voix en chorale au groovy rockabilly extrêmement bien menés. Enfin le langoureux et touchant Fast Furious and Wonderful qui réunit tous les éléments, mélodie, brio de l'interprétation, thème du temps, du mouvement, de la maturité déclinés de manière fort jolie. L'album ballade, en mouvement perpétuel, se termine sur Happy Camper, au romantisme fondu au tourbillon des moteurs, du soleil, du camping dans la nature et de la musique. A savourer absolument.
SummerSalt



dimanche 28 octobre 2018

Slowdive - Mojave 3

1989, Reading dans le Berkshire, voit se former le groupe mythique Slowdive. A l'initiative du groupe il y a Rachel Goswell et Neil Halstead. Rachel apprend à jouer à 7 ans de la guitare folk avec son père puis dans une école de musique où elle suit des cours de guitare classique avec un autre garçon de 10 ans, Neil . Ces deux amis grandissent, écoutent ensemble les Smiths, Cocteau Twins, le Velvet Underground, et les adolescents créent le groupe The Pumpkin Fairies en 1988 pour former un an plus tard Slowdive, le nom venant d'un single des Siouxsie and the Banshees qu'ils admirent. Ils sont accompagnés du bassiste Nick Chaplin, du guitariste Christian Savill et du batteur Simon Scott remplacé plus tard par Ian McCutcheon. Les anglais signent trois albums chez le label Creation Records, Just for a Day en 1991, Souvlaki en 1993, Pygmalion en 1995, qui décide de ne plus signer Slowdive en 1995.



Les musiciens ne rangent pas les instruments pour autant et saisissent l'occasion de cette rupture de contrat pour changer de nom. C'est sous l'alias Mojave 3 que les acolytes Goswell, Halstead, suivis de McCutcheon, rejoins par le guitariste Simon Rowe ex-membre des Chapterhouse ainsi que du pianiste et clavieriste Alan Forrester rebondissent et signent de 1995 à 2006 cinq albums fantastiques, Ask Me Tomorrow en 1995, Out Of Tune en 1998, le magistral Excuses for Travellers en 2000, l'émouvant Spoon and Rafter en 2003 et Puzzles Like You en 2006.
Si à l'époque la presse rock ne fait pas les yeux doux aux allures shoegazing de Slowdive parce qu'elle préfère creuser sa taupinière dans le grunge, depuis elle a bien changé d'avis. Désormais les meilleures plumes de la presse rock écrivent de l'auteur-compositeur Neil Halstead qu'il est "one of Britain's greatest songwriters".



Car le musicien non seulement brillant, est prolifique, inspiré et signe parallèlement au travail du groupe des albums en solo comme Sleeping on Roads en 2001 et son superbe Driving with Bert, puis quand le groupe se met en pause en 2008, Halstead enregistre le fabuleux album Oh! Mighty Engine, suivi en 2012 de Palindrome Hunches. C'est à ce moment que Mojave 3 revient de manière ponctuelle sur les scènes évoquant un album sans que le projet ne se concrétise.
En 2017, à la surprise générale, c'est sous l'ancien nom Slowdive que le phoenix réapparait avec un album grandiose, typé années 80 garni d'arrangements dream-pop. On retrouve avec joie la clique de moustachus d'il y a trente ans, Neil Halstead au chant, guitare et claviers, Christian Savill à la guitare, Nick Chaplin à la basse, Rachel Goswell au chant et Simon Scott à la batterie.



L'album Slowdive commence puissamment avec Slomo, ses mots 'Give me your love, it's a curious love, Give me your heart, it's a curious thing' sur 6 minutes 53 secondes de notes hypnotisantes et amoureuses qui annoncent la couleur, le profil artistique et cosmique des huit titres. Les guitares, brillantes et orgueilleuses, entrent en scène sur l'édifiant Star Roving qui distribue de l'énergie. La voix de Halstead ronde et posée transperce la mélodie, donne de l'impact et de l'effet aux harmonies percutantes. Les métaphores y sont acérées, lumineuses, coincées entre le temps, le secret, comme sur Don't know Why dont le relief mélodique agrémente des paroles imagées qui dessinent un règlement de compte sentimental. L'amertume est confirmée sur Sugar for the Pill, dont la mélodie offre une âme eighties palpable, soufflant un air dansant et déterminé. Everyone knows enchaine sur le thème de la séparation et de l'éloignement traité avec excellence via des harmonies de claviers et synthétiseurs vintage, de l'écho renforcé des deux voix célestes, contemplatives de Neil et de Rachel. La symbiose de l'instrumentation et du chant opère toujours avec le couple guitare-basse qui ondule élégamment sur No Longer Making Time, taillée dans la nostalgie et la sensualité. Le passé et la rupture sont affrontés avec du désir et de la douceur, persistants, entêtants sur Go Get It. Le style ambiant et expérimental navigue, progresse sur la mélodie pop cold et dream de Falling Ashes où piano, voix, guitare forment une alchimie sur huit minutes pendant lesquelles émane la délicatesse de l'auteur face à la séparation. Neil Halstead décrit son amour perdu avec beaucoup de beauté, de grâce et une fraiche émotion. Slowdive, l'album, est un magnifique flash-back sur l'oeuvre titanique du groupe Slowdive, gorgé d'âme et d'éternité.

Slowdive
SlowdiveHandsAndArms



dimanche 21 octobre 2018

Max Raabe

Max Raabe est une star en Allemagne, en Russie, en Chine, aux USA et reste trop inconnu en France. Pourtant ce grand musicien à la voix de baryton, est un personnage. Sur scène depuis 1987, né en 1962, l'allemand mène sa carrière brillamment depuis, offrant à son public dont je fais partie, une variété d'albums. Impossible de s'ennuyer en sa compagnie. Il est drôle, élégant, talentueux et généreux. Hors des modes, hors du temps, son charme est consistant, intemporel et éternel. Sa passion est mise en exergue par son orchestre, nommé Palace Orchester, ses compagnons depuis des années avec qui il reprend des standards des années 1920, 1930, allemands, anglais, parfois italiens et français. L'artiste montre une oreille absolue en entonnant ces airs, ces paroles, avec un accent parfait. Discret, il partage sa place avec ses musiciens sur scène, ayant ce geste plein de panache, de classe, de se retirer légèrement quand ils jouent. En 1982, le jeune Max, 20 ans, part à Berlin étudier la musique classique et l'opéra, se produit dans des bars en chantant pour financer ses études. Avec une poignée d'amis étudiants, il crée le Palace Orchester en 1986. Leur première signature Kein Schwein ruft mich an est un réel succès dès la toute première performance en public au Berlin Theaterball. Max interprète ses titres avec un charisme unique, roulant les 'r' comme dans les années folles, et redorant le blason de la chanson dite 'démodée'.



Depuis trente ans, sa renommée nationale et internationale ne cesse de croitre et son style cabaret,  magnifique me touche et avec une vingtaine de disques, m'émeut davantage avec le temps. Le style de Max Raabe se rapproche de l'indie pop ces derniers temps même si ses créations étaient déjà sacrément ornées de pop orchestrale. Dans ses deux albums de 2001 et 2002, superhits et superhits 2, sa voix de baryton qui récolte un succès énorme en Allemagne et en Russie, vient se frotter à des tubes des années 70/80 comme Tainted Love, We Will Rock You, Sex Bomb, Oops... I Did It Again, Super Trooper, Mambo No. 5, Around the World etc. Je conseille d'écouter à la volée les albums incontournables comme Ich hör' so gern Musik de 1991, le très swinguant Bel Ami de 1995, Music, Maestro, Please de 1996, Charming Weill de 2001, Heute Nacht Oder Nie de 2008, Übers Meer de 2010, The Golden Age de 2013 et le dernier en date Der perfekte Moment... wird heut verpennt de 2017.

Les musiciens et amis de Max qui forment le coeur de l'orchestre sont Cecilia Crisafulli au violon, Sven Bährens à la clarinette, Johannes Ernst au saxophone, Rainer Fox à la clarinette et saxophone, Uli Hoffmeier à la guitare et banjo, Bernd Dieterich au tuba, Ian Wekwerth au piano, Vincent Riewe au tambour, Jörn Ranke au trombone, Michael Enders et Thomas Huder aux trompettes, Bernd Frank au saxophone, Fabio Duwentester aux percussions. Ils sont tous là pour Der perfekte Moment... wird heut verpennt composé et écrit par Max Raabe, qui fait aussi équipe avec ses amis qu'il appelle ses 'pop specialists' : Annette Humpe, Achim Hagemann, Peter Plate, Ulf Leo Sommer, Daniel Faust et Christopher Israel .



Der perfekte Moment est un album kaléidoscope, commençant avec Guten Tag, Liebes Glück habillé de pop délicate jouée à la guitare accompagnée d'un scintillant carillon sur le chant joyeux de Max Raabe 'Heute ist ein guter Tag um glücklich zu sein, Steht das Glück vor der Tür, dann lass ich es rein'. Gonflé d'un air printanier et clément, c'est le départ enchanteur de la balade pop Der Perfekte Moment ...Wird Heut Verpennt et les voix en chorale sublimes de Annette et Inga Humpe. Le banjo frissonnant laisse place aux cuivres qui soufflent une brise pop sur Fahrrad Fahr'n garni de choeurs joviaux tenus par la clique Jörn Ranke, Michael Enders et Rainer Fox. L'esprit rieur dans les arrangements et les mots se répand sur Ich Bin Dein Mann, puis continue avec une orchestration rutilante et ascensionnelle sur Ich Sing Am Liebsten, Wenn Der Mond Scheint. L'émotion gagne sur l'instrumentation classique, follement lyrique de Willst Du Bei Mir Bleiben écrite des mains de Max Raabe et de Christoph Israel. La pop revient sur les cordes de la guitare douce, la basse souriante, du banjo taquin et des trompettes vives qui font voltiger Ich Geh Durch Den Park An Einem Donnerstag. La mélodie cristalline de Hohl est portée par les cordes et les cuivres alliés à des sifflements d'oiseaux chatoyants. Le jazzy Du Bist Viel Zu Schön Für Einen Mann Allein joue des notes lumineuses sur la voix de Max brodée d'or qui fleurit la mélodie éclatante de Heut Bring Ich Mich Um où les envolées d'instruments à cordes alternent avec les cuivres. Le brio des musiciens  Daniel Faust, Max Raabe, Peter Plate et Ulf Leo Sommer y est étendu. L'envie de danser est saisissante sur l'accordéon et les trompettes glorieuses du cocasse Côte D'Azur, clin d'oeil délicieux à la France qui est suivi avec galanterie de Liebling, plein de tendresse et de pudeur pour cette fin d'album.




Max Raabe avec Der perfekte Moment... wird heut verpennt resplendit de charmantes manières rétro et écrit, chante des airs raffinés qui séduisent mon penchant assumé pour l'ancien et le traditionnel. Il fait rayonner le passé à travers son univers musical. Loin de la nostalgie ou du regret, il montre simplement que le passé est essentiel pour comprendre la musique. Ambassadeur de la ville de Berlin dont il reçoit la médaille de l'ordre du mérite, Max garde ses distances, son humour, aime ses costumes queue de pie, ses cravates, ses noeuds papillons et s'inspire de son père, de son grand-père qui dit-il avaient un décalage et une drôlerie incomparables sous leurs habits du dimanche. Rarement au volant de sa coccinelle bleu ciel quand il va à la campagne le weekend, Max ne se déplace qu'en vélo, été comme hiver, sa roue de secours sur le dos. Il signe au printemps 2018 un joli Fahrrad fahr´n qui évoque sa bicyclette des années 50 qu'il chérit et ce fabuleux single de bon aloi a sa place naturelle dans le panthéon PiggledyPop. Es ist schon offensichtlich!
MaxRaabe



samedi 20 octobre 2018

French Pop Dream

J'écrit sur ce génial projet qui m'est particulier et cher en juin 2015 "Estival et souriant, le projet French Pop Dream est sunshine pop. Produit par Jamie West, l'équipe est franco-anglaise avec Myriam Gasser à l'accordéon et au piano. L'année 2014 offre l'apparition du titre The First Day of Summer sur un film français de Gilles de Caevel, puis 2015 propose le single léger et mélodieux Now Would Be a Good Time, soigné par le batteur Daniel Said, et les guitaristes Michael Wood et Bernard Butler."



De nouveau, je ressors un billet sur le groupe yéyé d'outre Manche en décembre 2015. "En 2013, le musicien Duncan Steer, membre du groupe Pastel Collision, vit dans le même quartier qu'Anne à Londres et c'est de cette rencontre entre voisins passionnés de pop que naitra Eurostar, the Musical. Duncan compose et écrit les mélodies sixties inspiré par les chanteuses de l'époque comme Françoise Hardy et dit que le thème de ses chansons parle des "people in Europe moving from country to country, looking to see if life will be different for them" (...) 2014 le somptueux single Now Would Be a Good Time continue son immersion dans l'atmosphère sixties d' A bout de souffle ou de la clique du Drugstore et du Palladium.
Le duo Duncan et Anne est venu passer une semaine à Paris fin octobre 2015 pour travailler des enregistrements de voix au studio de la Seine (qui a vu passer entre autres Françoise Hardy et Jarvis Cooker) pour le génial Silver Bells (Christmas Time in the City), titre de Bing Crosby de 1951. L'équipe franco-anglaise a fait un travail d'orfèvre délicieusement rétro qui fleure bon la cannelle du candy accroché au sapin. Les arrangements de Duncan, la voix d'Anne, se marient à merveille pour refléter l'esprit chaleureux et scintillant des fêtes de fin d'année et offrir un Silver Bells incontournable cette année dans vos enceintes."



Le 25 septembre 2018 parait un nouvel EP de quatre titres, dont deux sont en français. Les deux titres en anglais commencent la carte postale iodée et musicale. D'abord Who Cares What the Stars Are Called? que la BBC qualifie de 'Wonderfully evocative' offre une mélodie festive ornée de guitares qui jouent du velours, de balais de batterie rétro à souhait et d'un accordéon galbé à la française pour apporter un soupçon de sensualité. Celui-là même revient jouer des notes qui font résonner l'âme de Montmartre ou de Ménilmontant pour flirter avec le piano et la somptueuse guitare electro-acoustique sur I Need More Music in My Life. Puis une histoire de plage avec ses bruitages de bord de mer sonne joliment nostalgique avant la pop joviale sixties du Theme from L'amour or Less qui conclue le temps d'une minute vintage l'EP plein de charme Who Cares What the Stars Are Called?
Duncan Steer comme Philippe Auclair alias Louis Philippe, est journaliste au dehors de la scène et n'appréhende pas seulement la musique comme un hobby mais la vit depuis les années 80 et tel un maestro de la pop, la transforme en matériel, en poésie, pour titiller notre imagination. L'artiste anglais met son talent et son expérience au service de la pop française et c'est un honneur de compter French Pop Dream dans le panthéon des groupes PiggledyPop.
FrenchPopDream



mercredi 17 octobre 2018

Good Morning

Good Morning est un groupe de Melbourne qui offre une pop dense, aussi feutrée que solide. Liam Parsons et Stefan Blair font paraitre le 26 mars 2018 leur premier album Prize//Reward constitué de 10 titres qu'ils jouaient depuis l'année 2016, ornés du saxophone de Glenn Blair, le père de Stefan. Les australiens apparaissent en 2014 avec un 'grand' EP nommé Shawcross fleuri de 7 titres. Il est suivi des EP A Vessel / Radiovoice en en mai 2015, de On The Street / You en juillet 2015, du 6 titres Glory en janvier 2016, de Step Aside / Oppsie en novembre 2016. Toutes ces chansons réunies et agrémentées d'inédits paraissent le 7 juillet 2017 sur un magnifique vinyle de 13 titres. Enfin, ce printemps 2018 l'album Prize//Reward que je découvre fraichement accroche mon attention, me séduit. Je ne suis pas seule puisqu'il récolte déjà un beau succès dans le monde entier.



Quand on tend l'oreille au Plant Matta qui ouvre le disque, titre singulier d'une minute coloré de sonorités pop sublimes qui émanent d'une guitare, d'une flûte et du micro vintage fifties, elle se dresse guillerette. La basse et le piano mutins apportent de la soul délicate qui va comme un gant à son titre For a Little While, où le saxophone amplifie l'effet à mi-chemin avec ses notes taquines . L'ambiance se dessine intime. Le délice de subtilité, d'humour discret, de sensualité palpable s'entendent, tout comme leur perfectionnisme à l'enregistrement. Plus que des compositeurs esthètes, les deux compères complices, font de l'exploration de sons, de la recherche musicale en studio. La multiplicité de pistes et d'accords forme comme une peinture flamande une richesse mélancolique mais animée en création, vive et nerveuse en inspiration. Good Morning offre un condensé de contradictions, où l'énergie des arrangements se marie à la sensibilité des mélodies comme sur le sautillant Just A Man. Les reliefs de balance de After You nous emmènent dans l'exploration de sons et dans l'enregistrement réfléchi comme une partie d'échecs en devient fulgurante. Mirror Freak et sa tonalité lancinante à la Velvet Underground obtient un résultat rock'n roll, avec ses guitares et sa basse qui jaillissent, joliment tumultueuses sur des mots au sens ambigüe et caché qui tempêtent un message crypté. L'objectif est idem sur le symbolique Escalator qui parle d'une attaque de panique dans un centre commercial puis laisse place au romantisme écorché et sublime de Who's To Blame. $10 poursuit avec ses guitares galbées farniente psychédélique qui plaira aux amateurs de Mac De Marco et dans le même esprit décomplexé suit Whine Time avec sa légèreté dans les mots, son inconscience sulfureuse sur un tempo voluptueux et un chant souple. Look around boucle l'écoute sur la résonance du piano façon Lennon et la voix déstabilisante de fragilité, émouvante. Il y a chez Good Morning une force dans la composition qui fait pour chaque titre de Prize // Reward une mélodie unique, de qualité, qui emmène dans son histoire. L'album est un ovni qui voyage habilement sur la platine et les arrangements oniriques, vertigineux des Good Morning, joyeux drilles qui n'aiment comme hobby que le Queensball, qui reviennent récemment d'une grande tournée au Japon, donnent simplement envie de se laisser envelopper de leurs harmonies.
GoodMorning



dimanche 14 octobre 2018

Halloween

Halloween n'est pas spécialement un rituel français, se fêtant principalement dans les pays anglo-saxons mais a pourtant sa légitimité dans l'hexagone. Halloween nait sur les îles anglo-celtes. Dans l’année celtique protohistorique, il y a quatre grandes fêtes, celle-ci célébrée en début d'automne est la première. Comme un nouvel an, elle marque la transition d'une année à l'autre. La fête de Samain, nom gaélique est placée sous l’autorité de la classe sacerdotale des druides est souvent mentionnée dans les récits épiques irlandais mais aussi en Gaule où les Celtes la fête pendant le mois de Novembre appelé le mois de Samonios. La fête religieuse dure trois jours, banquets, assemblées, les Gaels honorent ce changement d'année, symbole de l'ouverture vers l’Autre Monde, celui des dieux.

Ce sont les irlandais qui ont maintenu la tradition, les rites et la mythologie de la 'race irlandaise', décrite par la mère d'Oscar Wilde, Lady Jane Francesca Wilde, poétesse, écrivain, journaliste, militante de la cause nationale irlandaise qui publie Ancient legends, mystic charms, and superstitions of Ireland en 1887. Au milieu du XIXème siècle, la masse d'irlandais et d'écossais arrivés aux Etats-Unis introduit la tradition qui devient populaire au début du XXème siècle. Halloween permet alors de parler aux défunts, de chatouiller les âmes de l'au-delà, de partager des sucreries avec les fantômes, les sorcières et les vampires. Le terme paien qui est accolé à la fête d'Halloween est 'moderne'. Le paganisme nait au VIIème siècle, le terme péjoratif et ironique désigne le paysan (paganus) qui n'est pas chrétien et la fête sera dite païenne en l’an 610 par le Pape Boniface IV. Halloween est antérieur, la fête de Samain date de 500 avant J.C et les celtes qui formaient une société très homogène et cultivée, menaient une vie fort rythmée par la religion.

Les celtes de la Gaule fêtaient le Tri nox Samoni (les trois nuits de Samain) donc, chers Français, comme les cousins d'outre Manche, vous pouvez légitimement attraper les petites cuillères et creuser la citrouille sans peur du mauvais sort, allez duper les esprits malicieux, gobez 3kg de fraises tagada et si vous voulez voir une sorcière, mettez vos vêtements à l'envers, laissez pendre vos poches et marchez à reculons!

Alpha Whale - Dine With Satan

Warren Zevon - werewolves of london

Lily Fayol - Le fantôme écossais

Alialujah Choir - A House, A Home

Jeremy Messersmith - A Girl, a Boy, and a Graveyard

Aldo - Good Morning Pumpkin

Dead Man's Bones - Dead Hearts